Venise

I più bei lampadari della Fondazione Musei Civici di Venezia

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Nel stupendo Museo di Palazzo Mocenigo, e nel meraviglioso Museo di Ca’ Rezzonico, entrambi della Fondazione Musei Civici di Venezia, al suo interno, in molte sale, ci sono dei lampadari che sono a dir poco dei veri capolavori di arte vetraria. Volete saperne un po’ di più ?

La loro storia, inizia più o meno quando, nel 1291 un decreto della Serenissima ordinò che tutte le Vetrerie di Venezia, per evitare il rischio di incendi, fossero trasferite nella vicina isola di Murano. A quella data si fa risalire l’inizio della leggendaria attività vetraria muranese e da allora l’arte del vetro resterà indissolubilmente legata al nome di Murano. Dalle “murrine” alla “filigrana”, ai “reticelli”, ai calici soffiati che sono espressione dell’arte muranese del 400 e del ‘500, attraverso l’esuberanza barocca, la breve fioritura neoclassica e i “revivals” dell’800, si sviluppa questa lunga e affascinante storia. Ai giorni nostri vengono ancora riprodotte le opere più significative delle varie epoche, mentre lo spirito creativo della tradizione dà impulso alla ricerca di nuove forme che sono espressione del nostro tempo.

Si dice che i lampadari più belli di questi due musei, siano quelli di Briati, specialmente il modello Rezzonico: è un lampadario a sospensione in vetro di Murano realizzato a mano. È caratterizzato da una forma a cascata, con una serie di pendenti in vetro di Murano che si irradiano da un centro centrale. I pendenti sono realizzati in una varietà di colori e forme, e possono essere personalizzati per adattarsi a qualsiasi ambiente.

Briati fu una figura di spicco nella vetreria artistica veneziana del Settecento. Fu un abile maestro vetraio che sostenne con originalità le prerogative della tradizione muranese, contrastando l’invadente concorrenza del neonato cristallo di Boemia. Briati introdusse un nuovo tipo di vetro “uso cristallo” e inventò nuove tecniche decorative, che gli permisero di creare manufatti in vetro di grande bellezza e raffinatezza. Nel 1739 Briati aprì a Venezia una vetreria nella quale realizzò una varietà di manufatti in vetro, tra cui specchi, lampadari e altri oggetti in vetro decorato. La sua produzione fu vastissima e varia, spaziando dalle cornici ai lampadari (quelli detti “a pagoda” o “alla cinese”, con bracci decorati con fiori policromi), dalle lampade da parete (dette “lumiere” che diverranno l’incontrastata specialità della vetreria veneziana dell’epoca) alle suppellettili da tavola. Moltissimi degli oggetti da lui creati sono ora conservati presso il Museo del vetro di Murano. Briati è considerato uno dei più importanti maestri vetrai del Settecento veneziano. Il suo lavoro ha contribuito a preservare la tradizione muranese e a diffondere il vetro di Murano in tutto il mondo.

Che altro dire ? Io vi consiglio di andare a vederli , nei musei che vi ho accennato sopra: Ca’ Rezzonico e Palazzo Mocenigo . Vi aspettiamo !!

The most beautiful chandeliers of the Civic Museums Foundation of Venice

In the stupendous Museum of Palazzo Mocenigo, and in the marvelous Museum of Ca’ Rezzonico, both of the Civic Museums Foundation of Venice, inside, in many rooms, there are chandeliers which are nothing short of true masterpieces of glass art. Do you want to know a little more?

Their story begins more or less when, in 1291, a decree of the Serenissima ordered that all the Glassworks of Venice, to avoid the risk of fires, be transferred to the nearby island of Murano. The beginning of the legendary Murano glassmaking activity dates back to that date and since then the art of glass will remain inextricably linked to the name of Murano. From the “murrine” to the “filigree”, to the “reticelli”, to the blown goblets which are an expression of the Murano art of the 1400s and 1500s, through the Baroque exuberance, the brief neoclassical flowering and the “revivals” of the 19th century, develops this long and fascinating story. Nowadays the most significant works of the various eras are still reproduced, while the creative spirit of tradition gives impetus to the search for new forms that are an expression of our time.

It is said that the most beautiful chandeliers in these two museums are those of Briati, especially the Rezzonico model: it is a handmade Murano glass suspension chandelier. It features a cascading shape, with a series of Murano glass pendants radiating from a central center. The pendants are made in a variety of colors and shapes, and can be customized to fit any setting.

Briati was a leading figure in eighteenth-century Venetian artistic glassmaking. He was a skilled master glassmaker who supported the prerogatives of the Murano tradition with originality, contrasting the invasive competition of the newborn Bohemian crystal. Briati introduced a new type of glass “using crystal” and invented new decorative techniques, which allowed him to create glass objects of great beauty and refinement. In 1739 Briati opened a glass factory in Venice in which he created a variety of glass artefacts, including mirrors, chandeliers and other decorated glass objects. Its production was vast and varied, ranging from frames to chandeliers (those called “pagoda” or “Chinese-style”, with arms decorated with polychrome flowers), from wall lamps (called “lumiere” which would become the undisputed specialty of Venetian glassware of the time) to table furnishings. Many of the objects he created are now kept in the Murano Glass Museum. Briati is considered one of the most important glass masters of eighteenth-century Venice. His work has helped to preserve the Murano tradition and to spread Murano glass all over the world.

What else to say? I advise you to go and see them in the museums I mentioned above: Ca’ Rezzonico and Palazzo Mocenigo. We are waiting for you !!

Esperienza Olfattiva a Palazzo Mocenigo

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Il museo di Palazzo Mocenigo, oltre ad essere stata la casa di una delle famiglie più importanti di Venezia, e anche museo del costume, è anche Museo del profumo. Da un po’ di tempo, è stata allestita una sezione dedicata al profumo, che in aggiunta a delle altre “sorprese”, offre un esperienza olfattiva del tutto straordinaria.

Non tutti sanno, che all’interno di alcune sale, del Museo, sono posizionati dei diffusori, che ad intervalli di tempo, diffondono delle fragranze aromatiche, che, da delle piacevoli emozioni, a chi visita il palazzo. Per esempio: in sala 4: Blue TeaBlue Tea è una fragranza ispirata ai profumi e alle materie pregiate delle terre asiatiche. È una fragranza femminile, delicata ed elegante, che combina le note fresche e fruttate del tè blu con le note floreali della rosa, della magnolia e del neroli. Il cuore della fragranza è avvolto da varie note fresche, soavi e leggermente fruttate, mentre la base è composta da un vetiver corposo avvolto da muschio. Il tè blu è un tè cinese appartenente alla specie Oolong. È originario del sud-est asiatico e dell’India. Il tè blu è caratterizzato da un colore blu intenso e da un aroma delicato e floreale. La rosa è un fiore simbolo di amore, bellezza e passione. La magnolia è un fiore simbolo di eleganza, raffinatezza e purezza. Il neroli è un fiore simbolo di giovinezza, innocenza e felicità. Il vetiver è un’erba aromatica originaria dell’India. È nota per il suo aroma legnoso e muschiato. Il muschio è una resina vegetale che emana un aroma caldo e avvolgente..

In sala 8: La Rosa Moceniga è caratterizzata da un colore rosa seta leggermente sfumato ed emana un profumo delizioso, fruttato e femminile. È un fiore unico che incarna un mistero ancora tutto da svelare. Ecco alcuni dettagli aggiuntivi sulla Rosa Moceniga:

  • È una rosa molto profumata, con un aroma che ricorda la frutta e i fiori.
  • È una rosa molto bella, con petali delicati e un colore rosa tenue.
  • È una rosa molto resistente, può crescere in una varietà di condizioni climatiche.
  • È una rosa molto rara, è difficile da trovare in commercio.
  • La Rosa Moceniga è un fiore unico e prezioso che è stato apprezzato per secoli. È un simbolo di bellezza, femminilità e raffinatezza.  

In sala 10: La Colonia Veneziana. La fragranza si apre con un’esplosione di agrumi, con note di bergamotto, arancio e limone. Il bergamotto è una nota fresca e agrumata, l’arancio è una nota dolce e solare, mentre il limone è una nota acidula e pungente. Queste note sono unite alle nuances aromatiche del rosmarino, una nota speziata e pungente.Il cuore della fragranza è composto da zenzero, salvia sclarea e iris. Lo zenzero è una nota piccante e stimolante, la salvia sclarea è una nota fresca e aromatica, mentre l’iris è una nota delicata e femminile. Queste note si fondono insieme creando una fragranza complessa e affascinante.Il fondo della fragranza è composto da un accordo legnoso, con note di sandalo, cedro e muschio. Il sandalo è una nota calda e avvolgente, il cedro è una nota legnosa e decisa, mentre il muschio è una nota sensuale e misteriosa. Queste note creano una base solida e persistente per la fragranza, che dura a lungo sulla pelle.

La prossima volta vi parlerò delle altre stanze dell’esperienza olfattiva. Aggiungo anche, che accanto alla biglietteria, c’è un’area dove, se volete potete acquistare i profumi che avete sentito, e altri ancora. Spero intanto di avervi incoraggiato a venire a visitare questo bellissimo museo, che è aperto tutti i giorni tranne il lunedì. Vi aspettiamo !!

Olfactory Experience at Palazzo Mocenigo

The Palazzo Mocenigo museum, in addition to having been the home of one of the most important families in Venice, and also a costume museum, is also a perfume museum. For some time now, a section dedicated to perfume has been set up, which, in addition to other “surprises”, offers a completely extraordinary olfactory experience.

Not everyone knows that diffusers are positioned inside some rooms of the Museum, which at intervals of time, spread aromatic fragrances, which give pleasant emotions to those who visit the building. For example: in room 4: Blue TeaBlue Tea is a fragrance inspired by the scents and precious materials of Asian lands. It is a feminine, delicate and elegant fragrance that combines the fresh and fruity notes of blue tea with the floral notes of rose, magnolia and neroli. The heart of the fragrance is wrapped in various fresh, sweet and slightly fruity notes, while the base is composed of full-bodied vetiver wrapped in musk. Blue tea is a Chinese tea belonging to the Oolong species. It is native to Southeast Asia and India. Blue tea is characterized by a deep blue color and a delicate, floral aroma. The rose is a symbol of love, beauty and passion. Magnolia is a symbol of elegance, refinement and purity. Neroli is a flower symbol of youth, innocence and happiness. Vetiver is an aromatic herb native to India. It is known for its woody and musky aroma. Musk is a plant resin that gives off a warm and enveloping aroma..

In room 8: Rosa Moceniga is characterized by a slightly nuanced silky pink color and exudes a delicious, fruity and feminine scent. It is a unique flower that embodies a mystery yet to be revealed. Here are some additional details on Rosa Moceniga:

  • It is a very fragrant rose, with an aroma reminiscent of fruit and flowers.
  • It is a very beautiful rose, with delicate petals and a soft pink colour.
  • It is a very resistant rose, it can grow in a variety of climatic conditions.
  • It is a very rare rose, it is difficult to find on the market.
  • The Rosa Moceniga is a unique and precious flower that has been treasured for centuries. It is a symbol of beauty, femininity and sophistication.  

In room 10: La Colonia Veneziana. The fragrance opens with a citrus explosion, with notes of bergamot, orange and lemon. The bergamot has a fresh and citrusy note, the orange is a sweet and sunny note, while the lemon is a sour and pungent note. These notes are combined with the aromatic nuances of rosemary, a spicy and pungent note. The heart of the fragrance is composed of ginger, clary sage and iris. Ginger is a spicy and stimulating note, clary sage is a fresh and aromatic note, while iris is a delicate and feminine note. These notes blend together creating a complex and fascinating fragrance. The base of the fragrance is composed of a woody accord, with notes of sandalwood, cedar and musk. Sandalwood is a warm and enveloping note, cedar is a woody and decisive note, while musk is a sensual and mysterious note. These notes create a solid and persistent base for the fragrance, which lasts long on the skin.

Next time I’ll tell you about the other rooms of the olfactory experience. I would also add that next to the ticket office, there is an area where, if you want, you can buy the perfumes you have smelled, and more. In the meantime, I hope I have encouraged you to come and visit this beautiful museum, which is open every day except Monday. We are waiting for you !!

Il Profumo a Venezia

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Venezia ha una lunga e ricca storia nella produzione di profumi. Il primo profumo veneziano è stato creato nel XII secolo da un monaco bizantino di nome Angelo Musachio. Il profumo, chiamato “Acqua di Venezia”, era fatto con ingredienti provenienti da tutto il mondo, tra cui rose, gelsomino, iris e sandalo. Nel XVI secolo, Venezia divenne il centro mondiale della produzione di profumi. La città era in una posizione strategica per il commercio con l’Oriente, e gli ingredienti per i profumi arrivavano da tutto il mondo. I profumieri veneziani erano anche molto creativi, e creavano profumi con aromi nuovi e originali.

Nel XVII e XVIII secolo, i profumi veneziani erano molto popolari in tutta Europa. Le donne e gli uomini indossavano profumi per occasioni speciali, come matrimoni, balli e feste. I profumi veneziani erano anche utilizzati come rimedi naturali per la salute e la bellezza.

Nel XIX secolo, la produzione di profumi a Venezia iniziò a declinare. La città perse la sua posizione di centro mondiale del commercio, e gli ingredienti per i profumi divennero più costosi. Tuttavia, alcuni profumieri veneziani continuarono a produrre profumi di alta qualità, e alcuni di questi profumi sono ancora in vendita oggi.

Il processo di creazione del profumo a Venezia nel passato era un processo lungo e laborioso. Ha coinvolto diverse fasi, tra cui:

  • Raccogliere gli ingredienti. Il primo passo è stato raccogliere gli ingredienti per il profumo. Questi ingredienti potevano essere fiori, erbe, spezie, resine e oli. I profumieri spesso viaggiavano in terre lontane per raccogliere gli ingredienti più rari ed esotici.
  • Distillare gli ingredienti. Una volta raccolti gli ingredienti, venivano distillati per estrarre gli oli essenziali. Questo è stato fatto riscaldando gli ingredienti in un alambicco e raccogliendo i vapori rilasciati. I vapori sarebbero quindi condensati nuovamente in forma liquida e gli oli essenziali sarebbero stati separati dall’acqua.
  • Mescolare gli oli essenziali. Gli oli essenziali sarebbero quindi stati mescolati insieme per creare la fragranza desiderata. I profumieri avrebbero miscelato accuratamente gli oli insieme, usando i loro nasi per giudicare le proporzioni.
  • Aggiunta di un fissativo. Un fissativo è una sostanza che aiuta a impedire al profumo di evaporare troppo rapidamente. I profumieri spesso aggiungevano un fissativo, come ambra grigia, muschio o vaniglia, ai loro profumi.
  • Imbottigliamento del profumo. Una volta pronto il profumo, veniva imbottigliato. Le bottiglie erano spesso fatte di vetro o cristallo e decorate con elaborate decorazioni.
  • Il processo di creazione del profumo a Venezia era un processo complesso e che richiedeva tempo, ma i risultati erano profumi che erano noti per la loro bellezza, complessità e longevità.

Oggi, Venezia è ancora una città importante per la produzione di profumi. Ci sono molte aziende che producono profumi a Venezia, come la Mavive per esempio, e alcuni di questi profumi sono esportati in tutto il mondo. I profumi veneziani sono apprezzati per la loro qualità, la loro creatività e il loro legame con la storia della città.

Per capire meglio la storia del profumo a Venezia, consiglio di visitare Palazzo Mocenigo, è un palazzo storico situato a Venezia, nel sestiere di Santa Croce. Il palazzo fu costruito nel XVI secolo dalla famiglia Mocenigo, una delle più importanti famiglie patrizie veneziane. Il palazzo è oggi sede del Museo del Profumo, che racconta la storia del profumo a Venezia. Il museo ospita una collezione di oltre 5.000 oggetti legati al mondo del profumo, tra cui bottiglie, flaconi, strumenti per la produzione del profumo e libri antichi.

Il museo è diviso in cinque sezioni:

  • Storia del profumo a Venezia
  • La produzione del profumo
  • Gli ingredienti del profumo
  • I profumi del mondo
  • Il profumo nell’arte e nella cultura

Il museo è aperto al pubblico tutti i giorni, tranne il Lunedì. Il Museo del Profumo è un luogo unico per scoprire la storia del profumo a Venezia. Il museo è anche un luogo suggestivo, dove è possibile immergersi nell’atmosfera raffinata e elegante della Serenissima.

Perfume in Venice

Venice has a long and rich history in perfume production. The first Venetian perfume was created in the 12th century by a Byzantine monk named Angelo Musachio. The perfume, called “Acqua di Venezia”, was made with ingredients from all over the world, including roses, jasmine, iris, and sandalwood.

In the 16th century, Venice became the world center of perfume production. The city was in a strategic location for trade with the East, and the ingredients for perfumes came from all over the world. Venetian perfumers were also very creative, and they created perfumes with new and original aromas.

In the 17th and 18th centuries, Venetian perfumes were very popular throughout Europe. Women and men wore perfumes for special occasions, such as weddings, balls, and parties. Venetian perfumes were also used as natural remedies for health and beauty.

In the 19th century, perfume production in Venice began to decline. The city lost its position as the world center of trade, and the ingredients for perfumes became more expensive. However, some Venetian perfumers continued to produce high-quality perfumes, and some of these perfumes are still on sale today.

The process of creating perfume in Venice in the past was a long and labor-intensive process. It involved several steps, including:

  • Gathering the ingredients. The first step was to gather the ingredients for the perfume. These ingredients could be flowers, herbs, spices, resins, and oils. The perfumers would often travel to far-off lands to gather the most rare and exotic ingredients.
  • Distilling the ingredients. Once the ingredients were gathered, they would be distilled to extract the essential oils. This was done by heating the ingredients in a still and collecting the vapors that were released. The vapors would then be condensed back into liquid form, and the essential oils would be separated from the water.
  • Mixing the essential oils. The essential oils would then be mixed together to create the desired fragrance. The perfumers would carefully blend the oils together, using their noses to judge the proportions.
  • Adding a fixative. A fixative is a substance that helps to keep the perfume from evaporating too quickly. Perfumers would often add a fixative, such as ambergris, musk, or vanilla, to their perfumes.
  • Bottling the perfume. Once the perfume was ready, it would be bottled. The bottles were often made of glass or crystal, and they were decorated with elaborate designs.
  • The process of creating perfume in Venice was a complex and time-consuming process, but the results were perfumes that were known for their beauty, complexity, and longevity.

Today, Venice is still an important city for perfume production. There are many companies that produce perfumes in Venice, like Mavive for instance, and some of these perfumes are exported all over the world. Venetian perfumes are appreciated for their quality, their creativity, and their ties to the city’s history.

To better understand the history of perfume in Venice, I recommend visiting Palazzo Mocenigo, is a historic palace located in Venice, in the sestiere of Santa Croce. The palace was built in the 16th century by the Mocenigo family, one of the most important patrician families in Venice.

The palace is now home to the Museum of Perfume, which tells the story of perfume in Venice. The museum houses a collection of over 5,000 objects related to the world of perfume, including bottles, vials, perfume-making tools and ancient books.

The museum is divided into five sections:

  • History of perfume in Venice
  • Perfume production
  • Perfume ingredients
  • Perfumes of the world
  • Perfume in art and culture


The museum is open to the public every day except Tuesday. The Museum of Perfume is a unique place to discover the history of perfume in Venice. The museum is also a charming place, where you can immerse yourself in the refined and elegant atmosphere of the Serenissima.

Incontri con il merletto a Palazzo Mocenigo

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Nell’ambito del progetto “Fili di cuore”, riprendono “I venerdì a Museo di Palazzo Mocenigo” dalle 10.00 alle 12.00 che ospiterà i vari incontri del Merletto. Le maestre merlettaie di Burano e Pellestrina si alterneranno dimostrando il lavoro ad ago ea tombolo. Prossima data di luglio sarà Venerdì 21 luglio con l’ Associazione di Mestre “Sacolà e…ciacola ad ago” e il Venerdì 28 luglio con la ACS Murazzo di Pellestrina

Il merletto di Venezia è uno dei più famosi al mondo. È un’arte antica che ha avuto origine nel XVI secolo sull’isola di Burano, una delle isole della Laguna Veneta. Le prime testimonianze del merletto a Venezia risalgono al XVI secolo. In quel periodo, le monache veneziane iniziarono a ricamare merletti con ago e filo. Il merletto era un’attività molto popolare tra le donne veneziane, che lo usavano per decorare i loro vestiti e le loro case.

Nel XVII secolo, il merletto di Venezia iniziò a farsi conoscere in tutta Europa. Le merlettaie veneziane erano molto apprezzate per la loro abilità e la loro precisione. Il merletto di Venezia era un simbolo di ricchezza e di prestigio, e veniva indossato dalle donne più importanti dell’epoca. Nel XVIII secolo, il merletto di Venezia iniziò a perdere popolarità. Questo era dovuto a diversi fattori, tra cui l’arrivo di nuove tecniche di produzione del merletto, la Rivoluzione Francese e l’avvento della macchina da cucire.

Nonostante questo, il merletto di Venezia è ancora oggi un’arte molto apprezzata. È un simbolo della cultura veneziana e viene venduto in tutto il mondo. Le tecniche di lavorazione del merletto veneziano. Il merletto di Venezia viene lavorato con due tecniche principali: il punto a fuselli e il punto a tombolo. Il punto a fuselli è una tecnica che consiste nell’intrecciare i fili con gli aghi. Il punto a tombolo è una tecnica che consiste nell’intrecciare i fili con una macchina chiamata tombolo.

Il merletto di Venezia può essere lavorato con diversi tipi di filati, tra cui il cotone, la seta e l’oro. I merletti più antichi erano realizzati con fili di cotone o di seta. I merletti più recenti sono spesso realizzati con fili di oro o di argento. I merletti veneziani sono caratterizzati da motivi molto delicati e raffinati. I motivi più comuni sono i fiori, i frutti, gli animali e i simboli religiosi. I merletti veneziani vengono spesso utilizzati per decorare abiti, sciarpe, tovaglie, cuscini e altri oggetti. Sono anche molto apprezzati come oggetti da collezione.

Meetings with lace at Palazzo Mocenigo

As part of the “threads of the heart” project, “Fridays at Museo di Palazzo Mocenigo” from 10.00 until 12.00 am will resume, which will host the various meetings of the Merletto. The lace Mistress of Burano and Pellestrina will take turns demonstrating needle and pillow work. The next date in July will be Friday 21 July with the Mestre Association “Sacolà e…ciacola ad ago” and Friday 28 July with the ACS Murazzo di Pellestrina

Venetian lace is one of the most famous in the world. It is an ancient art that originated in the 16th century on the island of Burano, one of the islands of the Venetian Lagoon.The first evidence of lace in Venice dates back to the 16th century. At that time, Venetian nuns began to embroider lace with needle and thread. Lace was a very popular activity among Venetian women, who used it to decorate their clothes and their homes.

In the 17th century, Venetian lace began to become known throughout Europe. Venetian lacemakers were highly appreciated for their skill and precision. Venetian lace was a symbol of wealth and prestige, and was worn by the most important women of the time. In the 18th century, Venetian lace began to lose popularity. This was due to a number of factors, including the arrival of new lace-making techniques, the French Revolution, and the advent of the sewing machine.

Despite this, Venetian lace is still a highly appreciated art today. It is a symbol of Venetian culture and is sold all over the world. The Techniques of Venetian Lace Venetian lace is made with two main techniques: the bobbin lace and the pillow lace. Bobbin lace is a technique that consists of intertwining the threads with needles. Pillow lace is a technique that consists of intertwining the threads with a machine called a pillow.

Venetian lace can be made with different types of yarn, including cotton, silk, and gold. The oldest laces were made with cotton or silk threads. The most recent laces are often made with gold or silver threads.

The Patterns of Venetian Lace Venetian lace is characterized by very delicate and refined patterns. The most common patterns are flowers, fruits, animals, and religious symbols. Venetian lace is often used to decorate clothes, scarves, tablecloths, pillows, and other objects. They are also highly appreciated as collectible items.

Nuova mostra a Ca’ Rezzonico sul vetro !

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LINO TAGLIAPIETRA
L’origine del viaggio
Dal 14 luglio al 25 settembre 2023
Venezia, Ca’ Rezzonico – Museo del Settecento Veneziano
Mostra a cura di Fondazione Lino Tagliapietra e della Fondazione Musei Civici di Venezia

C’è una nuova mostra nel bellissimo Museo di Ca’ Rezzonico, della Fondazione Musei Civici di Venezia, che si può ammirare nella sala del Portego al primo e secondo piano. Insieme la fondazione Musei Civici di Venezia e la Fondazione Lino Tagliapietra, hanno voluto rendere omaggio a Lino Tagliapietra, un personaggio poliedrico: artista viaggiatore, sperimentatore, sempre alla costante ricerca di stimoli da inserire nelle sue creazioni, vere e proprie opere d’arte in vetro.

Oltre a opere fantasmagoriche come “Il dinosauro dal collo lungo”, “Fuji”, “Asola”, “Neomea”, “Oka”, “Africa”, “Hopi” ci sono tante altri capolavori che raccontano le antiche tecniche tradizionali muranesi , veri processi tipici utilizzati per la lavorazione, come vetro soffiato a bacchetta, filamento, topo, incalmo, e doppio soffiaggio o ri-soffiaggio, battitura, molatura, ecc. Il lavoro scultoreo ha permesso a Lino Tagliapietra di affermarsi come artista indipendente, un pioniere, un vero ricercatore di nuove stagioni e generazioni di artisti del vetro.

Nato a Venezia nel 1934, Lino Tagliapietra lavora nel vetro da quando era apprendista all’età di 11 anni. Si distinse a Murano fin dalla tenera età, e all’età di ventuno anni fu insignito del titolo di Maestro, padroneggiando l’arte della soffiatura del vetro. Il suo prolifico talento sulle isole di vetro della Laguna di Venezia, unito alla sua costante curiosità, lo porta presto a viaggiare così tanto che nel 1979 si reca negli Stati Uniti e visita per la prima volta Seattle. Fu qui che introdusse la tradizione della soffiatura del vetro veneziano agli studenti della Pilchuck School, consolidando così la sua reputazione nella storia delle tradizioni americane della soffiatura del vetro. Attraverso i suoi insegnamenti, Tagliapietra ha cambiato irreversibilmente l’uso del vetro in America, costruendo un nuovo futuro con il mezzo, intriso di conoscenze e abilità tradizionali italiane interpretate attraverso nuove vibranti energie.

La mostra è molto bella e interessante, durerà fino al 25 di settembre, per cui c’è ancora tempo per andare a visitarla, cogliete questa doppia opportunità, per vedere una mostra particolare, che vi incanterà e vi farà venire voglia di visitare il Museo del Vetro di Murano. Inoltre potrete visitare questo stupendo Museo, che ha riaperto da poco, e che è diventato più bello che mai ! Vi aspettiamo !

New exhibition on glass at Ca’ Rezzonico!

LINO TAGLIAPIETRA
The origin of the journey
From 14 July to 25 September 2023
Venice, Ca’ Rezzonico – Museum of the 18th century Venice
Exhibition curated by Lino Tagliapietra Foundation and the Civic Museums Foundation of Venice

There is a new exhibition in the beautiful Museum of Ca’ Rezzonico, of the Fondazione Musei Civici di Venezia, which can be admired in the Portego room on the first and second floors. Together the Fondazione Musei Civici di Venezia and the Fondazione Lino Tagliapietra wanted to pay homage to Lino Tagliapietra, a multifaceted character: traveling artist, experimenter, always on the constant search for stimuli to insert in his creations, real works of art in glass.

In addition to phantasmagorical works such as “The long-necked dinosaur”, “Fuji”, “Asola”, “Neomea”, “Oka”, “Africa”, “Hopi” there are many other masterpieces that tell the ancient traditional Murano techniques, true typical processes used for crafting, such as rod-blowing, filament, topo, incalmo, and double- or re-blowing, beating, grinding, etc. The sculptural work has allowed Lino Tagliapietra to establish himself as an independent artist, a pioneer, a truly researcher of new seasons and generations of glass artists.

Born in Venice in 1934, Lino Tagliapietra has worked in glass since he was an apprentice at the age of 11. He distinguished himself in Murano from an early age, and at the age of twenty-one he was awarded the title of Maestro, mastering the art of glassblowing. His prolific talent on the glass islands of the Venice Lagoon, combined with his constant curiosity, soon led him to travel so much that in 1979 he went to the United States and visited Seattle for the first time. It was here that he introduced the tradition of Venetian glassblowing to the students of the Pilchuck School, thus cementing his reputation in the history of American glassblowing traditions. Through his teachings, Tagliapietra irreversibly changed the use of glass in America, forging a new future for the medium, imbued with traditional Italian knowledge and skills interpreted through vibrant new energies.

The exhibition is very beautiful and interesting, it will last until September 25th, so there is still time to go and visit it, take this double opportunity, to see a particular exhibition, which will enchant you and make you want to visit the Museum of Murano glass. You can also visit this wonderful museum, which has recently reopened, and which has become more beautiful than ever! We are waiting for you!

Finalmente riapre Ca’ Rezzonico !!!

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E finalmente ci siamo ! Dal 28 di giugno finalmente Ca’ Rezzonico museo del 700 Veneziano, riapre al pubblico, dopo mesi di chiusura per importanti restauri. Nella mattinata del 26, di corsa tra le calli di Venezia, dopo aver visitato le varie mostre già descritte nei miei due blog precedenti, mi sono recato presso Ca’ Rezzonico, il museo più bello della Fondazione Musei Civici di Venezia, per la conferenza stampa.

La conferenza stampa si è tenuta nella sala portego al 1° piano del museo, con una sala gremita di gente, tanto che è stato difficile trovare un posto libero. Il convegno è stato aperto dal Direttore del Museo Alberto Craievich, che ha subito dato la parola alla Presidente della Fondazione Musei Civici di Venezia, Maria Cristina Gribaudi, seguita dal Sindaco di Venezia Luigi Brugnaro e poi dal Presidente di Ancc-Coop Marco Pedroni e dal Vicepresidente di Coop Alleanza 3.0 Andrea Volta.

I lavori al Pian terreno sono stati realizzati con le importanti donazioni di 450.000 euro circa da parte di Coop e di tutte le cooperative di consumatori, erogata attraverso la piattaforma dell’art bonus. In sostanza sono stati fatti dei lavori di restauro a livello strutturale, che non sono ancora terminati, ma che proseguiranno nel 2024 a museo aperto. Si è provveduto alla totale sostituzione degli impianti di illuminazione, con l’impiego di faretti LED ad altissima resa cromatica, una politica voluta per garantire la conservazione e la valorizzazione delle opere. Altri lavori hanno visto la messa in sicurezza del giardino, dove finalmente i giochi potranno tornare ad essere disponibili dei bambini di tutto il mondo.

Si segnala anche la presenza di locali nuovi, ideati per i turisti, che possono accedere a titolo gratuito, che offre una preview di quello che possono vedere all’interno del museo, una novità molto importante, che non si riscontra in nessun altro museo. L’unione del bookshop e della biglietteria, che ora sono tutti nella stessa stanza. Un bar, del tutto riallestito, nuove opere già installate nei piani, e altre in arrivo.

Ca’ Rezzonico si conferma ancora una volta, come il più bel museo della Fondazione, vera punta di diamante. Al visitatore che vuole conoscere com’era Venezia nel 1700, non può non visitare Ca’ Rezzonico, il Museo di Casa di Carlo Goldoni e il museo di Palazzo Mocenigo. Due sono gli artisti che ritraggono Venezia: Canaletto e Pietro Longhi. Il primo ci fa vedere i palazzi dall’esterno, il secondo invece, ci porta al suo interno. Un must, un qualcosa da non perdere !

Si ringrazia, tutti coloro che hanno realizzato questo progetto, la Fondazione Musei Civici di Venezia, I vari operari che hanno lavorato durante i lavori nei cantieri, le donne di pulizie, e i dipendenti della cooperativa Socio Culturale, che hanno presidiato i cantieri, con grande professionalità.

Finally Ca’ Rezzonico reopens!!!

And finally here we are! Finally, from 28 June Ca’ Rezzonico museum of the 18th century Venice reopens to the public, after months of closure for major restorations. On the morning of the 26th, running through the narrow streets of Venice, after visiting the various exhibitions already described in my two previous blogs, I went to Ca’ Rezzonico, the most beautiful museum of Civic Museums Foundation of Venice, for the press conference .

The press conference was held in the portego room on the 1st floor of the museum, with the room packed with people, so much so that it was difficult to find a free seat. The conference was opened by the Director of the Museum Alberto Craievich, who immediately gave the floor to the President of Civic Museums Foundation of Venice, Maria Cristina Gribaudi, followed by the Mayor of Venice Luigi Brugnaro and then by the President of Ancc-Coop Marco Pedroni and by Vice-President of Coop Alleanza 3.0 Andrea Volta.

The works on the ground floor were carried out with the important donations of around 450,000 euros from Coop and all the consumer cooperatives, disbursed through the art bonus platform. In essence, structural restoration work has been carried out, which has not yet been completed, but which will continue in 2024 when the museum is open. The lighting systems were completely replaced, with the use of LED spotlights with very high color rendering, a policy aimed at guaranteeing the conservation and enhancement of the works. Other works have seen the safety of the garden, where games will finally be available again for children from all over the world.

We also note the presence of new premises, designed for tourists, which can be accessed free of charge, offering a preview of what they can see inside the museum, a very important novelty which is not found in any other museum. The union of the bookshop and the ticket office, which are now all in the same room. A bar, completely rearranged, new works already installed on the floors, and more on the way.

Ca’ Rezzonico is once again confirmed as the most beautiful museum of the Foundation, the true diamond tip. The visitor who wants to know what Venice was like in the 1700s cannot fail to visit Ca’ Rezzonico, the Carlo Goldoni House Museum and the Palazzo Mocenigo museum. There are two artists who portray Venice: Canaletto and Pietro Longhi. The former shows us the buildings from the outside, while the latter takes us inside. A must, something not to be missed!

We thank all those who carried out this project, the Fondazione Musei Civici di Venezia, the various workers who worked during the work on the construction sites, the cleaning ladies, and the employees of the Socio Culturale cooperative, who supervised the construction sites, with great professionalism.

Maschere nel museo di Casa di Carlo Goldoni

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La mattinata di ieri è stata molto frenetica, dopo aver visitato l’albergo Ca’Sagredo, dove ho visto delle opere molto interessanti, di cui ho fatto la recensione: Mappamondi a Ca’Sagredo mi sono recato nel museo di Casa di Carlo Goldoni per vedere le opere dell’ultima mostra, che è abbastanza intrigante. La mostra si intitola “Impronte di un Mascarer : Luogo, spazio e tempo del gesto.“

La mostra è collocata tra piano terra e primo piano, e ospita una serie di maschere molto originali.

La mostra è a cura della Direttrice Chiara Squarcina e Tobia dall’Osto, e sarà visibile dal 15 di Aprile fino al 1 di Ottobre 2023. La mostra non è altro che un percorso espositivo, di maschere -impronte che presentano dei piccoli calchi negativi in alabastro, e dei grandi mascheroni (positivi) fatti di cartapesta e resina, visibili si a piano terra che al piano superiore.

Questa mostra di maschere, trova la sua giusta collocazione, in questo museo, visto che nell’arte teatrale sia di Carlo Goldoni ma anche di altri esponenti del teatro, si fa molto uso di maschere, e non dimentichiamo che le maschere a Venezia erano indossate anche per forma di anonimato, come la Bauta o la moretta. Maschere che permettevano di essere chiunque, in quanto non si poteva identificare chi la portava. Le maschere, ci portano a non essere più noi stessi, seppur per un tempo limitato.

L’artista Gualtiero Dall’Osto, propone numerosi significati della “maschera”, vera o virtuale, non ultimo quello strettamente collegato a colui che la crea, il Mascarer. Infatti, proprio grazie all’intuizione di questo artista, si presenta questa inedita esposizione di sue creazioni, dove si possono analizzare i significati nascosti, connessi sia alla maschera che al suo fautore.

Al piano superiore si possono ammirare, oltre alle creazioni originali, alcune maschere a noi note, in quanto rappresentano i personaggi di molte commedie, quali : Pulcinella, Balanzone, Colombina, Arlecchino, sempre ad opera dell’artista Gualtiero Dall’Osto.

Una mostra molto interessante, alcune maschere mi hanno molto colpito, ad esempio le due maschere sul cosmo infinito, dove si rimane quasi ipnotizzati, a fissarle per ore e ore, provando proprio la sensazione, dell’assenza di tempo. Una mostra originale, intrigante, che consiglio a tutti di andare a vederla !!

Masks in the museum of the House of Carlo Goldoni

Yesterday morning was very hectic, after visiting the Ca’Sagredo hotel, where I saw some very interesting works, which I reviewed: Mappamondi a Ca’Sagredo I went to the Casa di Carlo Goldoni museum to see the works of the last show, which is quite intriguing. The exhibition is titled “Footprints of a Mascarer: Place, space and time of the gesture. The exhibition is located between the ground and first floors, and hosts a series of very original masks.

The exhibition is curated by the Director Chiara Squarcina and Tobia dall’Osto, and will be visible from April 15th until October 1st 2023. The exhibition is nothing more than an exhibition itinerary of masks – footprints that present small negative casts in alabaster, and large (positive) masks made of papier-mâché and resin, visible both on the ground floor and on the upper floor.

This exhibition of masks finds its rightful place in this museum, given that in the theatrical art both of Carlo Goldoni but also of other exponents of the theater, masks are widely used, and let us not forget that masks in Venice were worn even in the form of anonymity, like the Bauta or the moretta. Masks that allowed you to be anyone, as you couldn’t identify who wore it. Masks lead us to no longer be ourselves, albeit for a limited time.

The artist Gualtiero Dall’Osto proposes numerous meanings of the “mask”, real or virtual, not least the one closely connected to the one who creates it: the Mascarer. In fact, thanks to the intuition of this artist, this unprecedented exhibition of his creations is presented, where it is possible to analyze the hidden meanings, connected both to the mask and to his supporter.

Upstairs you can admire, in addition to the original creations, some masks known to us, as they represent the characters of many comedies, such as: Pulcinella, Balanzone, Colombina, Arlecchino, always by the artist Gualtiero Dall’Osto.

A very interesting exhibition, some masks struck me a lot, for example the two masks on the infinite cosmos, where one remains almost hypnotized, staring at them for hours and hours, experiencing the sensation of the absence of time. An original, intriguing exhibition that I recommend to everyone to go and see it!!

Mappamondi a Ca’ Sagredo

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A Ca’ Sagredo Hotel sono esposte delle opere molto interessanti dell’artista Paola Buratto Caovilla . Sono visibili a piano terra e sull’ammezzato. Sono dei mappamondi, con delle scritte che riguardano il riscaldamento globale, e i problemi di cui soffre il nostro pianeta.

Sulla superficie di ogni mappamondo, ci sono delle scritte, degli appelli, delle grida che ci avvisano, che non c’è più tempo, che bisogna fare qualcosa prima che sia troppo tardi!

La vita è bella, a patto che non siamo noi stessi che ce la roviniamo con le nostre azioni, le cui conseguenze danneggiano la Terra. Gli oceani sono fonte di vita, così come le foreste. E’ giunto il momento di fare qualcosa.

Sono con questi messaggi che l’artista vuole dare al resto del mondo, e quale modo migliore per diffondere il messaggio del hotel Ca’ Sagredo ? Ca’ Sagredo è uno dei migliori alberghi di Venezia, e le posizioni strategiche dei mappamondi, sono perfettamente visibili a tutti i turisti che entrano, escono dall’albergo, in tutti i loro giorni della loro permanenza.

Arte e sostenibilità si fondono dentro le mura di Ca’ Sagredo, che lancia un messaggio in bottiglia, a chiunque voglia leggerlo, nella speranza di riuscire a salvare il nostro bellissimo pianeta azzurro.

Globes at Ca’ Sagredo Hotel !

At Ca’ Sagredo Hotel there are some very interesting works by the artist Paola Buratto Caovilla . They are visible on the ground floor and on the mezzanine. They are globes, with writings about global warming, and the problems our planet suffers from.

On the surface of every globe, there are writings, appeals, cries that warn us that there is no more time, that something must be done before it is too late!

Life is beautiful, as long as we don’t ruin it ourselves with our actions, the consequences of which damage the Earth. Oceans are a source of life, as are forests. The time has come to do something.

It is with these messages that the artist wants to give to the rest of the world, and what better way to spread the message then the Ca’ Sagredo hotel? Ca’ Sagredo is one of the best hotels in Venice, and the strategic positions of the globes make them perfectly visible to all tourists who enter and leave the hotel throughout their staying.

Art and sustainability come together within the walls of Ca’ Sagredo, which launches a message in a bottle, to anyone who wants to read it, in the hope of being able to save our beautiful blue planet.

Un’altra mostra di Soccol nei musei civici di Venezia

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Una nuova mostra, è stata inugurata da pochi giorni presso il Palazzo Fortuny della Fondazione Musei civici di Venezia, ched si intitola : “SOCCOL RIFLESSIONI NOTTURNE” che durerà dal 5 maggio – fin al 1 ottobre 2023, una mostra a cura di Chiara Squarcina, direttrice del splendido museo di Palazzo Mocenigo, che invito a visitare perché è veramente molto bello !

Se il nome “Soccol” vi sembra familiare, è perché l’artista aveva già fatto una precedente mostra nei musei civici Veneziani, e di cui avevo fatto la recensione anche quella volta, potete leggerla, seguendo il link sotto:

https://diariodiunoperatoremuseale.co/2019/02/11/maree-teatri-e-labirinti/

Giovanni Soccol ha iniziato a dipingere nel 1952 nello studio del pittore viennese Ilse Bernheimer. Tra gli anni ’50 e ’60, l’elemento caratterizzante del suo lavoro giovanile sono i primi studi sulle qualità figurative, sostituiti negli anni ’70 da studi nel campo dell’astrazione, che caratterizzano l’intero ciclo Presenze-Asenze, Visioni e mese degli anni ’80. Dalla metà degli anni ’80, dopo varie esperienze nel campo della scenografia, lavora in vari teatri, tra cui la Royal Opera House di Stoccolma nel 1986 e il Palazzo dei Diamanti di Ferrara nello stesso anno. Dopo una grande mostra antologica, Soccol decide di concentrarsi sulla pittura. Inizierà così il ciclo di Saudade e delle Isole. Dall’inizio degli anni ’90 le esperienze precedenti continueranno ad arricchirsi ea svilupparsi in nuovi temi che prenderanno forma in cattedrali, cisterne, labirinti. Nel 2017 un’ampia selezione sarà presentata al Museo del Paesaggio Torre di Mosto, dove presenterà una mostra che ripercorre cinquant’anni di attività e, nello stesso anno, una mostra personale alla galleria BOA di Parigi sul tema del invenzione del labirinto. Nel 2019 la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Pesaro a Venezia ha ospitato una sua mostra personale incentrata sul teatro e sui labirinti dell’invenzione.

I soggetti di questa serie di dipinti comprendono dieci edifici emblematici affacciati sul Canal Grande, dalla Dogana da Mar alla Chiesa di San Simeone, ognuno dei quali suscitò un particolare interesse di Soccol, sfociando in dialogo formale e spiritualità. Le tele, alte più o meno 200 cm e lare 150 cm, sono state dipinte con tecniche miste, vale a dire tempera sottile, emulsione acqua in olio, smalto oleoresina, tutte preparate dall’artista direttamente in studio, seguendo una ricerca sulle metodologie storiche tradizionali.

Mi sono praticamente innamorato di questi dipinti, sono stupendi, tutti quanti, uno più bello dell’altro, non siete d’accordo ? Invito tutti i visitatori, stranieri e non, di visitare questa bellissima mostra, e naturalmente i stupendi due piani del museo, che di recente è stato restaurato, e riallestito in maniera del tutto affascinante !

5 maggio – 1 ottobre 2023

Venezia, Museo Fortuny

Another exhibition by Soccol in the civic museums of Venice

A new exhibition was inaugurated few days ago at the palazzo fortuny of civic museums foundation of Venice, entitled: “Soccol, night reflections” which will last from 5 May – until 1 October 2023, an exibition curated by Chiara Squarcina, director of many museums, among them, the splendid museum of Mocenigo Palace which I invite you to visit because it is truly very beautiful!

If the name Soccol seems familiar to you, it is because the artist had already had a previous exhibition at Ca’ Pesaro, another museum of the Fondation civic museums, one which I reviewed that time too, and you can read it, following the link below:

https://diariodiunoperatoremuseale.co/2019/02/11/maree-teatri-e-labirinti/

Giovanni Soccol was born in Venice 1938. he began studying painting 1952, the studio of Viennese painter Ilse Bernheimer. Between the 1950s and 1960s, the main feature of his youthful work were his first figurative studies, replaced in the 1970s by studies in the field of abstraction, which would mark the “Presenze-Asenze”, “Visioni e mese” cycle throughout the 1980s. From the mid-80s, after various experiences in the field of scenography, he worked in various theaters, including the Royal Opera House in Stockholm in 1986, and after a major anthological exhibition for him at Palazzo dei Diamanti in the same year in Ferrara, Soccol he decided to focus on painting. Thus he will begin the cycle of Saudade and the Islands. From the beginning of the 90s the previous experiences will continue to be enriched, developing into new themes that will take shape in cathedrals, cisterns, labyrinths. In 2017 the Torre di Mosto Landscape Museum will present a wide selection that will present him with an exhibition that traces fifty years of activity, and in the same year a solo exhibition at the BOA gallery in Paris on the theme of the Labyrinth of Inventions. In 2019 the International Gallery of Modern Art of Pesaro in Venice hosted a personal exhibition of his focused on the theater and the labyrinths of invention.

The subjects of this series of paintings include ten emblematic buildings overlooking the Grand Canal, from the Dogana da Mar to the Church of San Simeone, each of which aroused a particular interest for Soccol, resulting in formal dialogue and spirituality. The canvases, more or less 200 cm high and 150 cm wide, were painted with mixed techniques, i.e. thin tempera, water-in-oil emulsion, oleoresin enamel, all prepared by the artist directly in the studio, following research on historical methodologies traditional.

I practically fell in love with these paintings, they are all wonderful, one more beautiful than the other, don’t you agree? I invite all visitors, foreigners and not, to visit this beautiful exhibition, and of course the wonderful two floors of the museum, which has recently been restored and rearranged in a completely fascinating way!

5 May – 1 October 2023

Venice, Museo Fortuny

Mostra di Carpaccio a Palazzo Ducale

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Questo articolo è privo di fotografie, in quanto vige all’interno della mostra il divieto di fotografare.

La mostra di Vittore Carpaccio, dopo aver visitato la National Gallery of Art of Washington, dove è stata visibile per parecchio tempo, finalmente approda a Venezia, grazie allo sforzo collettivo tra il museo sopra menzionato e la Fondazione di Musei Civici di Venezia, dove è stata aperta al pubblico il 18 marzo e finirà dopo pochi mesi, ovvero il 18 giugno. La mostra è stata collocata negli appartamenti del Doge, ed è visibile tutti i giorni nei consueti orari d’apertura del Palazzo (si prega di tenere conto del cambio d’orari che avverrà tra pochi giorni).

Per accedere alla mostra, bisogno salire sulla loggia, e ci si troverà al bivio, dove si salirà su per la scala d’oro, o nel giro turistico di Palazzo Ducale, o alla mostra. Dopo pochi scalini, si girà sulla destra, e subito compare l’entrata, dove ci verrà controllato il biglietto, e ci verranno illustrati le procedure adottate per la visita.

Vittore Carpaccio (Venezia, 1465 circa – Capodistria, 1525/1526), ​​è stato un pittore italiano, cittadino della Repubblica di Venezia. Fu uno dei protagonisti delle produzioni veneziane dei Teleri a cavallo tra Quattrocento e Cinquecento, e diventa forse il miglior testimone della vita, dei costumi e dell’aspetto straordinario della Serenissima in quegli anni.

In questa mostra, avremo modo di ammirare, non solo i suoi quadri, ma anche i disegni, opere che normalmente non possiamo vedere, perché vengono da musei di altri paesi, ecco perché raccomando a tutti, di andare a vedere questa mostra, questa è un’opportunità rara, da cogliere subito al volo !

Tra le sue opere più famose, possiamo vedere:

  • Cacciando in laguna
  • Le due dame
  • Il ritratto del Doge Leonardo Loredan
  • Salvator Mundi
  • Il Leone di S. Marco
  • San Giorno che uccide il drago
  • e tanti altri ancora.

Parliamo dell’ultimo quadro menzionato nella lista, (mi dispiace di non poter pubblicare la foto per farvi capire meglio la spiegazione): San Giorgio uccide il drago la leggenda narra che per placare un terribile drago, il cui alito velenoso avrebbe causato epidemie e morte, gli abitanti della città di Selene in Libia, dovevano sacrificargli una o due pecore ogni giorno. Dopo tanto tempo ormai le pecore scarseggiavano e i Seleniti sono costretti a servire al mostro, Giovani uomini o fanciulle, che vengono sorteggiati, prima tra i popolani, e poi tra i nobili. Un triste giorno, venne il turno della figlia del re e lui tentò di tutto per salvarla da una sorte crudele, offrendo oro ai suoi sudditi, argento e anche parte del regno, ma il popolo rifiutò, e la fanciulla in abito regale si recò allo stagno dove viveva il drago. San Giorgio, il cavaliere errante la incontrò in questo luogo desolato, piangendo da sola. Venuto a conoscenza di questa storia crudele, il santo le promise aiuto in nome di Cristo, e ben presto affrontò il drago con la sua lancia, ferendolo. Il santo non uccise subito il drago, ma lo portò nella città di Selene e lo legò alla cintura con la fascia della giovane principessa ormai salva, solo quando tutti gli abitanti si convertirono a Cristo, e furono battezzati, San Giorgio, uccide il drago, e riparte alla ricerca di nuove avventure.

Cerchiamo di analizzare il quadro: Il santo dai folti riccioli biondi, è vestito di una lucente armatura. Le sue gambe sono ben piantate nelle staffe. Il peso di tutto il suo corpo è concentrato in avanti. La vista del mostruoso drago, sembra non intimidire il santo, ma invece si nota, che il suo cavallo, ha la testa girata di lato, quasi non sopportasse di guardarlo. Lo scontro fra di loro sembra rappresentare l’eterna lotta tra il bene e il male. Nel cristianesimo, il drago come il serpente, è un simbolo del male, di Satana stesso, non è inusuale illustrare quindi San Giorgio o l’Arcangelo Michele distruggere i draghi, sin dalla antica mitologia greco-romana. E’ interessante notare, che in un altro contesto, il drago è associato non al male, ma al bene, infatti nell’antica Cina, il drago era associato ad nuvole nel cielo, eventi soprannaturali, che portano pioggia e fortuna. Viene anche associato / descritto per la nascita di Gaozu, uno dei più eminenti imperatori della Cina, fondatore della dinastia Han, nelle cronache storiche cinesi del I secolo a.C. I draghi fecero la loro comparsa anche nella cosmologia cinese, nei quattro punti cardinali, c’è il drago azzurro che indica l’est, mentre al centro c’è il drago giallo da cui deriva l’associazione con imperatore stesso, il drago è simbolo personale dell’imperatore, mentre per l’imperatrice è la fenice. Il drago corrisponde alla forza maschile Yang ed è spesso rappresentato insieme alla fenice come principio femminile ying, per indicare l’equilibrio.

Ritornando al nostro quadro, sulla destra, la figura della principessa in apprensione per l’imminente scontro. San Giorgio dopo aver sconfitto il malvagio drago, convince la principessa a legare l’animale con la sua cintura verginale, un gesto che sta a simboleggiare, la vittoria sul peccato e alla esaltazione della Cristiana virtù coniugale. La figura della principessa viene posizionata nel piccolo angolo sulla destra, in un atteggiamento, quasi religioso e/o di meditazione, mentre sullo sfondo dietro di lei, si intravedono simboli di salvezza, quali l’albero frondoso, il sentiero che conduce alla chiesa, e la nave con vele spiegate.

Nella parte bassa del quadro, ai piedi del drago, si osserva un suolo arido e petroso, disseminato dai macabri resti delle vittime del drago, teschi, ossa, corpi mutilati, e tutt’intorno si presenta un corteo di rettili, di ogni genere, come simbolo del male.

Potrei parlare ancora di questo quadro ma mi fermo qui. Magari nei prossimi articoli parlerò di qualche altro quadro presente nella mostra. Come ho detto sopra, questa è una mostra che presenta al pubblico delle opere a cui difficilmente si potrebbero vedere, per cui vale la pena, di andare a vedere. Unica nota dolente, è che non si possano assolutamente fare foto, nemmeno senza flash. Per cui spegnete il cellulare e godetevi la mostra !

Sito Ufficiale della mostra di Carpaccio a Palazzo Ducale

Exhibition of Vittorio Carpaccio at Palazzo Ducale

This article does not include photographs, as photography is prohibited within the exhibition.

The Vittore Carpaccio exhibition, after having visited the National Gallery of Art of Washington, where it was visible for a long time, finally arrives in Venice, thanks to the collective effort between the aforementioned museum and the Foundation of Civic Museums of Venice, where it is was opened to the public on 18 March and will end after a few months, i.e. on 18 June. The exhibition has been located in the Doge’s apartments, and can be seen every day during the usual opening hours of the Palace (please note the change in opening hours which will take place in a few days).

To access the exhibition, you need to go up to the “loggia”, and you will find yourself at the crossroads, where you will go up the golden staircase, either on the tour of the Doge’s Palace, or at the exhibition. After a few steps, turn right, and the entrance immediately appears, where the ticket will be checked, and the procedures chosen for the visit will be explained to us.

Vittore Carpaccio (Venice, circa 1465 – Capodistria, 1525/1526), ​​was an Italian painter, citizen of the Republic of Venice. He was one of the protagonists of the Venetian productions of the Teleri between the fifteenth and sixteenth centuries, and perhaps becomes the best witness to the life, customs and extraordinary appearance of the Serenissima in those years.

In this exhibition, we will be able to admire not only his paintings, but also his drawings, works that we normally cannot see, because they come from museums in other countries, that’s why I recommend everyone to go and see this exhibition, this is a rare opportunity, to be seized immediately!

Among his most famous works, we can see:

  • Hunting in the lagoon
  • The two ladies
  • The portrait of Doge Leonardo Loredan
  • Salvator Mundi
  • The Lion of St. Mark
  • St. George slaying the dragon
  • and many more.

Let’s talk about the last painting mentioned in the list, (I’m sorry I can’t publish the photo to make you understand the explanation better): St. George kills the dragon, legend has it that, to appease a terrible dragon, whose poisonous breath would cause epidemics and death, the inhabitants of the city of Selene in Libya, had to sacrifice one or two sheep to him every day. After a long time now the sheep were scarce and the Selenites were forced to serve the monster, young men or girls, who were drawn by lot, first among the common people, and then among the nobles. One sad day, the turn of the king’s daughter came and he tried everything to save her from a cruel fate, offering his subjects gold, silver and even part of the kingdom, but the people refused, and the girl in royal dress went to the pond where the dragon lived. Saint George, the knight errant met her in this desolate place, weeping alone. Having learned of this cruel story, the saint promised her help in the name of Christ, and soon faced the dragon with his spear, wounding him. The saint did not immediately kill the dragon, but brought it to the city of Selene and tied it to her belt with the sash of the now saved young princess, only when all the inhabitants converted to Christ and were baptized, Saint George kills the dragon, and sets off again in search of new adventures.

Let’s try to analyze the picture: The saint with thick blond curls is dressed in shiny armor. His legs are planted firmly in the stirrups. His entire body weight is focused forward. The sight of the monstrous dragon does not seem to intimidate the saint, but instead, we can see that his horse has its head turned to the side, as if it could not bear to look at him. The clash between them seems to represent the eternal struggle between good and evil. In Christianity, the dragon, like the serpent, is a symbol of evil, of Satan himself, so it is not unusual to illustrate Saint George or the Archangel Michael destroying dragons, since ancient Greek – Roman mythology. It is interesting to note that in another context, the dragon is associated not with evil, but with good, in fact in ancient China, the dragon was associated with clouds in the sky, supernatural events, which bring rain and luck. It is also associated / described for the birth of Gaozu, one of the most prominent emperors of China, founder of the Han dynasty, in the Chinese historical chronicles of the 1st century BC. Dragons also made their appearance in Chinese cosmology, in the four cardinal points, there is the blue dragon which indicates the east, while in the center there is the yellow dragon from which the association with the emperor himself, the dragon is personal symbol of the emperor, while for the empress it is the phoenix. The dragon corresponds to the male Yang force and is often represented together with the phoenix as the female ying principle, to indicate balance.

Returning to our picture, on the right, the figure of the princess apprehensive about the imminent clash. St. George after defeating the evil dragon, convinces the princess to tie the animal with her virginal belt, a gesture that symbolizes the victory over sin and the exaltation of Christian conjugal virtue. The figure of the princess is positioned in the small corner on the right, in an almost religious and/or meditative attitude, while in the background behind her, symbols of salvation can be glimpsed, such as the leafy tree, the path leading to the church and the ship with full sail.

In the lower part of the picture, at the feet of the dragon, we observe an arid and stony ground, scattered with the macabre remains of the victims of the dragon, skulls, bones, mutilated bodies, and all around there is a procession of reptiles of all kinds, as a symbol of evil .

I could still talk about this picture for hours no end but I’ll stop now. Maybe in the next articles I will talk about some other painting in the exhibition. As I said above, this is an exhibition that presents the public with works that are unlikely to be seen, so it is worth going to see. The only sore point is that you absolutely cannot take pictures, even without a flash. So turn off your cell phone and enjoy the show!

Official site of the Carpaccio exhibition at Palazzo Ducale