Tra marmi, mani e cuori: la mia mattinata d’arte a Venezia alla Galleria Contini
Ci sono mattine a Venezia in cui camminare è già di per sé un’esperienza estetica. Quella di stamattina era una di quelle: l’aria frizzante, la luce che accarezza i mattoni storici e la voglia semplicemente di perdersi tra le calli e i canali della città lagunare. Ma si sa, Venezia è un labirinto di meraviglie e basta svoltare l’angolo giusto per ritrovarsi faccia a faccia con un colpo di fulmine artistico inaspettato.
Mentre mi dirigevo verso Calle Larga XXII Marzo (nel cuore pulsante del sestiere di San Marco), i miei occhi sono caduti sulle vetrine della Galleria d’Arte Contini. Bastano pochi secondi per riconoscere inconfondibilmente il tratto di un artista che amo profondamente: Lorenzo Quinn. Impossibile resistere. Ho sentito quel richiamo viscerale che solo la grande arte sa provocare, così ho varcato la soglia della galleria per immergermi nella sua personale dal titolo emblematico: “I Give You My Heart”.
Un manifesto d’amore e connessione: “I Give You My Heart”
Entrare in questa esposizione è come fare un passo dentro l’anima umana. Quinn, figlio d’arte (nato a Roma da Anthony Quinn e Iolanda Addolori), ha fatto delle mani il suo alfabeto universale. Non semplici sculture in bronzo, acciaio, legno o resina, ma veri e propri strumenti di una grammatica emotiva. Le opere in mostra a Venezia – che restano visitabili fino a novembre 2026 – sono un invito a rallentare, a disconnettersi dalla frenesia quotidiana per riscoprire l’empatia. Tra i pezzi che più mi hanno colpito c’è proprio l’opera che dà il nome alla mostra, I Give You My Heart: un’esplosione di forme in cui le mani offrono un cuore, ricordandoci che il dono di sé e la fiducia reciproca sono gli unici veri antidoti alle fratture del nostro tempo.
Passeggiando tra le sale della Galleria Contini, mi sono incantato davanti ad altri lavori straordinari come Parallel Universe e infinite love (2024), o altre creazioni come Soul to soul (2025) e Together Egypt day and night (2023). In ognuna di esse, Quinn riesce a rendere visibile l’invisibile: i legami profondi, la vulnerabilità e la forza della condivisione Se vi trovate a Venezia in questi mesi, fatevi un regalo: concedetevi una passeggiata in Calle Larga XXII Marzo, nel sestiere di San Marco, e fate tappa alla Galleria Contini. Lasciatevi catturare dalle mani monumentali e dai cuori di Lorenzo Quinn: vi prometto che uscirete con una prospettiva diversa sul mondo e, forse, con un battito in più nel petto.
Between Marbles, Hands, and Hearts: My Morning of Art in Venice at the Contini Gallery
There are mornings in Venice when simply walking is an aesthetic experience in itself. This morning was one of those: the crisp air, the light caressing the historic bricks, and the simple desire to get lost among the calli and canals of the lagoon city. But as we know, Venice is a labyrinth of wonders, and it only takes turning the right corner to find yourself face-to-face with an unexpected artistic love at first sight.
As I headed towards Calle Larga XXII Marzo (in the beating heart of the San Marco district), my eyes caught the windows of the Contini Art Gallery. It takes only a few seconds to unmistakably recognize the touch of an artist I deeply love: Lorenzo Quinn. Impossible to resist. I felt that visceral pull that only great art can provoke, so I crossed the gallery’s threshold to immerse myself in his solo exhibition entitled: “I Give You My Heart”.
A Manifesto of Love and Connection: “I Give You My Heart”
Entering this exhibition is like stepping inside the human soul. Quinn, the son of an artist (born in Rome to Anthony Quinn and Iolanda Addolori), has made hands his universal alphabet. Not simple sculptures in bronze, wood, steel, or resin, but true instruments of an emotional grammar. The works on display in Venice – which can be visited until November 2026 – are an invitation to slow down, to disconnect from daily frenzy, and to rediscover empathy. Among the pieces that struck me the most is the very work that gives the exhibition its name, I Give You My Heart: an explosion of forms where hands offer a heart, reminding us that the gift of oneself and mutual trust are the only true antidotes to the fractures of our time.
Strolling through the halls of the Contini Gallery, I was captivated by other extraordinary works such as Parallel Universe and infinite love (2024), or other creations such as Soul to soul (2025) and Together Egypt day and night (2023). In each of them, Quinn succeeds in making the invisible visible: deep bonds, vulnerability, and the strength of sharing. If you happen to be in Venice these months, treat yourself: take a stroll down Calle Larga XXII Marzo, in the San Marco district, and stop by the Contini Gallery. Let yourself be captured by Lorenzo Quinn’s monumental hands and hearts: I promise you will walk out with a different perspective on the world and, perhaps, an extra heartbeat in your chest.
Quando il marmo respira: a Venezia l’arte contemporanea fa tremare le Gallerie Canoviane con “Spiral Economy”
Ci sono mostre che ti invitano semplicemente a guardare, e poi ci sono quelle che ti fanno sentire il peso del tempo, della terra e della materia. Se capiti a Venezia in questi mesi, c’è un appuntamento imperdibile che ribalta completamente il nostro modo di guardare all’arte classica. Sto parlando di “Spiral Economy. Charrière and Canova”, la straordinaria esposizione ospitata nelle storiche Gallerie Canoviane del Museo Correr (aperta fino al 22 novembre 2026, a cura di Chiara Squarcina e Pier Paolo Pancotto, con la collaborazione di Claudia Cargnel.
Un titolo che incuriosisce e un accostamento che, sulla carta, sembra quasi spiazzare: da una parte il genio immortale di Antonio Canova, dall’altra lo sguardo concettuale, visionario e radicale dell’artista franco-svizzero Julian Charrière (classe 1987, di base a Berlino). Ma cosa succede quando il marmo levigato e perfetto delle sculture neoclassiche incontra la geologia profonda, il suono delle balene e la tecnologia del nostro presente?
Il marmo non è solo pietra: è un archivio vivente
Siamo abituati a pensare alle sculture di Canova come al trionfo dell’idealizzazione: corpi statuari, levigati fino a sembrare quasi morbidi, in cui la pietra dura si trasforma magicamente in carne viva ed emozione umana. Ma Charrière fa un passo oltre, scavando molto più in profondità. Nelle sue mani, il marmo si spoglia dell’obbligo di somigliare all’uomo per ricordarci cos’è davvero: un corpo vivente a pieno titolo. Ogni singola vena, ogni fessura, ogni minuscola imperfezione geologica custodisce la memoria di mari antichi, ere remote e pressioni metamorfiche inimmaginabili. Nelle sale del Correr si accende così un cortocircuito spiazzante, parte del ciclo dei Dialoghi Canoviani: i corpi luminosi di Canova diventano degli “avatar” del tempo, mentre la materia sale sul palcoscenico per ricordarci che la Terra ha i suoi ritmi, infinitamente più grandi e implacabili dei nostri.
Un viaggio multisensoriale tra orologi pietrificati e mari capovolti
Quella di Charrière non è una semplice mostra da guardare a distanza di sicurezza, ma un’esperienza immersiva totale che mescola scultura, video, performance e paesaggi sonori creati in tempo reale. Pensa a opere come “Imperfect Lovers”: due antichi orologi da mantello ottocenteschi sono stati smembrati e mandati in “viaggio nel tempo” in contesti naturali estremi. Uno è stato immerso in uno stagno ipersalino in Australia finché i cristalli di sale ne hanno bloccato gli ingranaggi; l’altro è stato messo sotto una cascata calcificante in Francia, dove l’acqua termale lo ha pietrificato. Il tempo meccanico dell’uomo si scontra, letteralmente, con la geologia del pianeta. Oppure immagina di alzare lo sguardo e trovarti davanti a “Albedo”: un oceano artico in fusione proiettato sul soffitto, dove i ghiacciai sembrano fluttuare come corpi celesti in un cosmo liquido. Il tutto accompagnato da un tappeto sonoro potentissimo composto da registrazioni idrofoniche reali di orche, capodogli e balene. E che dire di “Spiral Economy”, dove un distributore automatico meccanico (simbolo del consumismo sfrenato) non contiene snack in plastica, ma conchiglie e ammoniti fossili millenarie racchiuse in uno specchio infinito
Perché dovresti assolutamente vederla
Viviamo in un’epoca ossessionata dalla velocità, dove cerchiamo costantemente di pianificare, misurare e domare il tempo. Questa mostra fa esattamente il contrario: ci prende per mano e ci invita a rallentare, a lasciarci assorbire da durate planetarie Attraversare le sale del Museo Correr e perdersi in questo dialogo serrato tra passato, ecologia e natura è un’esperienza che scuote. Ti fa uscire dal museo con una consapevolezza diversa e la sensazione che la vera custode del tempo non sia la storia scritta dagli uomini, ma la materia stessa. Dalle foto che ho scattato questa mattina, potete vedere da voi stessi, quanto bella sia questa mostra ! La mostra di per se, non è tanto grande, ma è molto affascinante ! Non trovate anche voi ?
When Marble Breathes: Contemporary Art Shakes Up the Canova Rooms in Venice with “Spiral Economy”
There are exhibitions that simply invite you to look, and then there are those that make you feel the weight of time, earth, and matter. If you happen to be in Venice over the coming months, there is an unmissable event that completely turns our perspective on classical art upside down. I’m talking about “Spiral Economy. Charrière and Canova”, the extraordinary exhibition hosted in the historic Canova Rooms of the Museo Correr (open until November 22, 2026, curated by Chiara Squarcina and Pier Paolo Pancotto, with the collaboration of Claudia Cargnel).
A title that sparks curiosity and a pairing that initially seems almost jarring: on one hand, the immortal genius of Antonio Canova; on the other, the conceptual, visionary, and radical gaze of French-Swiss artist Julian Charrière (born in 1987, based in Berlin). But what happens when the smooth, flawless marble of neoclassical sculptures meets deep geology, the sound of whales, and the technology of our present day?
Marble is not just stone: It’s a living archive
We are used to thinking of Canova’s sculptures as the triumph of idealization—statuesque bodies, polished until they look almost soft, where hard stone magically transforms into living flesh and human emotion. But Charrière takes it a step further, digging much deeper. In his hands, marble strips away the obligation to resemble humans and reminds us what it truly is: a living body in its own right. Every single vein, every fissure, every tiny geological imperfection holds the memory of ancient seas, remote eras, and unimaginable metamorphic pressures. Inside the Correr rooms, a startling short circuit lights up—part of the Dialoghi Canoviani series: Canova’s luminous bodies become “avatars” of time, while matter itself takes center stage to remind us that the Earth has its own rhythms, infinitely larger and more relentless than our own.
A multisensory journey through petrified clocks and inverted oceans
Charrière’s work isn’t just an exhibition to gaze at from a safe distance; it’s a total immersive experience mixing sculpture, performance, video, and soundscapes created in real-time. Think of works like “Imperfect Lovers”: two antique 19th-century mantel clocks have been dismantled and sent on “time travel” into extreme natural settings. One was sunk into a hypersaline pond in Australia until salt crystals jammed its gears; the other was placed beneath a calcifying waterfall in France, where thermal water petrified it. Human mechanical time literally collides with the planet’s geology. Or imagine looking up to find “Albedo”: a melting Arctic ocean projected onto the ceiling, where glaciers seem to float like celestial bodies in a liquid cosmos. All of this is accompanied by a powerful soundscape composed of actual hydrophone recordings of orcas, sperm whales, and humpback whales. And what about “Spiral Economy”, where a mechanical vending machine (a symbol of unbridled consumerism) doesn’t contain plastic-wrapped snacks, but millenary fossilized ammonites and shells enclosed in an infinite mirror?
Why you absolutely must see it
We live in an era obsessed with speed, constantly trying to plan, measure, and tame time. This exhibition does the exact opposite: it takes us by the hand and invites us to slow down, letting ourselves be absorbed by planetary durations. Wandering through the halls of the Museo Correr and losing yourself in this intense dialogue between the past, ecology, and nature is a shaking experience. It leaves you with a different awareness and the distinct sense that the true custodian of time isn’t human history, but matter itself. From the photos I took this morning, you can see for yourselves just how beautiful this exhibition is! The exhibition itself isn’t very large, but it is truly fascinating! Don’t you think so?
Tra Cinema, Alchimia e Petali di Rosa: Il Fascino Segreto di “Profumo di Donna” nell’Arte di Mouna Rebeiz
Chi di noi non ha stampato nel cuore almeno una scena di Profumo di donna? Che si tratti del capolavoro indimenticabile di Dino Risi con un Vittorio Gassman magistrale nella sua fragorosa e tragica vitalità, o del famosissimo remake hollywoodiano in cui Al Pacino ci regala interpretazioni da brivido urlando il suo leggendario “Hoo-ah!”, (che a me piace moltissimo!) questo titolo evoca immediatamente un misto di eleganza, perdizione, sensualità e mistero. Ma cosa succede se questo titolo e le sue suggestioni sbarcano su una tela d’autore, fondendosi con la storia di Venezia, i segreti alchemici e una rosa leggendaria? È quello che accade nella Sala 7 del Museo di Palazzo Mocenigo, dove le opere dell’artista libanese-canadese Mouna Rebeiz sembrano sospendere il tempo. Tra queste, un dipinto in particolare cattura lo sguardo e l’immaginazione: Profumo di donna.
Un ponte tra i generi: la figura androgina e il cinema
All’interno del ciclo di opere dell’artista, Profumo di donna è l’unico dipinto in cui fa la sua comparsa una figura androgina. Mouna Rebeiz – che proviene da una famiglia di poeti e musicisti e che spesso usa il pentagramma e le note musicali come studio preparatorio per le sue tele – guarda a Dino Risi per omaggiare il concetto di complementarità. Non c’è una netta separazione tra maschile e femminile: la figura al centro indossa un tarbouche (il tipico copricapo maschile) ma stringe nella mano una rosa, simbolo eterno della femminilità. È il perfetto incontro dello Yin e dello Yang, un’unica entità in cui gli opposti si fondono. Del resto, come ci ricorda spesso l’arte contemporanea più raffinata quando incontra la psiche, i confini della nostra identità sono fluidi, fatti di ombre e luci che dialogano continuamente dentro di noi.
La Rosa Moceniga: Dalla Cina alla Laguna
Il viaggio di questo quadro non si ferma però al cinema o alla tela. La rosa che stringe la figura dipinta crea un legame fortissimo con il luogo che la ospita, Palazzo Mocenigo, culla della storia del profumo veneziano, (infatti l’emblema dei Mocenigo sono due rose di colore diverso su sfondo opposto). La protagonista silenziosa di questa connessione è la Rosa Moceniga, una varietà rarissima originaria della Cina. La storia di questo fiore ha dell’incredibile: come racconta Andrea di Robilant nel suo saggio Sulle tracce di una rosa perduta, la pianta arrivò nell’Ottocento nei giardini parigini di Giuseppina Bonaparte. Da lì fu donata a Lucietta (o Lucina) Mocenigo, nobildonna e grande appassionata di giardinaggio, che la portò a Venezia e la coltivò con cura nella sua tenuta di Alvisopoli. Proprio da questa preziosa varietà, The Merchant of Venice ha creato l’omonimo e celeberrimo profumo “Rosa Moceniga”: una fragranza che unisce l’essenza di questa rosa a sfumature di ribes nero, magnolia e vaniglia. Un vero e proprio viaggio sensoriale che trasuda storia veneziana ad ogni spruzzo.
La Rosa: Oltre il Fiore, tra Alchimia e Potere
Ma la rosa, si sa, non è mai solo un fiore. Nella simbologia universale e nell’alchimia, la rosa riveste un ruolo di primissimo piano. Per gli alchimisti, la rosa (soprattutto quella rossa) rappresenta il culmine dell’Opera, il completamento della trasformazione spirituale, il segreto svelato (sub rosa significava proprio “sotto il sigillo del segreto”). È l’unione dei contrari, la perfetta armonia tra la materia e lo spirito. E come non pensare al fascino del potere storico? Nel corso dei secoli, la rosa è stata vessillo di dinastie leggendarie – basti pensare alla celebre Guerra delle Due Rose tra i Lancaster e gli Tudor in Inghilterra, dove la rosa bianca e quella rossa divennero l’emblema di un intero regno. Senza dimenticare un’altra tradizione potentissima: la Rosa d’Oro, un prezioso soprammobile in oro massiccio che i Papi solevano (e sollevano) donare a personalità particolarmente meritevoli, sovrani o santuari, come simbolo di benedizione e virtù cristiana.
Un’esperienza che resta sulla pelle
Guardare il quadro Profumo di donna di Mouna Rebeiz a Palazzo Mocenigo non significa semplicemente osservare dei colori stesi su una tela. È un’esperienza che unisce i tessuti sontuosi di Rubelli, la memoria di un film che amiamo, il profumo antico di una rosa e i misteri alchimistici di un simbolo immortale. È un invito a chiudere gli occhi, a respirare profondamente e a lasciarsi guidare, proprio come farebbe il personaggio di Al Pacino, non dalla vista ma dall’essenza invisibile e travolgente delle cose.
Ultime chiamate per Venezia: la mostra chiude l’8 novembre!
Se tutto questo ti ha fatto venire i brividi e la voglia irrefrenabile di perderti tra le calli veneziane, attenzione al calendario: la straordinaria mostra di Mouna Rebeiz a Palazzo Mocenigo volge al termine e chiuderà i battenti l’8 novembre. Mancano davvero pochissimi giorni per poter ammirare dal vivo queste tele magnetiche, i giochi di riflessi sui vetri e l’atmosfera sospesa creata in dialogo con i tessuti Rubelli. Se ti trovi a Venezia o stai pianificando un fuga romantica dell’ultimo minuto, non lasciarti scappare l’occasione di viverla di persona prima che sia troppo tardi!
Non solo Venezia: scopri “L’indovino” a Roma
E se non riesci ad arrivare in laguna, o se semplicemente il mondo di Mouna Rebeiz ti ha stregato al punto da volerne ancora, c’è una fantastica notizia ad attenderti nella Capitale. L’artista ha inaugurato un nuovo, affascinante capitolo espositivo a Roma, ospitato nella cornice d’eccezione del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia. La mostra, dal titolo evocativo “L’indovino” (aperta al pubblico fino al 29 novembre), ti catapulterà in un universo ancora più profondo e misterioso, dove l’arte contemporanea dialoga con l’archeologia e il mito. Al centro di questo percorso troverai un set performativo e simbolico potentissimo: un maestoso corpus di 22 Arcani Maggiori rivisitati dei Tarocchi di Marsiglia, affiancato da un coloratissimo puzzle di frammenti e da una monumentale scultura totemica astratta. È un invito a interrogarsi sul destino, sul futuro e sulle pieghe più nascoste della nostra coscienza guidati dal talento visionario della Rebeiz. Un motivo in più per rimettersi in viaggio, lasciarsi ispirare e continuare a seguire il filo invisibile dell’arte!
Between Cinema, Alchemy, and Rose Petals: The Secret Charm of “Profumo di Donna” in Mouna Rebeiz’s Art
Who among us doesn’t have at least one scene from Profumo di donna etched in their heart? Whether it is Dino Risi’s unforgettable masterpiece featuring a masterful Vittorio Gassman in all his roaring and tragic vitality, or the wildly famous Hollywood remake where Al Pacino delivers breathtaking performances shouting his legendary “Hoo-ah!”, (I love so much this movie!!) this title immediately evokes a mix of elegance, abandon, sensuality, and mystery. But what happens when this title and its suggestions land on an artist’s canvas, fusing with the history of Venice, alchemical secrets, and a legendary rose? This is what happens in Room 7 of the Palazzo Mocenigo Museum, where the works of Lebanese-Canadian artist Mouna Rebeiz seem to suspend time. Among them, one painting in particular captures the gaze and the imagination: Profumo di donna.
A Bridge Between Genders: The Androgynous Figure and Cinema
Within the artist’s cycle of works, Profumo di donna is the only painting featuring an androgynous figure. Mouna Rebeiz—who comes from a family of poets and musicians and often uses the musical staff and notes as preparatory studies for her canvases—looks to Dino Risi to pay homage to the concept of complementarity between man and woman. There is no sharp separation between masculine and feminine: the central figure wears a tarbouche (the traditional men’s hat) while clutching a rose in her right hand, the eternal symbol of femininity. It is the perfect encounter of Yin and Yang, a single entity where opposites merge. After all, as the most refined contemporary art reminds us when it meets the psyche, the boundaries of our identity are fluid, made of shadows and lights that continually dialogue within us.
The Mocenigo Rose: From China to the Lagoon
The journey of this painting does not stop at cinema or canvas. The rose held by the painted figure creates an intensely strong bond with the place that hosts it, Palazzo Mocenigo, the cradle of Venetian perfume history (in fact, the Mocenigo emblem consists of two roses of different colors on a background of the opposite color). The silent protagonist of this connection is the Mocenigo Rose, an extremely rare variety native to China. The story of this flower is incredible: as Andrea di Robilant recounts in his essay Sulle tracce di una rosa perduta (On the Trail of a Lost Rose), the plant arrived in Paris in the 19th century in the gardens of Josephine Bonaparte. From there, it was given to Lucietta (or Lucina) Mocenigo, a noblewoman and passionate gardener who brought it to Venice and cultivated it with care on her estate in Alvisopoli. From this precious variety, The Merchant of Venice created the homonymous and celebrated “Rosa Moceniga” perfume: a fragrance combining the essence of this rose with undertones of blackcurrant, magnolia, and vanilla. A true sensory journey exuding Venetian history with every spray.
The Rose: Beyond the Flower, Between Alchemy and Power
Yet the rose, as we know, is never just a flower. In universal symbolism and alchemy, the rose plays a paramount role. For alchemists, the rose (especially the red one) represents the culmination of the Great Work, the completion of spiritual transformation, and the revealed secret (sub rosa meant precisely “under the seal of secrecy”). It is the union of opposites, the perfect harmony between matter and spirit. And how can we not think of the allure of historical power? Over the centuries, the rose has been the banner of legendary dynasties—suffering the famous Wars of the Roses between the Lancasters and the Tudors in England, where the white and red roses became the emblem of an entire kingdom. Not to mention another immensely powerful tradition: the Golden Rose, a precious solid gold ornament that Popes used (and still use) to bestow upon particularly deserving personalities, sovereigns, or sanctuaries as a symbol of Christian blessing and virtue.
An Experience That Lingers on the Skin
Looking at Mouna Rebeiz’s painting Profumo di donna at Palazzo Mocenigo is not simply a matter of observing colors spread across a canvas. It is an experience that unites Rubelli’s lavish fabrics, the memory of a beloved film, the ancient scent of a rose, and the alchemical mysteries of an immortal symbol. It is an invitation to close your eyes, breathe deeply, and let yourself be guided—much like Al Pacino’s character—not by sight, but by the invisible and overwhelming essence of things.
Final Call for Venice: The Exhibition Closes on November 8!
If all of this has given you chills and an irrepressible desire to get lost among the Venetian alleys, watch the calendar: Mouna Rebeiz’s extraordinary exhibition at Palazzo Mocenigo is coming to an end and will close its doors on November 8. There are very few days left to admire these magnetic canvases, the plays of glass reflections, and the suspended atmosphere created in dialogue with Rubelli’s fabrics live. If you happen to be in Venice or are planning a last-minute romantic getaway, don’t miss the chance to experience it in person before it’s too late!
Beyond Venice: Discover “The Diviner” in Rome
And if you cannot make it to the lagoon, or if Mouna Rebeiz’s world has simply bewitched you to the point of wanting more, fantastic news awaits you in the Capital. The artist has inaugurated a new, fascinating exhibition chapter in Rome, hosted in the exceptional setting of the National Etruscan Museum of Villa Giulia. The exhibition, evocatively titled “L’indovino” (The Diviner)—open to the public until November 29—will catapult you into an even deeper and more mysterious universe, where contemporary art dialogues with archeology and myth. At the center of this journey you will find a powerful performative and symbolic set: a majestic corpus of 22 revisited Major Arcana of the Marseille Tarot, flanked by a colorful puzzle of fragments and a monumental abstract totem sculpture. It is an invitation to question destiny, the future, and the hidden folds of our consciousness guided by Rebeiz’s visionary talent. One more reason to hit the road again, let yourself be inspired, and continue following the invisible thread of art!
Quando l’Oriente incontra Venezia: l’esplosione floreale e cromatica di Zhuang Hong-Yi
Ci sono mostre d’arte che non si limitano a riempire le pareti di una galleria, ma sembrano ridisegnare lo spazio, la luce e persino il modo in cui percepiamo il tempo. È esattamente quello che sta accadendo a Venezia, dove la Galeries Bartoux ha deciso di accogliere uno degli artisti contemporanei più affascinanti e visionari del panorama internazionale: Zhuang Hong-Yi. Se non hai mai sentito parlare di lui, preparati a fare un viaggio che unisce le tradizioni millenarie della Cina, la precisione artigianale e un’esplosione di colori capace di strappare un sorriso (e un briciolo di stupore) a chiunque.
Chi è Zhuang Hong-Yi? Un ponte tra Sichuan, Olanda e Svizzera
Nato nel 1962 nella provincia cinese del Sichuan, Zhuang Hong-Yi ha alle spalle una formazione rigorosa al prestigioso Sichuan College of Fine Arts. Ma la sua vera svolta artistica e di vita arriva nel 1992, quando decide di trasferirsi nei Paesi Bassi per studiare alla Minerva Academy di Groninga. È proprio in quel momento che la sua identità artistica si sdoppia e si arricchisce: da una parte le radici profonde della sua terra natale, dall’altra l’influenza dell’arte e della natura europea (non a caso, i suoi celebri campi di fiori tridimensionali traggono ispirazione anche dai famosi campi di tulipani olandesi). Oggi l’artista vive e lavora dividendosi tra il suo studio in Cina e la sua quieta residenza in Svizzera. Il suo lavoro non è solo “bello da vedere”: è il risultato di una riflessione intima sul cambiamento, sulla resilienza della natura e sul dialogo costante tra culture apparentemente lontane.
La magia dei fiori di carta di riso
Osservare un’opera di Zhuang Hong-Yi da vicino è un’esperienza quasi ipnotica. Il suo marchio di fabbrica sono centinaia, a volte migliaia, di fiori di carta di riso piegati rigorosamente a mano. L’artista applica questi petali tridimensionali su tele ricoperte da strati sovrapposti di pittura a olio e acrilico.
Il risultato?
Gradienti di colore pazzeschi: tonalità che sfumano l’una nell’altra in modo fluido, passando da esplosioni di rosso e arancio a delicate gradazioni di blu notte, verde muschio o rosa pastello.
Un’arte in movimento: le sue curve e torsioni geometriche non sono mai statiche. A seconda di dove ti posizioni nella stanza e di come la luce colpisce la superficie, l’opera cambia prospettiva, svelando riflessi e profondità nascoste.
Per Zhuang Hong-Yi il fiore non è un semplice soggetto decorativo, ma un simbolo universale e poetico di gioia, pace, prosperità e ottimismo.
“Blooming Eternity”: la grande mostra a Venezia
Se ti trovi in Laguna (o stai pianificando un viaggetto), segnati questo indirizzo: Galeries Bartoux, in Campo de la Carità 1023 (nel cuore di Dorsoduro, a due passi dall’Accademia). Qui è in corso la mostra personale “Blooming Eternity” (aperta al pubblico fino al 1° novembre).L’esposizione trasforma gli spazi della galleria in un vero e proprio giardino poetico e surreale, affiancando i capolavori più iconici dell’artista a una serie di creazioni inedite svelate proprio per questa occasione.
Non solo tele: arriva l’esperienza immersiva
La vera chicca di questa edizione veneziana è che l’esperienza non si ferma alle porte della galleria. L’universo di Zhuang Hong-Yi si espande infatti nell’adiacente Accademia Cinemersiva: uno spazio spettacolare di ben 500 metri quadri sviluppato su due livelli, incastonato sotto la maestosa struttura in legno del vecchio cinema Accademia. Qui le opere prendono letteralmente vita grazie alla primissima installazione multimediale e immersiva interamente dedicata all’artista, offrendo ai visitatori un punto di vista inedito, avvolgente e multisensoriale sulla sua estetica.
Perché vale la pena scoprirlo?
Nel curriculum di Zhuang Hong-Yi ci sono oltre un centinaio di mostre personali e collettive in tutto il mondo, da Shanghai (al Powerlong Museum) a San Pietroburgo (al Museo Erarta), passando per Londra, New York e la partecipazione alla 55ª Biennale di Venezia. Eppure, vederlo dal vivo a Venezia ha un sapore speciale. È un invito a rallentare, a lasciarsi catturare dai dettagli e a riscoprire, attraverso la leggerezza della carta e la potenza del colore, una connessione profonda e rigenerante con la natura. Se ami l’arte che sa emozionare e sorprendere, Blooming Eternity è una tappa che merita assolutamente il viaggio.
Thousands of paper flowers and changing colors: have you ever seen Zhuang Hong-Yi’s art?
When East Meets Venice: The Floral and Chromatic Explosion of Zhuang Hong-Yi
Some art exhibitions do much more than simply fill the walls of a gallery; they seem to redesign the space, the light, and even the way we perceive time. This is precisely what is happening in Venice, where Galeries Bartoux has chosen to host one of the most fascinating and visionary contemporary artists on the international scene: Zhuang Hong-Yi. If you’ve never heard of him, get ready for a journey that blends ancient Chinese traditions, meticulous craftsmanship, and an explosion of color capable of bringing a smile (and a touch of wonder) to anyone’s face.
Who is Zhuang Hong-Yi? A Bridge Between Sichuan, the Netherlands, and Switzerland
Born in 1962 in China’s Sichuan province, Zhuang Hong-Yi received a rigorous education at the prestigious Sichuan College of Fine Arts. However, his true artistic and personal turning point came in 1992, when he decided to move to the Netherlands to study at the Minerva Academy in Groningen. It was during this period that his artistic identity split and enriched itself: on one hand, the deep roots of his homeland; on the other, the influence of European art and nature (not surprisingly, his famous three-dimensional flower fields also draw inspiration from the famous Dutch tulip fields). Today, the artist lives and works between his studio in China and his quiet residence in Switzerland. His work is not just “pretty to look at”—it is the result of an intimate reflection on change, the resilience of nature, and the constant dialogue between seemingly distant cultures.
The Magic of Rice Paper Flowers
Observing a work by Zhuang Hong-Yi up close is an almost hypnotic experience. His trademark consists of hundreds, sometimes thousands, of strictly hand-folded rice paper flowers. The artist applies these three-dimensional petals onto canvases covered with overlapping layers of oil and acrylic paint.
The result?
Stunning color gradients: shades that flow seamlessly into one another, moving from bursts of red and orange to delicate gradations of midnight blue, moss green, or pastel pink.
Art in motion: his meticulous curves and geometric twists are never static. Depending on where you stand in the room and how the light hits the surface, the piece shifts perspective, revealing hidden reflections and depths.
For Zhuang Hong-Yi, the flower is not a simple decorative subject, but a universal and poetic symbol of joy, peace, prosperity, and optimism.
“Blooming Eternity”: The Major Exhibition in Venice
If you find yourself in the Lagoon (or planning a trip), make a note of this address: Galeries Bartoux, at Campo de la Carità 1023 (in the heart of Dorsoduro, a stone’s throw from the Accademia). Here, his solo exhibition “Blooming Eternity” is currently running (open to the public until November 1st). The exhibition transforms the gallery spaces into a true poetic and surreal garden, pairing the artist’s most iconic masterpieces with a series of unreleased creations unveiled specifically for this occasion.
Beyond Canvases: An Immersive Experience
The real highlight of this Venetian edition is that the experience doesn’t stop at the gallery doors. Zhuang Hong-Yi’s universe expands into the adjacent Accademia Cinemersiva: a spectacular 500-square-meter space spread over two levels, nestled beneath the majestic wooden structure of the old Accademia cinema. Here, the works literally come to life thanks to the very first multimedia and immersive installation entirely dedicated to the artist, offering visitors an unprecedented, enveloping, and multisensory perspective on his aesthetic.
Why is He Worth Discovering?
Zhuang Hong-Yi’s resume boasts over a hundred solo and group exhibitions worldwide, from Shanghai (at the Powerlong Museum) to St. Petersburg (at the Erarta Museum), passing through London, New York, and his participation in the 55th Venice Biennale. Yet, experiencing his work live in Venice has a special flavor. It is an invitation to slow down, let yourself be captivated by the details, and rediscover—through the lightness of paper and the power of color—a deep and regenerating connection with nature. If you love art that moves and surprises, Blooming Eternity is a stop that is well worth the trip.
Des milliers de fleurs en papier et des couleurs changeantes : avez-vous déjà vu l’art de Zhuang Hong-Yi ?
Quand l’Orient rencontre Venise : l’explosion florale et chromatique de Zhuang Hong-Yi
Il y a des expositions d’art qui ne se contentent pas de remplir les murs d’une galerie, mais semblent redessiner l’espace, la lumière et même notre perception du temps. C’est exactement ce qui se passe à Venise, où la Galeries Bartoux a choisi d’accueillir l’un des artistes contemporains les plus fascinants et visionnaires de la scène internationale : Zhuang Hong-Yi. Si vous n’avez jamais entendu parler de lui, préparez-vous à un voyage qui allie les traditions millénaires de la Chine, la précision artisanale et une explosion de couleurs capable d’arracher un sourire (et une touche d’émerveillement) à n’importe qui.
Qui est Zhuang Hong-Yi ? Un pont entre le Sichuan, les Pays-Bas et la Suisse
Né en 1962 dans la province du Sichuan en Chine, Zhuang Hong-Yi a suivi une formation rigoureuse au prestigieux Sichuan College of Fine Arts. Mais le véritable tournant artistique et personnel de sa vie survient en 1992, lorsqu’il décide de s’installer aux Pays-Bas pour étudier à la Minerva Academy de Groningue. C’est à ce moment-là que son identité artistique se dédouble et s’enrichit : d’un côté, les racines profondes de sa terre natale ; de l’autre, l’influence de l’art et de la nature européenne (ce n’est pas un hasard si ses célèbres champs de fleurs tridimensionnels s’inspirent également des fameux champs de tulipes néerlandais). Aujourd’hui, l’artiste vit et travaille entre son studio en Chine et sa paisible résidence en Suisse. Son travail n’est pas seulement « beau à regarder » : il est le fruit d’une réflexion intime sur le changement, la résilience de la nature et le dialogue constant entre des cultures apparemment lointaines.
La magie des fleurs en papier de riz
Observer de près une œuvre de Zhuang Hong-Yi est une expérience presque hypnotique. Sa signature artistique consiste en des centaines, parfois des milliers, de fleurs en papier de riz pliées rigoureusement à la main. L’artiste applique ces pétales tridimensionnels sur des toiles recouvertes de couches superposées de peinture à l’huile et à l’acrylique.
Le résultat ?
Des dégradés de couleurs saisissants : des teintes qui se fondent les unes dans les autres de manière fluide, passant d’explosions de rouge et d’orange à de délicats dégradés de bleu nuit, de vert mousse ou de rose pastel.
De l’art en mouvement : ses courbes et torsions géométriques ne sont jamais statiques. Selon l’endroit où l’on se place dans la pièce et la manière dont la lumière frappe la surface, l’œuvre change de perspective, révélant des reflets et des profondeurs cachées.
Pour Zhuang Hong-Yi, la fleur n’est pas un simple sujet décoratif, mais un symbole universel et poétique de joie, de paix, de prospérité et d’optimisme.
« Blooming Eternity » : La grande exposition à Venise
Si vous êtes de passage dans la Lagune (ou en train de planifier un voyage), notez cette adresse : Galeries Bartoux, au Campo de la Carità 1023 (au cœur de Dorsoduro, à deux pas de l’Accademia). C’est là que se tient actuellement son exposition personnelle « Blooming Eternity » (ouverte au public jusqu’au 1er novembre). L’exposition transforme les espaces de la galerie en un véritable jardin poétique et surréaliste, associant les chefs-d’œuvre les plus emblématiques de l’artiste à une série de créations inédites dévoilées spécialement pour l’occasion.
Bien plus que des toiles : une expérience immersive
Le véritable point fort de cette édition vénitienne est que l’expérience ne s’arrête pas aux portes de la galerie. L’univers de Zhuang Hong-Yi s’étend dans l’adjacent Accademia Cinemersiva : un espace spectaculaire de 500 mètres carrés répartis sur deux niveaux, niché sous la majestueuse structure en bois du vieux cinéma Accademia. Ici, les œuvres prennent littéralement vie grâce à la toute première installation multimédia et immersive entièrement dédiée à l’artiste, offrant aux visiteurs un point de vue inédit, enveloppant et multisensoriel sur son esthétique.
Pourquoi faut-il le découvrir ?
Le parcours de Zhuang Hong-Yi compte plus d’une centaine d’expositions personnelles et collectives à travers le monde, de Shanghai (au Powerlong Museum) à Saint-Pétersbourg (au Musée Erarta), en passant par Londres, New York et sa participation à la 55e Biennale de Venise. Pourtant, découvrir son travail en direct à Venise a une saveur toute particulière. C’est une invitation à ralentir, à se laisser captiver par les détails et à redécouvrir, à travers la légèreté du papier et la puissance de la couleur, une connexion profonde et régénératrice avec la nature. Si vous aimez l’art qui émeut et surprend, Blooming Eternity est une étape qui vaut amplement le détour.
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LE TARBOUCHE A PALAZZO MOCENIGO
Quando un accessorio diventa simbolo: l’arte di Mouna Rebeiz incontra il pensiero di Elsa Godart
Nelle prestigiose sale del Museo di Palazzo Mocenigo a Venezia, la mostra “Le Tarbouche. Quando un accessorio diventa simbolo” si offre al pubblico come un’esperienza estetica e intellettuale di rara densità. Al centro di questo progetto espositivo si staglia l’iconico copricapo mediorientale — il tarbush o fez — storicamente legato al potere, alla virilità e alle rigide strutture patriarcali d’Oriente. Attraverso le monumentali tele dell’artista di origine libanese Mouna Rebeiz, questo antico accessorio maschile viene scardinato dal suo contesto originario per essere ripensato sul corpo femminile, trasformandosi in un potente manifesto di emancipazione e riappropriazione identitaria.
Il Sodalizio Intellettuale: La Pittrice e la Psicoanalista
La genesi e la forza dirompente di questa mostra risiedono in un profondo e storico legame artistico-filosofico che unisce da oltre un decennio Mouna Rebeiz e la nota filosofa e psicoanalista francese Elsa Godart. Questo legame affonda le radici in un terreno comune: la Rebeiz, prima di consacrarsi interamente alle arti visive, ha completato studi approfonditi in psicologia clinica tra Parigi e Beirut. Questa comune sensibilità verso i labirinti della psiche ha permesso la nascita di una stima intellettuale straordinaria.
Mouna Rebeiz vede nella Godart la mente illuminata capace di decodificare teoricamente ciò che l’istinto pittorico esprime sulla tela. Laddove la Rebeiz agisce con il pennello, evocando archetipi e tensioni tra Oriente e Occidente, la Godart interviene con la parola e lo scavo psicoanalitico. Nel corso degli anni, la studiosa francese è divenuta un’autentica amica e mentore per l’artista, curando i testi critici delle sue principali esposizioni e offrendo una legittimazione filosofica che svela la crisi dell’identità contemporanea e la complessa metamorfosi dell’universo femminile.
L’Enigma di “Bloody Mary”: Tra Storia, Provocazione e Fede
L’opera Bloody Mary (2014, olio su tela), tra le più magnetiche dell’esposizione, incarna perfettamente la sintesi di questo sodalizio e la natura provocatoria della ricerca di Rebeiz. Il dipinto affronta direttamente il tema della religione e del suo impatto dogmatico sulla sofferenza umana. Il titolo gioca intenzionalmente su un doppio binario ironico e drammatico: evoca il celebre cocktail a base di pomodoro e vodka, ma si rifà esplicitamente al personaggio storico di Maria I d’Inghilterra, passata alla storia come “Maria la Sanguinaria” (Bloody Mary) per aver ordinato il supplizio e l’esecuzione di centinaia di protestanti nel XVI secolo.
Nel dipinto, tre donne ritratte di spalle conversano, sormontate da tarbouche di un nero intenso che si estendono a tutto il dipinto facendo da sfondo ai loro corpi ambrati. Davanti a loro compare una figura femminile senza volto, il cui capo è celato da un velo composto da un coloratissimo foulard di Hermès. Questa figura, dedicata alla Vergine Maria, viene interpretata ed espressamente modellata sulle sembianze di Elsa Godart, amica e mentore dell’artista.
La scelta di non mostrare il volto del personaggio della Vergine — interpretato proprio dalla Godart — risponde a una precisa simbologia culturale e teologica. Secondo la tradizione islamica, infatti, il volto della Vergine, così come il volto della donna in generale nella sua dimensione più sacra e intima, deve rimanere segreto, sottratto allo sguardo profano. Celando il viso dietro l’elegante modernità di un foulard occidentale, Rebeiz e Godart uniscono i codici della tradizione e della contemporaneità, puntando il dito sulle restrizioni e sui dolori storicamente causati dalle interpretazioni religiose, e trasformando il silenzio visivo in un grido di denuncia e riflessione.
Un Binomio Universale in Viaggio verso il Futuro
È proprio l’indissolubile binomio tra l’audacia visiva di Mouna Rebeiz e la profondità analitica di Elsa Godart ad aver reso possibile una mostra della portata di Le Tarbouche. L’esposizione, che oggi trova a Palazzo Mocenigo a Venezia una sponda ideale tra merletti, profumi e memorie storiche veneziane, possiede in realtà un’anima nomade. Celebrata in passato in prestigiosi contesti internazionali (come la Saatchi Gallery di Londra nel 2015), la mostra continua a ridefinire i confini del dialogo interculturale. Questo straordinario sodalizio al femminile ha dato vita a un corpus di opere che, dopo aver conquistato la laguna, è destinato a viaggiare ancora, portando il proprio messaggio di libertà e provocazione verso mete future e orizzonti ancora da scoprire.
L’indovino
Tra i progetti più significativi della produzione recente di Mouna Rebeiz che merita di essere menzionato è: The Soothsayer (Le Devin), presentato per la prima volta nel 2022 in occasione della 59ª Biennale di Venezia. Il ciclo nasce da una riflessione sul desiderio umano di conoscere il futuro e intreccia simboli antichi e interrogativi contemporanei, mettendo in dialogo temi come la profezia, i tarocchi, l’inconscio, il destino e le nuove tecnologie. Attraverso una serie di opere fortemente evocative, l’artista esplora le paure e le speranze che accompagnano l’umanità di fronte all’incertezza del domani, interrogandosi sul ruolo dell’intelligenza artificiale e sul rapporto sempre più complesso tra intuizione umana e tecnologia.
Parlo di questa sua mostra passata, perché dopo il successo internazionale ottenuto negli ultimi anni, Le Devin approderà anche a Roma, dove sarà nuovamente esposta a partire dal 9 novembre. L’esposizione offrirà al pubblico italiano l’opportunità di immergersi nell’universo simbolico creato da Mouna Rebeiz, un mondo in cui arte, filosofia e psicoanalisi si incontrano per riflettere sulle grandi domande dell’esistenza contemporanea. Attraverso immagini visionarie e riferimenti che spaziano dall’esoterismo alla tecnologia, la mostra invita il visitatore a interrogarsi sul concetto di destino e sulla capacità dell’essere umano di immaginare il proprio futuro, confermando ancora una volta la profondità e l’attualità della ricerca artistica di Rebeiz.
LE TARBOUCHE AT PALAZZO MOCENIGO
When an Accessory Becomes a Symbol: The Art of Mouna Rebeiz Meets the Thought of Elsa Godart
In the prestigious rooms of the Museo di Palazzo Mocenigo in Venice, the exhibition “Le Tarbouche. Quando un accessorio diventa simbolo” (When an Accessory Becomes a Symbol) offers visitors an aesthetic and intellectual experience of rare depth. At the center of this exhibition project stands the iconic Middle Eastern headpiece — the tarbush or fez — historically linked to power, masculinity, and the rigid patriarchal structures of the East. Through the monumental canvases of Lebanese-born artist Mouna Rebeiz, this ancient male accessory is unseated from its original context to be reimagined on the female body, transforming into a powerful manifesto of emancipation and identity reclamation.
The Intellectual Partnership: The Painter and the Psychoanalyst
The genesis and disruptive power of this exhibition lie in a deep and historic artistic-philosophical bond that has united Mouna Rebeiz and the renowned French philosopher and psychoanalyst Elsa Godart for over a decade. This connection is rooted in shared ground: before dedicating herself entirely to the visual arts, Rebeiz completed advanced studies in clinical psychology between Paris and Beirut. This mutual sensitivity toward the labyrinths of the psyche paved the way for an extraordinary intellectual respect.
Mouna Rebeiz views Godart as the enlightened mind capable of theoretically decoding what her painterly instinct expresses on canvas. Where Rebeiz acts with the brush, evoking archetypes and tensions between East and West, Godart steps in with language and psychoanalytic excavation. Over the years, the French scholar has become a true friend and mentor to the artist, authoring the critical texts for her major exhibitions and providing a philosophical validation that unveils the crisis of contemporary identity and the complex metamorphosis of the female universe.
The Enigma of “Bloody Mary”: Between History, Provocation, and Faith
The artwork Bloody Mary (2014, oil on canvas), one of the most magnetic pieces in the exhibition, perfectly embodies the synthesis of this partnership and the provocative nature of Rebeiz’s research. The painting directly addresses the theme of religion and its dogmatic impact on human suffering. The title intentionally plays on an ironic and dramatic double meaning: it evokes the famous tomato and vodka-based cocktail, but explicitly references the historical figure of Mary I of England, known to history as “Bloody Mary” for ordering the persecution and execution of hundreds of Protestants in the 16th century.
In the painting, three women depicted from behind are in conversation, topped by tarbouches of an intense black that extends across the whole canvas, forming a backdrop for their amber-hued bodies. In front of them appears a faceless female figure whose head is concealed by a veil made from a colorful Hermès scarf. This figure, dedicated to the Virgin Mary, is performed by and expressly modeled on the features of Elsa Godart, the artist’s friend and mentor.
The choice not to show the face of the Virgin character — portrayed by Godart — responds to a precise cultural and theological symbolism. According to Islamic tradition, the face of the Virgin, much like the face of women in general in its most sacred and intimate dimension, must remain secret, withheld from the profane gaze. By hiding the face behind the elegant modernity of a Western scarf, Rebeiz and Godart merge the codes of tradition and contemporaneity, pointing a finger at the restrictions and pain historically caused by religious interpretations, and turning visual silence into a cry of denunciation and reflection.
A Universal Duo Journeying into the Future
It is precisely the indissoluble bond between the visual audacity of Mouna Rebeiz and the analytical depth of Elsa Godart that has made an exhibition of the scale of Le Tarbouche possible. The exhibition, which today finds an ideal backdrop in Venice’s Palazzo Mocenigo among historical lace, perfumes, and Venetian memories, actually possesses a nomadic soul. Celebrated in the past in prestigious international contexts (such as the Saatchi Gallery in London in 2015), the exhibition continues to redefine the boundaries of intercultural dialogue. This extraordinary female partnership has given life to a body of work that, after conquering the lagoon, is destined to travel further, carrying its message of freedom and provocation toward future destinations and horizons yet to be discovered.
The soothsayer – Le Devin
Among the most significant projects in Mouna Rebeiz’s recent artistic production is The Soothsayer (Le Devin), first presented in 2022 during the 59th Venice Biennale. The series stems from a reflection on humanity’s enduring desire to foresee the future, weaving together ancient symbols and contemporary questions through themes such as prophecy, tarot, the unconscious, destiny, and emerging technologies. Through a collection of highly evocative works, the artist explores the fears and hopes that accompany humankind in the face of an uncertain future, while questioning the role of artificial intelligence and the increasingly complex relationship between human intuition and technology.
I mention this past exhibition because, following its international success over the past few years, Le Devin will also arrive in Rome, where it will be presented once again starting on November 9. The exhibition will offer Italian audiences the opportunity to immerse themselves in the symbolic universe created by Mouna Rebeiz—a world in which art, philosophy, and psychoanalysis converge to reflect on the fundamental questions of contemporary existence. Through visionary imagery and references ranging from esotericism to technology, the exhibition invites visitors to reflect on the concept of destiny and on humanity’s capacity to imagine its own future, once again confirming the depth, relevance, and contemporary resonance of Rebeiz’s artistic practice.
Roberta Semeraro e “Le Tarbouche”: quando l’allestimento diventa dialogo tra identità, simboli e femminile
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A Venezia, negli spazi del Museo di Palazzo Mocenigo, la mostra Le Tarbouche. Quando un accessorio diventa simbolo dell’artista Mouna Rebeiz non si limita a presentare un corpus di opere pittoriche: costruisce un percorso concettuale complesso, in cui storia del costume, identità culturale e rappresentazione del femminile si intrecciano attraverso uno sguardo curatoriale preciso e riconoscibile. Al centro di questa operazione c’è infatti la figura della curatrice Roberta Semeraro.
Narratrice, critica d’arte e curatrice indipendente, Semeraro ha costruito negli anni un percorso professionale orientato all’indagine dei linguaggi contemporanei e delle trasformazioni culturali attraverso l’arte. Presidente dell’associazione culturale RO.SA.M., ha collaborato con istituzioni italiane e internazionali sviluppando progetti che intrecciano arte, memoria, sostenibilità e identità.
La mostra veneziana dedicata a Mouna Rebeiz sembra inserirsi perfettamente in questa linea di ricerca. Il tarbouche — tradizionale copricapo maschile diffuso nel mondo islamico sin dal XIV secolo — viene qui reinterpretato dall’artista come simbolo ambiguo e potente, trasferito su monumentali figure femminili che evocano tanto la pittura classica quanto una riflessione contemporanea sul corpo e sul ruolo della donna. Ma è proprio l’allestimento della Semeraro a trasformare questo elemento iconografico in un dispositivo narrativo più ampio. L’intuizione curatoriale consiste nel collocare le opere all’interno del contesto altamente simbolico di Palazzo Mocenigo, museo dedicato alla storia del tessuto, del costume e del profumo. Qui il tarbouche smette di essere soltanto un accessorio etnografico e diventa un ponte tra Oriente e Occidente, tra moda e identità, tra storia e contemporaneità. La mostra assume così una dimensione quasi antropologica, in cui gli oggetti raccontano strutture sociali, appartenenze e ruoli di genere.
Il lavoro di Roberta Semeraro emerge soprattutto nella costruzione del dialogo tra discipline diverse. Pittura, moda, design e storia del costume convivono infatti in un percorso che include anche reinterpretazioni contemporanee del tarbouche realizzate da designer internazionali. Una scelta curatoriale che amplia il significato della mostra e la sottrae alla semplice dimensione estetica, trasformandola in una riflessione sul valore culturale degli oggetti e sulla loro capacità di attraversare epoche e linguaggi. Da tempo Semeraro concentra la propria ricerca sui temi dell’identità e della rappresentazione del femminile nell’arte contemporanea. In Le Tarbouche questa attenzione si traduce in una lettura critica che evita sia l’esotismo sia la semplice provocazione visiva. Le figure femminili di Rebeiz, sensuali e monumentali, vengono inserite in un discorso più ampio sullo sguardo contemporaneo, sulla costruzione simbolica del potere e sul modo in cui gli accessori possano diventare strumenti di affermazione culturale.
La curatrice sembra inoltre lavorare su un equilibrio sottile tra tradizione e contemporaneità. Da una parte il richiamo alla grande pittura europea, dall’altra l’urgenza di interrogare il presente: identità fluide, ruoli di genere, memoria culturale e contaminazione tra mondi differenti. È in questo spazio di tensione che la mostra trova la sua forza. In un panorama artistico spesso dominato dalla rapidità visiva e dalla spettacolarizzazione, il progetto curatoriale di Roberta Semeraro restituisce invece centralità alla ricerca critica e alla costruzione del significato. Le Tarbouche non appare dunque solo come una mostra d’arte contemporanea, ma come un dispositivo culturale capace di mettere in relazione immagini, storia e pensiero.
Per approfondire la visione curatoriale alla base del progetto, ho intervistato la curatrice Roberta Semeraro, che mi ha raccontato la genesi della mostra e il dialogo costruito tra le opere di Mouna Rebeiz e gli spazi evocativi di Palazzo Mocenigo.
Come nasce l’idea di portare Mouna Rebeiz a Palazzo Mocenigo? «Circa due anni fa, parlando con la direttrice scientifica dei Musei Civici Veneziani, ho avuto la sensazione di avere davanti l’artista perfetta per Palazzo Mocenigo. Mouna Rebeiz è di origini libanesi e il tarbouche, attorno al quale ruota questo ciclo di opere, appartiene profondamente all’immaginario orientale. Palazzo Mocenigo, invece, è il Centro Studi di Storia del Tessuto, del Costume e del Profumo. Tutte queste realtà hanno iniziato quasi naturalmente a dialogare tra loro, suggerendomi l’idea di proporre la mostra ai Musei Civici.»
Che rapporto ha con Palazzo Mocenigo? «Palazzo Mocenigo e Palazzo Fortuny sono da sempre i miei musei preferiti di Venezia. Amo il fatto che abbiano conservato intatti i loro ambienti: entrarci significa fare un viaggio a ritroso nel tempo. In quei luoghi si percepiscono ancora le contaminazioni tra Oriente e Occidente che hanno reso Venezia unica al mondo.»
Cosa la colpisce maggiormente dell’arte di Mouna Rebeiz? «Quello che apprezzo di più è la capacità di unire la bellezza alla forza espressiva. Le sue opere trasmettono messaggi molto potenti, ma lo fanno attraverso una forma seducente, elegante, quasi magnetica. È proprio questo contrasto a renderle così incisive.»
Tra le tante mostre che ha curato, ce n’è una che senti particolarmente vicina? «Ho amato ogni mostra che ho allestito, dalla più piccola alla più complessa. Sicuramente le esposizioni di scultura ambientale sono state le più impegnative, perché richiedono un confronto diretto con il contesto urbano e con tutte le dinamiche che questo comporta. In Italia, poi, ogni luogo porta con sé una stratificazione storica delicatissima. Un progetto a cui resto profondamente legata è l’Amphisculpture di Parco del Sole all’Aquila: il più grande teatro all’aperto nato da un lungo lavoro di ideazione, gestazione e costruzione, che ho raccontato anche nel mio libro Ricostruire con l’arte.»
Cosa vorresti che il visitatore portasse con sé dopo aver visto “Le Tarbouche”? «Consiglierei ai visitatori di soffermarsi con attenzione nelle sale, osservando i rimandi tra le opere contemporanee e la collezione permanente del museo. È proprio in quel dialogo tra presente e passato che la visita diventa più affascinante e il museo riesce davvero a raccontare qualcosa di vivo.»
The Exhibition “Le Tarbouche” Told by Curator Roberta Semeraro
In Venice, within the evocative spaces of Palazzo Mocenigo Museum, the exhibition Le Tarbouche. When an Accessory Becomes a Symbol by artist Mouna Rebeiz goes far beyond presenting a body of paintings: it constructs a complex conceptual journey in which the history of costume, cultural identity, and the representation of femininity intertwine through a precise and recognizable curatorial vision. At the heart of this operation stands curator Roberta Semeraro.
A storyteller, art critic, and independent curator, Semeraro has developed over the years a professional path focused on investigating contemporary artistic languages and cultural transformations through art. As president of the cultural association RO.SA.M., she has collaborated with Italian and international institutions, developing projects that connect art, memory, sustainability, and identity.
The Venetian exhibition dedicated to Mouna Rebeiz fits perfectly within this line of research. The tarbouche — a traditional male headdress widespread throughout the Islamic world since the 14th century — is reinterpreted here by the artist as an ambiguous yet powerful symbol, transferred onto monumental female figures that evoke both classical painting and a contemporary reflection on the body and the role of women. Yet it is Semeraro’s curatorial approach that transforms this iconographic element into a broader narrative device.
The curator’s intuition lies in placing the works within the highly symbolic context of Palazzo Mocenigo, a museum devoted to the history of textiles, costume, and perfume. Here, the tarbouche ceases to be merely an ethnographic accessory and becomes a bridge between East and West, between fashion and identity, between history and contemporaneity. The exhibition thus takes on an almost anthropological dimension, where objects tell stories of social structures, belonging, and gender roles.
Roberta Semeraro’s work emerges above all in the construction of a dialogue between different disciplines. Painting, fashion, design, and costume history coexist in a path that also includes contemporary reinterpretations of the tarbouche created by international designers. This curatorial choice expands the meaning of the exhibition and frees it from a purely aesthetic dimension, transforming it into a reflection on the cultural value of objects and their ability to move across eras and languages.
For years, Semeraro has focused her research on themes of identity and the representation of femininity in contemporary art. In Le Tarbouche, this attention translates into a critical reading that avoids both exoticism and mere visual provocation. Rebeiz’s female figures — sensual and monumental — are inserted into a broader discourse on the contemporary gaze, the symbolic construction of power, and the ways accessories can become instruments of cultural affirmation.
The curator also seems to work within a delicate balance between tradition and contemporaneity. On one side lies the reference to great European painting; on the other, the urgency to question the present: fluid identities, gender roles, cultural memory, and contamination between different worlds. It is within this space of tension that the exhibition finds its strength.
In an artistic landscape often dominated by visual speed and spectacle, Roberta Semeraro’s curatorial project restores centrality to critical research and the construction of meaning. Le Tarbouche therefore appears not simply as a contemporary art exhibition, but as a cultural device capable of connecting images, history, and thought.
To further explore the curatorial vision behind the project, I interviewed the curator Roberta Semeraro, who shared with me the origins of the exhibition and the dialogue created between Mouna Rebeiz’s works and the evocative spaces of Palazzo Mocenigo.
How did the idea of bringing Mouna Rebeiz to Palazzo Mocenigo come about? “About two years ago, while speaking with the scientific director of the Venetian Civic Museums, I realized I had found the perfect artist for Palazzo Mocenigo. Mouna Rebeiz is of Lebanese origin, and the tarbouche — around which this cycle of works revolves — deeply belongs to the Eastern imagination. Palazzo Mocenigo, on the other hand, is the Study Center for the History of Textiles, Costume, and Perfume. All these realities naturally began to converse with one another, inspiring me to propose the exhibition to the Civic Museums.”
What kind of relationship do you have with Palazzo Mocenigo? “Palazzo Mocenigo and Palazzo Fortuny have always been my favorite museums in Venice. I love the fact that they have preserved their interiors exactly as they once were: entering them feels like traveling back in time. In those spaces, you can still perceive the contaminations between East and West that made Venice unique in the world.”
What fascinates you most about Mouna Rebeiz’s art? “What I appreciate most is her ability to combine beauty with expressive strength. Her works convey extremely powerful messages, yet they do so through a seductive, elegant, almost magnetic form. It is precisely this contrast that makes them so compelling.”
Among the many exhibitions you have curated, is there one that remains especially close to your heart? “I have loved every exhibition I have curated, from the smallest to the most ambitious. Environmental sculpture exhibitions have certainly been the most challenging because they require engaging directly with the urban context and all the dynamics that come with it. In Italy, every place carries an incredibly delicate historical stratification. One project I remain particularly proud of is the Amphisculpture at Parco del Sole in L’Aquila: the largest open-air theater, born from a long process of conception, development, and construction, which I also recounted in my book Rebuilding Through Art.”
What would you like visitors to take away after seeing Le Tarbouche? “I would encourage visitors to spend time carefully observing the rooms and discovering the connections between the contemporary works and the museum’s permanent collection. It is precisely in that dialogue between present and past that the visit becomes most fascinating, and the museum truly comes alive.”
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Nel silenzio di “Le tarbouche”: la donna, il corpo e la solitudine nei dipinti di Mouna Rebeiz
Ci sono opere che si limitano a essere guardate. E poi ce ne sono altre che sembrano osservarti mentre le contempli, costringendoti a entrare lentamente dentro il loro silenzio. È questa la sensazione che ho provato davanti ai dipinti di Mouna Rebeiz, raccolti sotto il titolo Le tarbouche – Quando un accessorio diventa simbolo. Un ciclo pittorico in cui il corpo femminile diventa memoria, ferita, isolamento, ma anche possibilità di rinascita.
Parlando personalmente con l’artista, ho scoperto un dettaglio fondamentale: la figura femminile che attraversa quasi tutte queste tele appartiene alla stessa modella: Rana Karam, nipote dell’artista. Non una semplice presenza scenica, ma una vera musa ispiratrice. Mouna Rebeiz mi ha raccontato che quel corpo rappresentava perfettamente ciò che desiderava esprimere. Le linee morbide della schiena, le posture raccolte, quasi fetali, la capacità di trasmettere fragilità senza perdere eleganza: tutto contribuiva a dare forma visiva a un universo interiore fatto di solitudine e sospensione emotiva. Eppure, conoscendo la modella di persona, si comprende subito quanto sarebbe riduttivo fermarsi all’aspetto estetico. Certo, la sua bellezza colpisce immediatamente, ma ciò che resta davvero impresso è altro: la sensibilità con cui parla, la sua cultura, l’intelligenza quieta che emerge nei discorsi, una delicatezza rara che sembra riflettersi inconsapevolmente anche nei dipinti. Forse è proprio questa profondità umana ad aver reso possibile un dialogo così intenso tra artista e musa.
Nelle opere della serie, la donna appare quasi sempre di spalle, isolata dentro fondi monocromatici immensi, schiacciata da spazi che sembrano divorare lentamente la figura. In Le tarbouche (2014), il nero si espande come un vuoto cosmico: la protagonista sembra perdersi dentro un’oscurità che non è soltanto fisica, ma esistenziale. la figura femminile è relegata in un angolo della tela, quasi inghiottita dall’immenso vuoto nero che la circonda. Quel nero non è soltanto uno sfondo: diventa la rappresentazione visiva dell’abbandono, del silenzio e della mancanza di sostegno. La donna appare isolata, fragile, ridotta a una presenza minima davanti a uno spazio oscuro e sconfinato che sembra volerla cancellare. Il dipinto richiama con forza una condizione che, purtroppo, molte donne vivono ancora oggi, soprattutto nei casi di violenza domestica. Spesso chi subisce violenza si ritrova confinata in una solitudine emotiva e psicologica profonda, invisibile agli occhi degli altri, privata di ascolto, protezione e comprensione. Il vuoto nero che avvolge la figura può quindi essere letto come la metafora di una società che troppo spesso lascia le donne sole dentro il proprio dolore. Il tarbouche che porta sul capo diventa allora un segno simbolico, un fragile messaggio di speranza e di emancipazione femminile. Nonostante questa oscurità soffocante, la figura non scompare del tutto. Il suo corpo continua a esistere, a resistere. Il tarbouche che porta sul capo diventa allora un simbolo sottile ma potente di dignità, resilienza e speranza: il segno della possibilità di ritrovare sé stesse e liberarsi da quella condizione di isolamento.
Anche in Exil, la figura si chiude su sé stessa. Il corpo reclinato in avanti richiama una posizione fetale, quasi un desiderio di ritorno a uno spazio protetto, lontano dalla violenza del mondo esterno.
Ma è forse davanti a Red wine che il linguaggio simbolico dell’artista raggiunge una delle sue espressioni più potenti. La tela è attraversata da un rosso intenso, denso, quasi materico. Il colore non si limita a riempire lo spazio: sembra colare, respirare, diventare sostanza viva. Sangue, vino, carne, memoria. Osservando quest’opera, ho pensato immediatamente alla pittrice Elisabetta Rogai, https://diariodiunoperatoremuseale.co/2024/07/31/elisabetta-rogai-a-ca-sagredo/ celebre per l’uso del vino come materiale pittorico nelle sue enoarte. Anche nelle opere di Rogai il vino smette di essere semplice bevanda per trasformarsi in corpo, tempo, trasformazione organica. Il colore muta, ossida, invecchia, proprio come le emozioni umane. Nel caso di Mouna Rebeiz, però, il vino sembra assumere una dimensione ancora più interiore: non è soltanto materia, ma una sorta di liquido emotivo che avvolge e ingloba le figure femminili. Le due donne presenti nella composizione — una quasi speculare all’altra — appaiono sospese in uno spazio senza gravità, come ricordi che galleggiano nella coscienza. La pittura diventa allora pelle. Diventa tessuto. Diventa vulnerabilità.
E forse è proprio questa la forza più autentica della serie Le tarbouche: riuscire a raccontare la condizione femminile senza retorica, attraverso corpi silenziosi che parlano più di qualsiasi dichiarazione esplicita. Dietro quelle figure nude non c’è mai esibizione. C’è piuttosto un senso di attesa. Di malinconia. Di resistenza. Ed è impossibile uscire da questa mostra senza portarsi addosso almeno una parte di quel silenzio.
Invito tutta la cittadinanza e i turisti presenti a Venezia per le loro vacanze, di visitare il Museo di Palazzo Mocenigo, per poter apprezzare questa stupenda mostra. Non ve ne pentirete ! Vi aspettiamo !
In the Silence of “Le tarbouche”: Women, the Body, and Solitude in the Paintings of Mouna Rebeiz
There are artworks that simply ask to be looked at. And then there are others that seem to look back at you, slowly drawing you into their silence. That is the feeling I experienced while standing before the paintings of Mouna Rebeiz, gathered under the title Le tarbouche – When an Accessory Becomes a Symbol. A pictorial series in which the female body becomes memory, wound, isolation, but also the possibility of rebirth.
Speaking personally with the artist, I discovered a fundamental detail: the female figure appearing throughout some of these canvases is always the same model: Rana Karam, niece of the artist. Not merely a recurring presence, but a true muse. Mouna Rebeiz told me that this woman’s body perfectly embodied what she wished to express. The soft lines of her back, the almost fetal postures, the ability to convey fragility without ever losing elegance — all of it helped shape a visual universe suspended between loneliness and emotional vulnerability. And yet, after meeting the model in person, it became immediately clear how limiting it would be to speak only of her beauty. Of course, her physical presence is striking, but what remains with you is something deeper: her sensitivity, her culture, the quiet intelligence that emerges in conversation, and a rare delicacy that seems unconsciously reflected in the paintings themselves. Perhaps it is precisely this human depth that made such an intense dialogue between artist and muse possible.
In the works in the series, the woman almost always appears from behind, isolated within immense monochromatic backgrounds, crushed by spaces that seem to slowly devour the figure. In Le tarbouche (2014), the black expands like a cosmic void: the protagonist seems to be lost in a darkness that is not only physical, but existential. The female figure is relegated to a corner of the canvas, almost swallowed up by the immense black void that surrounds her. That black is not merely a backdrop: it becomes the visual representation of abandonment, silence, and lack of support. The woman appears isolated, fragile, reduced to a minimal presence before a dark and boundless space that seems to want to erase her. The painting forcefully recalls a condition that, unfortunately, many women still experience today, especially in cases of domestic violence. Often, those who suffer violence find themselves confined in a profound emotional and psychological solitude, invisible to the eyes of others, deprived of listening, protection, and understanding. The black void that envelops the figure can therefore be read as a metaphor for a society that too often leaves women alone in their pain. The tarbouche she wears on her head thus becomes a symbolic sign, a fragile message of hope and female emancipation. Despite this suffocating darkness, the figure does not disappear entirely. Her body continues to exist, to resist. The tarbouche she wears on her head thus becomes a subtle yet powerful symbol of dignity, resilience, and hope: a sign of the possibility of rediscovering oneself and freeing oneself from that state of isolation.
In Exil, the figure folds inward upon herself. Her body leans forward in a fetal-like posture, evoking a longing to return to a protected space, far from the violence of the outside world.
But perhaps it is in Red wine that the artist’s symbolic language reaches one of its most powerful expressions. The canvas is immersed in a deep, dense red that feels almost tactile. The color does not simply fill the space: it seems to flow, breathe, and become a living substance. Blood, wine, flesh, memory. While observing this work, I immediately thought of Elisabetta Rogai, https://diariodiunoperatoremuseale.co/2024/07/31/elisabetta-rogai-a-ca-sagredo/ the artist renowned for using wine itself as a painting medium in her celebrated enoart. In Rogai’s work, wine ceases to be merely a beverage and becomes body, time, and organic transformation. The color changes, oxidizes, ages — much like human emotions. In Mouna Rebeiz’s paintings, however, wine appears to take on an even more intimate dimension: it is not simply matter, but a kind of emotional fluid enveloping the female figures. The two women within the composition — one almost mirroring the other — seem suspended in a gravityless space, like memories floating within consciousness itself. Painting becomes skin. Becomes fabric. Becomes vulnerability.
And perhaps this is the true strength of the Le tarbouche series: its ability to portray the female condition without rhetoric, through silent bodies that speak more powerfully than any explicit statement ever could. Behind these nude figures there is never exhibitionism. There is waiting instead. Melancholy. Resistance. And it is impossible to leave these works behind without carrying at least a fragment of their silence with you.
I invite all residents and tourists visiting Venice for their holidays to visit the Mocenigo Palace Museum and appreciate this wonderful exhibition. You won’t regret it! We look forward to seeing you!
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Venezia si prepara ad accogliere una mostra destinata a lasciare il segno. Dal 20 maggio all’8 novembre 2026, le sale di Museo di Palazzo Mocenigo ospiteranno “Le Tarbouche. Quando un accessorio diventa simbolo”, il nuovo progetto espositivo dell’artista libanese-canadese Mouna Rebeiz. Un appuntamento che promette di fondere arte, identità, sensualità e memoria culturale in uno dei luoghi più affascinanti della Venezia artistica contemporanea.
Ci sono artisti che dipingono immagini. E poi ci sono artisti che dipingono simboli, trasformandoli in qualcosa di vivo, emotivo, quasi magnetico. Mouna Rebeiz appartiene senza dubbio alla seconda categoria. Il suo lavoro, intenso e profondamente spirituale, nasce da un percorso artistico e umano fuori dagli schemi: cresciuta in una famiglia di artisti, formatasi tra Beirut e Parigi con studi in psicologia, Rebeiz ha costruito negli anni una ricerca capace di unire pittura classica, introspezione e sperimentazione contemporanea.
Chi conosce il suo lavoro sa che le sue opere non si limitano a essere osservate: chiedono di essere attraversate. Nei suoi dipinti convivono femminilità, energia mistica, archetipi e richiami culturali che sembrano emergere da una dimensione sospesa tra Oriente e Occidente. Non a caso, durante la Biennale di Venezia del 2022, la sua mostra The Soothsayer aveva già attirato l’attenzione internazionale grazie a un linguaggio visivo visionario e immersivo.
Ed è proprio Venezia, ancora una volta, a diventare il palcoscenico ideale della sua poetica. La nuova mostra a Palazzo Mocenigo ruoterà attorno al “tarbouche” — il tradizionale copricapo maschile diffuso nel mondo musulmano sin dal XIV secolo — trasformato da Rebeiz in un simbolo carico di significati contemporanei. Nelle sue tele, questo elemento storico si intreccia con la rappresentazione del corpo femminile, dando vita a un dialogo sorprendente tra identità, sensualità e appartenenza culturale.
Secondo le anticipazioni, il percorso espositivo presenterà grandi dipinti ispirati alle Tre Grazie, figure che nella visione dell’artista diventano presenze potenti, quasi divine. Il tarbouche, collocato su corpi femminili monumentali e sensuali, perde la sua funzione originaria per diventare metafora: un ponte tra tradizione e trasformazione, tra memoria collettiva e libertà individuale.
Ed è qui che la mostra diventa davvero interessante. Perché Rebeiz non si limita a reinterpretare un accessorio storico: lo carica di domande attualissime. Quanto conta oggi il simbolo nell’affermazione dell’identità? Come cambia il significato di un oggetto quando viene sottratto al suo contesto originario? E soprattutto: cosa accade quando lo sguardo femminile si riappropria di simboli tradizionalmente maschili?
In una città come Venezia, storicamente crocevia di culture, commerci e contaminazioni artistiche, questa riflessione assume un valore ancora più forte. Palazzo Mocenigo, con le sue sale dedicate alla moda, al tessuto e alla storia del costume veneziano, sembra quasi il luogo naturale per accogliere una mostra che parla proprio del potere degli abiti e degli accessori nel raccontare chi siamo.
Scorrendo le immagini condivise dall’artista sui suoi canali social, emerge chiaramente la forza visiva della sua ricerca: colori profondi, figure enigmatiche, atmosfere teatrali e una costante tensione tra eleganza e provocazione. Il suo linguaggio è immediatamente riconoscibile, ma soprattutto emotivo. E forse è proprio questo il motivo per cui il pubblico internazionale continua a seguirla con crescente interesse.
“Le Tarbouche” non sarà semplicemente una mostra da visitare. Sarà un’esperienza da vivere lentamente, lasciandosi trasportare dalle suggestioni di un’artista che riesce a rendere contemporaneo persino un simbolo antico di secoli. Per chi ama l’arte capace di raccontare storie, creare connessioni culturali e sorprendere visivamente, questa è già una delle esposizioni più attese del 2026 veneziano. E Venezia, ancora una volta, si conferma il luogo perfetto dove le culture si incontrano e si trasformano in arte.
Venice’s Must-See Exhibition of 2026? Mouna Rebeiz at Palazzo Mocenigo
Venice is preparing to welcome an exhibition destined to leave a lasting impression. From May 20 to November 8, 2026, the rooms of Palazzo Mocenigo Museum will host “Le Tarbouche. When an Accessory Becomes a Symbol”, the new exhibition project by Lebanese-Canadian artist Mouna Rebeiz. An event that promises to blend art, identity, sensuality, and cultural memory within one of the most fascinating venues in Venice’s contemporary art scene.
There are artists who paint images. And then there are artists who paint symbols, transforming them into something alive, emotional, almost magnetic. Mouna Rebeiz undoubtedly belongs to the latter category. Her work, intense and deeply spiritual, emerges from an unconventional artistic and personal journey: raised in a family of artists and educated between Beirut and Paris with a background in psychology, Rebeiz has developed a body of work capable of merging classical painting, introspection, and contemporary experimentation.
Anyone familiar with her art knows that her works are not simply meant to be observed — they demand to be experienced. Within her paintings coexist femininity, mystical energy, archetypes, and cultural references that seem to emerge from a suspended dimension somewhere between East and West. It is no coincidence that during the 2022 Venice Biennale, her exhibition The Soothsayer attracted international attention thanks to its visionary and immersive visual language.
And once again, Venice becomes the ideal stage for her artistic vision. The new exhibition at Palazzo Mocenigo revolves around the “tarbouche” — the traditional male headpiece widely used throughout the Muslim world since the 14th century — transformed by Rebeiz into a symbol charged with contemporary meaning. In her paintings, this historical element intertwines with representations of the female body, creating a striking dialogue between identity, sensuality, and cultural belonging.
According to early previews, the exhibition will feature large-scale paintings inspired by the Three Graces, figures that in the artist’s vision become powerful, almost divine presences. The tarbouche, placed upon monumental and sensual female bodies, loses its original function and becomes a metaphor: a bridge between tradition and transformation, between collective memory and individual freedom.
And this is where the exhibition becomes truly compelling. Because Rebeiz does not simply reinterpret a historical accessory — she fills it with deeply contemporary questions. How important are symbols today in shaping identity? How does the meaning of an object change once it is removed from its original context? And above all: what happens when the female gaze reclaims symbols traditionally associated with masculinity?
In a city like Venice — historically a crossroads of cultures, trade, and artistic exchange — this reflection takes on even greater significance. Palazzo Mocenigo, with its collections dedicated to fashion, textiles, and the history of Venetian costume, feels like the natural setting for an exhibition that explores the power of clothing and accessories in telling the story of who we are.
Looking through the images shared by the artist on her social media channels, the visual strength of her artistic research becomes immediately evident: deep colors, enigmatic figures, theatrical atmospheres, and a constant tension between elegance and provocation. Her visual language is instantly recognizable, but above all, deeply emotional. Perhaps this is exactly why international audiences continue to follow her work with growing interest.
“Le Tarbouche” will not simply be an exhibition to visit. It will be an experience to move through slowly, allowing oneself to be carried away by the suggestions of an artist capable of making even a centuries-old symbol feel powerfully contemporary. For those who love art that tells stories, creates cultural connections, and surprises visually, this is already shaping up to be one of the most anticipated exhibitions of Venice’s 2026 cultural season. And Venice, once again, confirms itself as the perfect place where cultures meet and transform into art.
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Venezia oltre la Biennale: la stagione dell’arte che porta lontano da San Marco
Ogni primavera Venezia cambia ritmo. Le calli si riempiono di curatori, artisti, collezionisti, studenti e viaggiatori arrivati da ogni parte del mondo. È il segnale che la stagione dell’arte è ufficialmente iniziata. La città lagunare torna ancora una volta al centro della scena internazionale grazie alla 61ª edizione della Biennale di Venezia, che quest’anno trasforma Venezia in un enorme laboratorio creativo diffuso tra padiglioni nazionali, installazioni, eventi collaterali e mostre indipendenti.
Ma limitarsi ai Giardini e all’Arsenale sarebbe un errore. La vera magia veneziana, soprattutto durante la Biennale, si nasconde spesso lontano dai luoghi più fotografati della città.
Tra gli appuntamenti più attesi di questa stagione c’è sicuramente la mostra “Transforming Energy” di Marina Abramović alle Gallerie dell’Accademia. Ed è tutto vero: l’artista serba è diventata la prima donna vivente a essere celebrata con una grande mostra personale all’interno delle Gallerie. L’esposizione, inaugurata in occasione della Biennale 2026, mette in dialogo la sua arte performativa con i capolavori rinascimentali veneziani, creando un contrasto potente tra passato e contemporaneità.
L’effetto complessivo è quello di una Venezia che, per alcuni mesi all’anno, smette di essere solo una cartolina e torna a essere un centro culturale vivo, sperimentale e sorprendente. Ed è proprio qui che il visitatore dovrebbe fare qualcosa di insolito: allontanarsi dal percorso più ovvio.
Perché Venezia non è soltanto Piazza San Marco, il Ponte di Rialto o le code davanti al Palazzo Ducale. La Biennale offre la scusa perfetta per esplorare una città più silenziosa, fatta di palazzi nascosti, musei poco conosciuti e quartieri dove il turismo di massa sembra improvvisamente dissolversi.
Uno degli esempi migliori è il Museo di Palazzo Mocenigo, nel sestiere di Santa Croce. Molti turisti non sanno nemmeno che esista, eppure è uno dei luoghi più affascinanti della città. Antica dimora nobiliare veneziana, il palazzo racconta la vita aristocratica della Serenissima attraverso abiti storici, tessuti, arredi e soprattutto il mondo del profumo, arte in cui Venezia fu protagonista assoluta grazie ai commerci con l’Oriente. Entrare a Palazzo Mocenigo significa vedere una Venezia diversa: non quella monumentale e affollata, ma quella intima, elegante, quasi sospesa nel tempo. Le sale hanno ancora il sapore delle case vissute, e il silenzio che si respira è distante anni luce dal caos attorno a San Marco.
Ed è proprio questo il punto: la Biennale dovrebbe essere vissuta come una porta d’accesso alla Venezia meno evidente. Molti degli eventi collaterali più interessanti si trovano infatti dentro chiese sconsacrate, fondazioni private, ex magazzini o palazzi normalmente chiusi al pubblico. Spesso basta attraversare un ponte in più o perdersi volutamente in una calle laterale per imbattersi in una mostra sorprendente. È una dinamica che molti visitatori della Biennale raccontano come la parte più bella dell’esperienza veneziana: scoprire luoghi che altrimenti non avrebbero mai visto.
Chi arriva a Venezia per l’arte contemporanea dovrebbe quindi approfittarne per costruire un itinerario più lento e curioso. Non solo le grandi istituzioni, ma anche musei meno celebrati come il Museo Fortuny, con la sua atmosfera teatrale e decadente, oppure il Ca’ Pesaro, che custodisce collezioni moderne spesso ignorate dai flussi turistici principali. In fondo, Venezia funziona così: più ci si allontana dai percorsi obbligati, più la città si rivela autentica.
E forse oggi, in piena stagione della Biennale, il vero lusso non è vedere “tutto”, ma riuscire ancora a sorprendersi entrando in un palazzo quasi vuoto, affacciato su un canale silenzioso, dove l’arte e Venezia tornano improvvisamente a parlare la stessa lingua.
Venice Beyond the Biennale: The Art Season That Leads Away from St. Mark’s Square
Every spring, Venice changes rhythm. Its narrow streets and canals fill with curators, artists, collectors, students, and travelers arriving from all over the world. It is the unmistakable sign that the city’s art season has officially begun. Once again, Venice becomes the center of the international cultural scene thanks to the 61st edition of the Venice Biennale, transforming the city into a vast creative laboratory spread across national pavilions, installations, collateral events, and independent exhibitions.
But limiting a visit to the Giardini and the Arsenale would be a mistake. The real magic of Venice — especially during the Biennale months — is often hidden far from the city’s most photographed landmarks.
Among the most anticipated events of this season is undoubtedly Marina Abramović’s exhibition Transforming Energy at the Gallerie dell’Accademia. And yes, it is true: the Serbian artist has become the first living female artist to be honored with a major solo exhibition at the museum. Organized alongside the 2026 Biennale, the exhibition creates a powerful dialogue between Abramović’s performance art and Venice’s Renaissance masterpieces, producing a striking contrast between past and present.
The overall effect is a Venice that, for a few months each year, stops being merely a postcard destination and returns to being a vibrant, experimental, and deeply alive cultural capital. And this is exactly where visitors should do something unexpected: move away from the obvious route.
Because Venice is not only St. Mark’s Square, the Rialto Bridge, or the crowds gathered outside the Doge’s Palace. The Biennale offers the perfect excuse to explore a quieter side of the city — one made of hidden palaces, lesser-known museums, and neighborhoods where mass tourism suddenly seems to disappear.
One of the best examples is the Museum of Palazzo Mocenigo, located in the Santa Croce district. Many tourists do not even know it exists, yet it is one of the most fascinating places in Venice. Once an aristocratic Venetian residence, the palace tells the story of life during the Serenissima through historical garments, textiles, furnishings, and above all the world of perfume — an art in which Venice once played a leading role thanks to its trade connections with the East. Walking into Palazzo Mocenigo means discovering a different Venice: not the monumental and crowded one, but an intimate, elegant city seemingly suspended in time. The rooms still feel lived in, and the silence inside is worlds away from the chaos surrounding St. Mark’s Square.
And that is precisely the point: the Biennale should be experienced as a gateway to Venice’s less obvious side. Many of the most interesting collateral events are housed inside deconsecrated churches, private foundations, former warehouses, or palaces that are usually closed to the public. Often, all it takes is crossing one more bridge or intentionally getting lost down a narrow alley to stumble upon an extraordinary exhibition. For many Biennale visitors, this becomes the most memorable part of the Venetian experience: discovering places they would otherwise never have seen.
Those traveling to Venice for contemporary art should therefore use the opportunity to build a slower, more curious itinerary. Not only the major institutions, but also lesser-known museums such as Museo Fortuny, with its theatrical and decadent atmosphere, or Ca’ Pesaro, home to modern art collections often overlooked by mainstream tourism. Because Venice works exactly this way: the farther you move from the mandatory tourist routes, the more authentic the city becomes.
And perhaps today, during the height of the Biennale season, the real luxury is not trying to see everything, but still being able to feel surprised while stepping into an almost empty palace overlooking a quiet canal — a place where art and Venice suddenly begin speaking the same language again.
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Quando l’Arte si Respira: Un Viaggio Olfattivo tra la Galleria Bartoux e il Museo di Palazzo Mocenigo
C’è qualcosa di magico nell’aria a Venezia, e non parlo solo del suo fascino storico o della bellezza delle sue calli. Immaginate di passeggiare tra le opere d’arte, ma anziché solo ammirare con gli occhi, di poterle respirare. Sì, perché a Venezia esiste un’esperienza unica che unisce arte e profumo in un modo straordinario. Sto parlando di due luoghi che sono in grado di trasportare chi li visita in un viaggio sensoriale indimenticabile: la Galleria Bartoux e il Museo di Palazzo Mocenigo.
La Galleria Bartoux: Un’Essenza di Eleganza
Immaginate di entrare in una galleria d’arte, circondati dalle opere più sofisticate e moderne, ma con una sorpresa inaspettata: un’aroma avvolgente che completa l’esperienza visiva. Questo è quello che accade alla Galleria Bartoux, uno spazio dove la bellezza si fonde con il fascino delle essenze della ditta Danhera, che rendono ogni visita un’esperienza olfattiva straordinaria. Le essenze, provenienti dal mondo esclusivo della profumeria di alta gamma, sembrano essere state create appositamente per arricchire l’atmosfera artistica della galleria. Ogni visita diventa un viaggio nei sensi, dove i profumi si intrecciano con le emozioni suscitate dalle opere. Non si tratta solo di guardare, ma di sentire l’arte, di vivere ogni dettaglio con tutti i sensi. I profumi delicati e complessi di Danhera, ricchi di eleganza e raffinatezza, aggiungono un tocco di lusso che trasforma ogni opera in qualcosa di ancora più sensazionale.
Palazzo Mocenigo: Il Museo del Profumo per Eccellenza
Se pensate che il viaggio olfattivo possa finire qui, vi sbagliate di grosso. A Palazzo Mocenigo, l’esperienza del profumo raggiunge un altro livello. Questo storico palazzo veneziano non è solo un museo: è il cuore pulsante della cultura olfattiva di Venezia. Al suo interno, la collezione di fragranze, essenze e strumenti legati alla storia della profumeria vi farà scoprire la tradizione olfattiva della città, che da secoli è legata all’arte del profumo. Il Museo di Palazzo Mocenigo non si limita a esporre semplici bottiglie di profumo. Qui, il visitatore è invitato a partecipare a un vero e proprio percorso olfattivo, dove ogni sala ha un’essenza che la definisce, un profumo che racconta una storia. È un’esperienza unica che stimola tutti i sensi, dove si può vedere, e annusare l’evoluzione della profumeria, dalle origini fino ai giorni nostri. Dalle fragranze medievali agli aromi più contemporanei, il museo racconta la storia della città attraverso un linguaggio universale: quello dei profumi.
Immaginate quindi di unire questi due luoghi unici in un’unica esperienza sensoriale. Dopo aver respirato l’arte alla Galleria Bartoux, dove il profumo della ditta Danhera vi avvolge in un abbraccio raffinato, potrete continuare il vostro viaggio a Palazzo Mocenigo, dove il profumo si fa storia e cultura. Ogni fragranza che sentirete, ogni essenza che vi colpirà, non sarà solo una nota olfattiva, ma un’emozione che vi rimarrà nel cuore. Ecco cosa rende queste due sedi così speciali: non solo sono luoghi di straordinaria bellezza, ma sono anche in grado di evocare ricordi, emozioni e sensazioni attraverso l’olfatto, rendendo ogni visita un’esperienza davvero unica. In un mondo sempre più veloce e frenetico, dove siamo costantemente bombardati dai nostri dispositivi, queste esperienze ci ricordano l’importanza di fermarsi e riscoprire il potere dei sensi.
Perché Visitare?
Se siete amanti dell’arte, della storia, o semplicemente curiosi di esplorare un’esperienza nuova e affascinante, non potete perdervi la combinazione tra la Galleria Bartoux e il Museo di Palazzo Mocenigo. Venezia, con la sua atmosfera unica e la sua tradizione secolare, è il posto perfetto per una passeggiata che non si ferma solo alla vista, ma che coinvolge tutti i sensi. Unisciti a chi ha già scoperto come l’arte si possa respirare, e lasciati conquistare da una Venezia che non ti aspettavi. Perché ogni visita sarà un viaggio che non dimenticherai facilmente.
When Art Is Breathed In: An Olfactory Journey Through the Galleria Bartoux and the Museo di Palazzo Mocenigo
There is something magical in the air in Venice—and I’m not just talking about its historic charm or the beauty of its narrow streets. Imagine strolling among works of art and, instead of simply admiring them with your eyes, being able to breathe them in. Yes, because in Venice there is a unique experience that brings art and fragrance together in an extraordinary way. I’m talking about two places capable of transporting visitors on an unforgettable sensory journey: the Galleria Bartoux and the Museo di Palazzo Mocenigo.
The Galleria Bartoux: An Essence of Elegance
Imagine entering an art gallery surrounded by sophisticated and contemporary works, with an unexpected surprise: a captivating aroma that completes the visual experience. This is what happens at the Galleria Bartoux, a space where beauty blends with the allure of fragrances by the company Danhera, turning every visit into an extraordinary olfactory experience. The essences, drawn from the exclusive world of high-end perfumery, seem to have been created specifically to enrich the gallery’s artistic atmosphere. Each visit becomes a journey through the senses, where scents intertwine with the emotions evoked by the artworks. It is not just about looking—it is about feeling art, experiencing every detail with all your senses. Danhera’s delicate and complex fragrances, rich in elegance and refinement, add a touch of luxury that transforms every piece into something even more sensational.
Palazzo Mocenigo: The Perfume Museum Par Excellence
If you think the olfactory journey ends here, think again. At Palazzo Mocenigo, the fragrance experience reaches another level. This historic Venetian palace is not just a museum—it is the beating heart of Venice’s olfactory culture. Inside, a collection of fragrances, essences, and tools linked to the history of perfumery reveals the city’s long-standing tradition in the art of scent. The Museo di Palazzo Mocenigo does more than display simple perfume bottles. Here, visitors are invited to take part in a true olfactory journey, where each room has its own defining essence, a fragrance that tells a story. It is a unique, multisensory experience in which you can see, and smell the evolution of perfumery—from its origins to the present day. From medieval fragrances to contemporary aromas, the museum tells the story of the city through a universal language: that of scent.
A Complete Experience: Galleria Bartoux + Palazzo Mocenigo
Now imagine combining these two unique places into one seamless sensory experience. After breathing in art at the Galleria Bartoux, where Danhera’s fragrances envelop you in a refined embrace, you can continue your journey at Palazzo Mocenigo, where perfume becomes history and culture. Every fragrance you encounter, every essence that strikes you, will not simply be an olfactory note, but an emotion that lingers in your heart. This is what makes these two venues so special: not only are they places of extraordinary beauty, but they also evoke memories, emotions, and sensations through the sense of smell, making each visit truly unique. In an increasingly fast-paced world, where we are constantly bombarded by our devices, experiences like these remind us of the importance of slowing down and rediscovering the power of our senses.
Why Visit?
If you are an art lover, a history enthusiast, or simply curious to explore a new and fascinating experience, you cannot miss the combination of the Galleria Bartoux and the Museo di Palazzo Mocenigo. Venice, with its unique atmosphere and centuries-old tradition, is the perfect place for a walk that goes beyond sight and engages all the senses. Join those who have already discovered how art can be breathed in, and let yourself be captivated by a side of Venice you may not have expected. Because every visit will be a journey you won’t soon forget.
