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Chagall al Candiani di Mestre

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In questo articolo vi voglio parlare della mostra che si terrà dal 30 settembre 2023 al 13 febbraio 2024 su Mar Chagall al Centro Culturale Candiani di Mestre. Una mostra realizzata dalla Fondazione Musei Civici di Venezia.

Marc Chagall: un pittore tra tradizione e avanguardia

Marc Chagall è stato uno dei più importanti pittori del XX secolo. Nato a Vitebsk, in Russia, nel 1887, ha vissuto e lavorato in Francia, Stati Uniti e Israele. La sua arte è caratterizzata da un’originale fusione di elementi tradizionali e avanguardisti, che ha dato vita a un universo poetico e fantastico.

I primi anni

Chagall nasce in una famiglia ebrea di modeste condizioni. Il suo primo approccio all’arte avviene attraverso l’iconografia religiosa, che influenzerà profondamente il suo lavoro. Nel 1906 si trasferisce a San Pietroburgo per studiare all’Accademia di Belle Arti. Qui entra in contatto con le correnti avanguardiste dell’epoca, come il fauvismo e il cubismo.

La stagione parigina

Nel 1910 Chagall si trasferisce a Parigi, dove entra in contatto con artisti come Pablo Picasso, Henri Matisse e Marcel Duchamp. La sua pittura si evolve in una direzione sempre più personale, caratterizzata da un uso vivace del colore e da immagini oniriche e surreali.

Il ritorno in Russia

Nel 1914 Chagall torna in Russia, dove partecipa alla rivoluzione bolscevica. Viene nominato direttore dell’Accademia di Belle Arti di Vitebsk, ma la sua visione artistica si scontra con la linea ufficiale del regime. Nel 1922 Chagall si trasferisce nuovamente a Parigi, dove resta fino al 1941.

L’esilio

Allo scoppio della seconda guerra mondiale, Chagall si rifugia negli Stati Uniti. Qui continua a lavorare e a esporre, anche se la sua produzione è influenzata dalla tragedia della guerra. Nel 1947 torna in Europa, stabilendosi a Saint-Paul-de-Vence, in Francia.

Gli ultimi anni

Negli anni successivi, Chagall continua a lavorare instancabilmente, realizzando dipinti, vetrate, ceramiche e scenografie. Muore a Saint-Paul-de-Vence nel 1985, all’età di 97 anni.

L’arte di Chagall

L’arte di Chagall è caratterizzata da un’originale fusione di elementi tradizionali e avanguardisti. Le sue opere sono spesso ispirate alla sua vita personale, alla sua infanzia in Russia e alla sua fede ebraica.

Chagall utilizza un linguaggio visivo ricco di metafore e simbolismi. I suoi dipinti sono spesso popolati da figure oniriche e surreali, che fluttuano in atmosfere sospese. Il colore è un elemento fondamentale nella sua arte, utilizzato per creare un’atmosfera magica e poetica.

I temi ricorrenti

Alcuni dei temi ricorrenti nell’arte di Chagall sono:

  • La nostalgia per la sua infanzia in Russia
  • La sua fede ebraica
  • L’amore e la vita familiare
  • La natura
  • La musica

Le opere più famose

  • L’ebreo in volo (1911)
  • Il violinista blu (1912)
  • Il matrimonio (1918)
  • Gli amanti sopra Vitebsk (1921)
  • La danza (1922)
  • Le nozze di Cana (1950)
  • Le vetrate del Metropolitan Museum of Art di New York (1960-1966)

Alcune opere presenti nella mostra

Altri artisti presenti nella mostra

  • Emil nolde
  • Augusto Giacometti
  • Ossip zadkine
  • Maz ernst
  • Odilon redon
  • Adolfo wildt
  • Cesare Laurenti
  • Gaetano previati

Il valore artistico

Chagall è uno degli artisti più importanti del XX secolo. La sua arte, unica e originale, ha avuto un profondo impatto sulla pittura contemporanea. Le sue opere sono esposte nei più importanti musei del mondo e sono state ammirate da generazioni di appassionati d’arte.

Una mostra molto importante che viene offerta ai cittadini di Mestre e dintorni, da parte della Fondazione Musei Civici di Venezia, che possono ammirarla senza recarsi nella città lagunare. Ricordiamo che alcune opere provengono dal Museo di arte moderna di Ca’ Pesaro. Per tutti i dettagli su questa bellissima mostra che invito tutti i cittadini e turisti presenti negli alberghi della terraferma, vi rimando al seguente link:

https://muvemestre.visitmuve.it/it/mostre/mostre-in-corso/chagall-il-colore-dei-sogni/2023/07/22336/chagall/

Marc Chagall: A Painter Between Tradition and Avant-Garde

In this article I want to tell you about the exhibition to be held from 30 September 2023 to 13 February 2024 on Mar Chagall at the Candiani Cultural Center in Mestre. An exhibition created by the Civic Museums Foundation of Venice.

Marc Chagall was one of the most important painters of the 20th century. Born in Vitebsk, Russia, in 1887, he lived and worked in France, the United States, and Israel. His art is characterized by an original fusion of traditional and avant-garde elements, which has given rise to a poetic and fantastic universe.

Early Years

Chagall was born into a modest Jewish family. His first approach to art came through religious iconography, which would profoundly influence his work. In 1906, he moved to Saint Petersburg to study at the Academy of Fine Arts. There, he came into contact with the avant-garde movements of the time, such as Fauvism and Cubism.

The Parisian Period

In 1910, Chagall moved to Paris, where he came into contact with artists such as Pablo Picasso, Henri Matisse, and Marcel Duchamp. His painting evolved in an increasingly personal direction, characterized by a vibrant use of color and dreamlike and surreal images.

Return to Russia

In 1914, Chagall returned to Russia, where he participated in the Bolshevik Revolution. He was appointed director of the Academy of Fine Arts in Vitebsk, but his artistic vision clashed with the official line of the regime. In 1922, Chagall moved back to Paris, where he remained until 1941.

Exile

At the outbreak of World War II, Chagall fled to the United States. There, he continued to work and exhibit, although his production was influenced by the tragedy of the war. In 1947, he returned to Europe, settling in Saint-Paul-de-Vence, France.

Later Years

In the years that followed, Chagall continued to work tirelessly, creating paintings, stained glass, ceramics, and stage sets. He died in Saint-Paul-de-Vence in 1985, at the age of 97.

Chagall’s Art

Chagall’s art is characterized by an original fusion of traditional and avant-garde elements. His works are often inspired by his personal life, his childhood in Russia, and his Jewish faith.

Chagall uses a visual language rich in metaphors and symbolisms. His paintings are often populated by dreamlike and surreal figures, floating in suspended atmospheres. Color is a fundamental element in his art, used to create a magical and poetic atmosphere.

Recurring Themes

Some of the recurring themes in Chagall’s art are:

  • Nostalgia for his childhood in Russia
  • His Jewish faith
  • Love and family life
  • Nature
  • Music

Famous Works

Among Chagall’s most famous works are:

  • The Flying Jew (1911)
  • The Blue Violinist (1912)
  • The Marriage (1918)
  • The Lovers Above Vitebsk (1921)
  • The Dance (1922)
  • The Wedding at Cana (1950)
  • The Stained Glass Windows of the Metropolitan Museum of Art in New York (1960-1966)

Here you are some works present in this exhibition

Other artists present in this exhibition

  • Emil nolde
  • Augusto Giacometti
  • Ossip zadkine
  • Maz ernst
  • Odilon redon
  • Adolfo wildt
  • Cesare Laurenti
  • Gaetano previati

Artistic Value

Chagall is one of the most important artists of the 20th century. His unique and original art has had a profound impact on contemporary painting. His works are exhibited in the most important museums in the world and have been admired by generations of art lovers.

Additional Information

In addition to his paintings, Chagall was also a prolific artist in other media, including stained glass, ceramics, and stage sets. He created stained glass windows for the Hadassah-Hebrew University Medical Center in Jerusalem, the Cathedral of Metz, and the Metropolitan Museum of Art in New York. He also created ceramic sculptures and murals for public spaces. Chagall’s art is a celebration of life and love. It is a world of imagination and fantasy, where anything is possible.

A very important exhibition that is offered to the citizens of Mestre and the surrounding area by the Civic Museums Foundation of Venice, who can admire it without going to the lagoon city. We remind you that some works come from the Ca’ Pesaro Museum of Modern Art. For all the details on this beautiful exhibition which I invite all citizens and tourists present in the hotels on the mainland, I refer you to the following link:

Detail about the exhibition

Ritorna Mestre Premio Pittura !

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Il Premio Mestre di Pittura: un concorso annuale per valorizzare la pittura contemporanea

Il Premio Mestre di Pittura è un concorso annuale di pittura contemporanea che si tiene a Mestre, in Veneto, Italia. La prima edizione si è tenuta nel 2019, e siamo arrivati all’edizione di quest’anno. Il concorso è aperto a artisti di tutte le nazionalità, e prevede la selezione di 60 opere che vengono esposte in una mostra collettiva presso il Centro Culturale Candiani di Mestre. Le opere sono selezionate da una giuria composta da esperti di arte contemporanea.

Il Premio Mestre di Pittura è un evento importante per la promozione della pittura contemporanea in Veneto e in Italia. Il concorso contribuisce a valorizzare il talento degli artisti emergenti e a sostenere la produzione artistica contemporanea.

Eccovi alcune opere di questa edizione:

Quest’anno, devo confessare che ci sono moltissime opere molto interessanti, molte di più, rispetto alle passate edizioni, non sarà facile decretare il vincitore. Molte sono le opere che mi sono piaciute, ma una in particolare, colpisce direttamente. Il primo dipinto in alto a sinistra si intitola “Come è andata la festa? Uno schianto!” dell’artista Rafaele Bovo. Non si può fare a meno di pensare a tutte le stragi del sabato sera, quando i giovani tornano a casa tardi dalla discoteca e muoiono negli incidenti stradali mortali. Purtroppo continuano a succedere.

Sarà molto interessante vedere chi vincerà quest’edizione, non vedo l’ora di saperlo. Invito tutta la cittadinanza e i turisti presenti negli alberghi di Mestre di andare a vederla !

Mestre Painting Prize: An annual Competition to Promote Contemporary Painting

The Mestre Painting Prize is a annual contemporary painting competition held in Mestre, Veneto, Italy. The first edition was held in 2019, and we arrived to the edition of this year. The competition is open to artists of all nationalities, and it selects 60 works that are exhibited in a collective exhibition at the Centro Culturale Candiani in Mestre. The works are selected by a jury of experts in contemporary art.

The Mestre Painting Prize is an important event for the promotion of contemporary painting in Veneto and Italy. The competition helps to showcase the talent of emerging artists and to support contemporary art production.

Here you are some works of this edition:

This year, I must confess that there are many very interesting works, many more than in past editions, it will not be easy to decide the winner. There are many works that I liked, but one in particular strikes me directly. The first painting at the top left is titled “How did the party go? A blast!” by the artist Rafaele Bovo. You can’t help but think of all the Saturday night massacres, when young people come home late from the disco, and die ‘cause of car accidents. Unfortunately they keep happening.

It will be very interesting to see who wins this edition, I can’t wait to find out. I invite all citizens and tourists present in the hotels of Mestre to go and see it!

Aspettando Rosalba Carriera

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Ca’ Rezzonico (Venice)

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Rosalba Carriera: la signora del pastello

Rosalba Carriera, miniature su avorio, è la mostra che si terrà dal 13 ottobre 2023 al 09 gennaio 2024 presso il stupendo museo di Ca’ Rezzonico – Museo del Settecento Veneziano, a cura di Alberto Craievich Direttore del museo. In occasione del trecentesimo anniversario della nascita di Rosalba Carriera, la Fondazione Musei Civici di Venezia presenta una retrospettiva dedicata alla sua attività di miniaturista. La mostra, esporrà 36 opere della pittrice, tra cui ritratti, scene mitologiche e religiose. Carriera è stata una delle più grandi miniature del Settecento. I suoi lavori, caratterizzati da una delicatezza e una raffinatezza senza pari, sono considerati dei capolavori dell’arte rococò. La mostra offre un’occasione unica per ammirare le opere di questa straordinaria artista.

Rosalba Carriera (Venezia, 12 gennaio 1673 – Venezia, 15 aprile 1757) è stata una pittrice e miniaturista italiana, considerata una delle più grandi artiste del Settecento. È nota soprattutto per i suoi ritratti a pastello, una tecnica che lei stessa ha contribuito a diffondere in Europa.

Carriera nacque a Venezia in una famiglia benestante. Fin da piccola manifestò un grande talento per il disegno e la pittura. A 16 anni entrò nella bottega del pittore Giuseppe Diamantini, dove studiò i principi del disegno e della prospettiva. Successivamente, si perfezionò con Antonio Balestra, uno dei più importanti pittori veneziani del tempo.

Carriera iniziò la sua carriera artistica dipingendo miniature su avorio. Le sue opere, caratterizzate da una delicatezza e una raffinatezza senza pari, furono subito apprezzate dalla nobiltà veneziana. In breve tempo, Carriera divenne una delle pittrici più richieste della città.

Nel 1716, Carriera fu invitata a Parigi. L’artista fu accolta con grande entusiasmo e divenne presto una delle personalità più in vista della capitale francese. A Parigi, Carriera espose i suoi ritratti a pastello, una tecnica che all’epoca era ancora poco utilizzata. Le sue opere, caratterizzate da una luminosità e una morbidezza che ricordavano la pittura ad olio, furono un grande successo.

Carriera rimase a Parigi per tre anni, durante i quali dipinse ritratti di alcuni dei personaggi più importanti dell’epoca. Dopo il suo ritorno a Venezia, Carriera continuò a lavorare come ritrattista. Le sue opere furono apprezzate da tutta Europa e la sua fama si diffuse anche negli Stati Uniti. Carriera morì a Venezia nel 1757, all’età di 84 anni.

La tecnica dei pastelli

Carriera è stata una pioniera nell’utilizzo dei pastelli per i ritratti. Questa tecnica, che permette di ottenere effetti di luce e colore molto delicati, era stata utilizzata in precedenza solo per la pittura di paesaggi e nature morte. Carriera era molto abile nell’utilizzare i pastelli e riusciva a ottenere effetti di grande realismo. I suoi ritratti sono caratterizzati da una grande espressività e da una raffinatezza senza pari.

Rosalba Carriera è stata una delle più grandi artiste del Settecento. I suoi ritratti a pastello sono considerati dei capolavori e hanno contribuito a diffondere questa tecnica in tutta Europa. Carriera è stata un’artista di grande talento e creatività, che ha lasciato un’impronta indelebile nella storia dell’arte.

Waiting for Rosalba Carriera

Rosalba Carriera: The Lady of Pastels

Rosalba Carriera, miniatures on ivory, is the exhibition to be held from 13 October 2023 to 09 January 2024 at the stupendous museum of Ca’ Rezzonico – Museo del Settecento Veneziano, curated by Alberto Craievich Director of the museum. In celebration of the 350th anniversary of Rosalba Carriera’s birth, the Civic Museums Foundation of Venice will present a retrospective of her work as a miniaturist. The exhibition, will feature 36 of the painter’s works, including portraits, mythological scenes, and religious works. Carriera was one of the greatest miniaturists of the 18th century. Her works, characterized by a delicacy and refinement without equal, are considered masterpieces of Rococo art. The exhibition offers a unique opportunity to admire the works of this extraordinary artist.

Rosalba Carriera (Venice, January 12, 1673 – Venice, April 15, 1757) was an Italian painter and miniaturist, considered one of the greatest artists of the 18th century. She is best known for her pastel portraits, a technique that she herself helped to popularize in Europe.

Carriera was born in Venice to a wealthy family. She showed a great talent for drawing and painting from a young age. At the age of 16, she entered the workshop of the painter Giuseppe Diamantini, where she studied the principles of drawing and perspective. She later perfected her skills with Antonio Balestra, one of the most important Venetian painters of the time.

Carriera began her artistic career painting miniatures on ivory. Her works, characterized by a delicacy and refinement without equal, were immediately appreciated by the Venetian nobility. In a short time, Carriera became one of the most sought-after painters in the city.

In 1716, Carriera was invited to Paris. The artist was greeted with great enthusiasm and soon became one of the most prominent figures in the French capital. In Paris, Carriera exhibited her pastel portraits, a technique that was still little used at the time. Her works, characterized by a luminosity and softness that recalled oil painting, were a great success.

Carriera remained in Paris for three years, during which she painted portraits of some of the most important figures of the time. After her return to Venice, Carriera continued to work as a portraitist. Her works were appreciated throughout Europe and her fame spread to the United States. Carriera died in Venice in 1757, at the age of 84.

The technique of pastels

Carriera was a pioneer in the use of pastels for portraits. This technique, which allows for very delicate effects of light and color, had previously been used only for painting landscapes and still lifes. Carriera was very skilled in using pastels and was able to achieve effects of great realism. Her portraits are characterized by a great expressiveness and a refinement without equal.

Conclusion

Rosalba Carriera was one of the greatest artists of the 18th century. Her pastel portraits are considered masterpieces and have helped to popularize this technique throughout Europe. Carriera was an artist of great talent and creativity, who left an indelible mark on the history of art.

Carriera was a member of the Accademia Clementina of Bologna and the Académie Royale de Peinture et de Sculpture of Paris. She was a friend of many of the leading figures of the Italian and French Enlightenment, including Voltaire, Montesquieu, and Madame de Pompadour. Her work was praised by many of her contemporaries, including Giambattista Tiepolo, Johann Joachim Winckelmann, and Denis Diderot.

Fiori di ciliegio a Palazzo Mocenigo

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Oggi parliamo di un’opera molto interessante, forse la principale di tutta la mostra appena inaugurata a Palazzo Mocenigo, della Fondazione Musei Civici di Venezia. Una mostra della famosa artista Minako Shimonagase, che fin dal primo giorno sta avendo molto successo. L’opera in questione, la si può vedere nella fotografia all’inizio del paragrafo e si intitola per l’appunto “fiori di ciliegio”.

Gli alberi di ciliegio, in giapponese Sakura, sono una parte fondamentale della cultura giapponese. Sono considerati un simbolo di bellezza, fragilità, e rinascita.

I ciliegi sono originari dell’Asia orientale, ma sono stati introdotti in Giappone già in epoca pre-storica. Nel corso dei secoli, gli alberi di ciliegio sono diventati sempre più diffusi nel paese, e oggi si trovano in tutto il Giappone, da grandi città come Tokyo e Kyoto a piccoli villaggi di campagna.

La fioritura dei ciliegi, chiamata hanami, è un evento molto importante in Giappone. Ogni anno, milioni di persone si riuniscono per ammirare la bellezza dei fiori di ciliegio. L’hanami è un’occasione per celebrare la primavera, la natura, e la vita stessa.

I ciliegi hanno un significato profondo nella cultura giapponese. Sono un simbolo di bellezza, perché i loro fiori sono delicati e affascinanti. Sono anche un simbolo di fragilità, perché i fiori di ciliegio vivono solo per pochi giorni. Infine, sono un simbolo di rinascita, perché la fioritura dei ciliegi segna l’inizio della primavera.

Ecco alcuni dei significati simbolici dei ciliegi nella cultura giapponese:

Bellezza: I ciliegi sono considerati un simbolo di bellezza, perché i loro fiori sono delicati e affascinanti.
Fragilità: I ciliegi sono anche un simbolo di fragilità, perché i fiori di ciliegio vivono solo per pochi giorni.
Rinascita: La fioritura dei ciliegi segna l’inizio della primavera, che è un periodo di rinascita per la natura.
Tempo fuggevole: La breve durata della fioritura dei ciliegi è un simbolo del tempo fuggevole.
Passione: I ciliegi sono anche associati alla passione, perché i loro petali rossi sono spesso associati all’amore.
Dolcezza: I ciliegi sono anche associati alla dolcezza, perché i loro frutti, le ciliegie, sono un alimento popolare in Giappone.
I ciliegi sono una parte importante della cultura giapponese, e la loro bellezza è ammirata da persone di tutto il mondo.

Alcuni dettagli significativi:

La stagione della fioritura dei ciliegi in Giappone dura in genere circa due settimane, da fine marzo a inizio aprile.
Esistono molte varietà diverse di ciliegi in Giappone, ciascuna con le sue caratteristiche uniche.
L’Hanami è un’attività popolare tra persone di tutte le età in Giappone.
I fiori di ciliegio sono spesso usati nell’arte, nella musica e nella letteratura giapponese.

Cherry blossoms at Mocenigo Palace

Today we are talking about a very interesting work, perhaps the main one of the entire exhibition just inaugurated at Mocenigo Palace, from the Civic Museums Foundation of Venice. An exhibition by the famous artist Minako Shimonagase, which has been very successful since day one. The work in question can be seen in the photograph at the beginning of the paragraph and is entitled “cherry blossoms”.

Cherry blossoms, known in Japanese as Sakura, are a fundamental part of Japanese culture. They are considered a symbol of beauty, fragility, and rebirth.

Cherry trees are native to East Asia, but were introduced to Japan in prehistoric times. Over the centuries, cherry trees have become increasingly widespread in the country, and today they can be found all over Japan, from major cities like Tokyo and Kyoto to small rural villages.

The cherry blossom season, called hanami, is a very important event in Japan. Every year, millions of people gather to admire the beauty of cherry blossoms. Hanami is an occasion to celebrate spring, nature, and life itself.

Cherry blossoms have a deep meaning in Japanese culture. They are a symbol of beauty, because their flowers are delicate and fascinating. They are also a symbol of fragility, because cherry blossoms only live for a few days. Finally, they are a symbol of rebirth, because the cherry blossom season marks the beginning of spring.

Here are some of the symbolic meanings of cherry blossoms in Japanese culture:

Beauty: Cherry blossoms are considered a symbol of beauty, because their flowers are delicate and fascinating.
Fragility: Cherry blossoms are also a symbol of fragility, because cherry blossoms only live for a few days.
Rebirth: The cherry blossom season marks the beginning of spring, which is a time of rebirth for nature.
Fleeting time: The short duration of the cherry blossom season is a symbol of fleeting time.
Passion: Cherry blossoms are also associated with passion, because their red petals are often associated with love.
Sweetness: Cherry blossoms are also associated with sweetness, because their fruits, cherries, are a popular food in Japan.
Cherry blossoms are an important part of Japanese culture, and their beauty is admired by people all over the world.

Some additional details:

The cherry blossom season in Japan typically lasts for about two weeks, from late March to early April.
There are many different varieties of cherry trees in Japan, each with its own unique characteristics.
Hanami is a popular activity for people of all ages in Japan.
Cherry blossoms are often used in Japanese art, music, and literature.

Il quadro del mistero

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C’è un quadro all’interno di Palazzo Mocenigo, stupendo museo della Fondazione Musei Civici di Venezia, che mi affascina molto, perché esso cela un mistero. Se ci si reca alla sala 7 del primo piano, possiamo ammirare questo quadro di Antonio Stom (1688 – Venezia, 1734), dal titolo “Arrivo a Chioggia del principe di Svezia ricevuto dal doge Mocenigo.

Ebbene c’è un quadro molto simile dipinto dal “L’arrivo degli ambasciatori veneziani Nicolò Erizzo e Alvise Pisani” II a Londra il 30 maggio, 1707, di Luca Carlevarijs”.

Come potete vedere ci sono molte similitudini, il modo posizionato sulla destra, l’accesso, sempre nello stesso punto, il fatto che vengono sparate delle cannonate a salve le barche che accostano sulla scalinata.

Molto probabilmente l’artista Antonio Stom, si è lasciato ispirare dal Carlevaris, e tuttavia la somiglianza tra i due quadri è qualcosa di affascinante.

Volete vedere il quadro di Antonio Stom ? Venite a Palazzo Mocenigo, vi aspettiamo !

The Mysterious Picture

There is a painting inside Mocenigo Palace, the wonderful museum of the Civic Museums Foundation of Venice, which fascinates me a lot, because it hides a mystery. If we go to room 7 on the first floor, we can admire this painting by Antonio Stom (1688 – Venice, 1734), entitled “Arrival in Chioggia of the Prince of Sweden received by Doge Mocenigo.

Well there is a very similar picture painted by Luca Carlevarijs “The Arrival of the Venetian Ambassadors Nicolò Erizzo and Alvise Pisani” II in London on May 30, 1707″ .

As you can see there are many similarities, the quay positioned on the right, the access, always in the same spot, the fact that cannon shots are fired blanks at the boats that approach on the steps.

Most likely the artist Antonio Stom was inspired by Carlevaris, and yet the similarity between the two paintings is something fascinating.

Do you want to see the painting by Antonio Stom ? Come to Palazzo Mocenigo, we are waiting for you!

I più bei lampadari della Fondazione Musei Civici di Venezia

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Nel stupendo Museo di Palazzo Mocenigo, e nel meraviglioso Museo di Ca’ Rezzonico, entrambi della Fondazione Musei Civici di Venezia, al suo interno, in molte sale, ci sono dei lampadari che sono a dir poco dei veri capolavori di arte vetraria. Volete saperne un po’ di più ?

La loro storia, inizia più o meno quando, nel 1291 un decreto della Serenissima ordinò che tutte le Vetrerie di Venezia, per evitare il rischio di incendi, fossero trasferite nella vicina isola di Murano. A quella data si fa risalire l’inizio della leggendaria attività vetraria muranese e da allora l’arte del vetro resterà indissolubilmente legata al nome di Murano. Dalle “murrine” alla “filigrana”, ai “reticelli”, ai calici soffiati che sono espressione dell’arte muranese del 400 e del ‘500, attraverso l’esuberanza barocca, la breve fioritura neoclassica e i “revivals” dell’800, si sviluppa questa lunga e affascinante storia. Ai giorni nostri vengono ancora riprodotte le opere più significative delle varie epoche, mentre lo spirito creativo della tradizione dà impulso alla ricerca di nuove forme che sono espressione del nostro tempo.

Si dice che i lampadari più belli di questi due musei, siano quelli di Briati, specialmente il modello Rezzonico: è un lampadario a sospensione in vetro di Murano realizzato a mano. È caratterizzato da una forma a cascata, con una serie di pendenti in vetro di Murano che si irradiano da un centro centrale. I pendenti sono realizzati in una varietà di colori e forme, e possono essere personalizzati per adattarsi a qualsiasi ambiente.

Briati fu una figura di spicco nella vetreria artistica veneziana del Settecento. Fu un abile maestro vetraio che sostenne con originalità le prerogative della tradizione muranese, contrastando l’invadente concorrenza del neonato cristallo di Boemia. Briati introdusse un nuovo tipo di vetro “uso cristallo” e inventò nuove tecniche decorative, che gli permisero di creare manufatti in vetro di grande bellezza e raffinatezza. Nel 1739 Briati aprì a Venezia una vetreria nella quale realizzò una varietà di manufatti in vetro, tra cui specchi, lampadari e altri oggetti in vetro decorato. La sua produzione fu vastissima e varia, spaziando dalle cornici ai lampadari (quelli detti “a pagoda” o “alla cinese”, con bracci decorati con fiori policromi), dalle lampade da parete (dette “lumiere” che diverranno l’incontrastata specialità della vetreria veneziana dell’epoca) alle suppellettili da tavola. Moltissimi degli oggetti da lui creati sono ora conservati presso il Museo del vetro di Murano. Briati è considerato uno dei più importanti maestri vetrai del Settecento veneziano. Il suo lavoro ha contribuito a preservare la tradizione muranese e a diffondere il vetro di Murano in tutto il mondo.

Che altro dire ? Io vi consiglio di andare a vederli , nei musei che vi ho accennato sopra: Ca’ Rezzonico e Palazzo Mocenigo . Vi aspettiamo !!

The most beautiful chandeliers of the Civic Museums Foundation of Venice

In the stupendous Museum of Palazzo Mocenigo, and in the marvelous Museum of Ca’ Rezzonico, both of the Civic Museums Foundation of Venice, inside, in many rooms, there are chandeliers which are nothing short of true masterpieces of glass art. Do you want to know a little more?

Their story begins more or less when, in 1291, a decree of the Serenissima ordered that all the Glassworks of Venice, to avoid the risk of fires, be transferred to the nearby island of Murano. The beginning of the legendary Murano glassmaking activity dates back to that date and since then the art of glass will remain inextricably linked to the name of Murano. From the “murrine” to the “filigree”, to the “reticelli”, to the blown goblets which are an expression of the Murano art of the 1400s and 1500s, through the Baroque exuberance, the brief neoclassical flowering and the “revivals” of the 19th century, develops this long and fascinating story. Nowadays the most significant works of the various eras are still reproduced, while the creative spirit of tradition gives impetus to the search for new forms that are an expression of our time.

It is said that the most beautiful chandeliers in these two museums are those of Briati, especially the Rezzonico model: it is a handmade Murano glass suspension chandelier. It features a cascading shape, with a series of Murano glass pendants radiating from a central center. The pendants are made in a variety of colors and shapes, and can be customized to fit any setting.

Briati was a leading figure in eighteenth-century Venetian artistic glassmaking. He was a skilled master glassmaker who supported the prerogatives of the Murano tradition with originality, contrasting the invasive competition of the newborn Bohemian crystal. Briati introduced a new type of glass “using crystal” and invented new decorative techniques, which allowed him to create glass objects of great beauty and refinement. In 1739 Briati opened a glass factory in Venice in which he created a variety of glass artefacts, including mirrors, chandeliers and other decorated glass objects. Its production was vast and varied, ranging from frames to chandeliers (those called “pagoda” or “Chinese-style”, with arms decorated with polychrome flowers), from wall lamps (called “lumiere” which would become the undisputed specialty of Venetian glassware of the time) to table furnishings. Many of the objects he created are now kept in the Murano Glass Museum. Briati is considered one of the most important glass masters of eighteenth-century Venice. His work has helped to preserve the Murano tradition and to spread Murano glass all over the world.

What else to say? I advise you to go and see them in the museums I mentioned above: Ca’ Rezzonico and Palazzo Mocenigo. We are waiting for you !!

Esperienza Olfattiva a Palazzo Mocenigo

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Il museo di Palazzo Mocenigo, oltre ad essere stata la casa di una delle famiglie più importanti di Venezia, e anche museo del costume, è anche Museo del profumo. Da un po’ di tempo, è stata allestita una sezione dedicata al profumo, che in aggiunta a delle altre “sorprese”, offre un esperienza olfattiva del tutto straordinaria.

Non tutti sanno, che all’interno di alcune sale, del Museo, sono posizionati dei diffusori, che ad intervalli di tempo, diffondono delle fragranze aromatiche, che, da delle piacevoli emozioni, a chi visita il palazzo. Per esempio: in sala 4: Blue TeaBlue Tea è una fragranza ispirata ai profumi e alle materie pregiate delle terre asiatiche. È una fragranza femminile, delicata ed elegante, che combina le note fresche e fruttate del tè blu con le note floreali della rosa, della magnolia e del neroli. Il cuore della fragranza è avvolto da varie note fresche, soavi e leggermente fruttate, mentre la base è composta da un vetiver corposo avvolto da muschio. Il tè blu è un tè cinese appartenente alla specie Oolong. È originario del sud-est asiatico e dell’India. Il tè blu è caratterizzato da un colore blu intenso e da un aroma delicato e floreale. La rosa è un fiore simbolo di amore, bellezza e passione. La magnolia è un fiore simbolo di eleganza, raffinatezza e purezza. Il neroli è un fiore simbolo di giovinezza, innocenza e felicità. Il vetiver è un’erba aromatica originaria dell’India. È nota per il suo aroma legnoso e muschiato. Il muschio è una resina vegetale che emana un aroma caldo e avvolgente..

In sala 8: La Rosa Moceniga è caratterizzata da un colore rosa seta leggermente sfumato ed emana un profumo delizioso, fruttato e femminile. È un fiore unico che incarna un mistero ancora tutto da svelare. Ecco alcuni dettagli aggiuntivi sulla Rosa Moceniga:

  • È una rosa molto profumata, con un aroma che ricorda la frutta e i fiori.
  • È una rosa molto bella, con petali delicati e un colore rosa tenue.
  • È una rosa molto resistente, può crescere in una varietà di condizioni climatiche.
  • È una rosa molto rara, è difficile da trovare in commercio.
  • La Rosa Moceniga è un fiore unico e prezioso che è stato apprezzato per secoli. È un simbolo di bellezza, femminilità e raffinatezza.  

In sala 10: La Colonia Veneziana. La fragranza si apre con un’esplosione di agrumi, con note di bergamotto, arancio e limone. Il bergamotto è una nota fresca e agrumata, l’arancio è una nota dolce e solare, mentre il limone è una nota acidula e pungente. Queste note sono unite alle nuances aromatiche del rosmarino, una nota speziata e pungente.Il cuore della fragranza è composto da zenzero, salvia sclarea e iris. Lo zenzero è una nota piccante e stimolante, la salvia sclarea è una nota fresca e aromatica, mentre l’iris è una nota delicata e femminile. Queste note si fondono insieme creando una fragranza complessa e affascinante.Il fondo della fragranza è composto da un accordo legnoso, con note di sandalo, cedro e muschio. Il sandalo è una nota calda e avvolgente, il cedro è una nota legnosa e decisa, mentre il muschio è una nota sensuale e misteriosa. Queste note creano una base solida e persistente per la fragranza, che dura a lungo sulla pelle.

La prossima volta vi parlerò delle altre stanze dell’esperienza olfattiva. Aggiungo anche, che accanto alla biglietteria, c’è un’area dove, se volete potete acquistare i profumi che avete sentito, e altri ancora. Spero intanto di avervi incoraggiato a venire a visitare questo bellissimo museo, che è aperto tutti i giorni tranne il lunedì. Vi aspettiamo !!

Olfactory Experience at Palazzo Mocenigo

The Palazzo Mocenigo museum, in addition to having been the home of one of the most important families in Venice, and also a costume museum, is also a perfume museum. For some time now, a section dedicated to perfume has been set up, which, in addition to other “surprises”, offers a completely extraordinary olfactory experience.

Not everyone knows that diffusers are positioned inside some rooms of the Museum, which at intervals of time, spread aromatic fragrances, which give pleasant emotions to those who visit the building. For example: in room 4: Blue TeaBlue Tea is a fragrance inspired by the scents and precious materials of Asian lands. It is a feminine, delicate and elegant fragrance that combines the fresh and fruity notes of blue tea with the floral notes of rose, magnolia and neroli. The heart of the fragrance is wrapped in various fresh, sweet and slightly fruity notes, while the base is composed of full-bodied vetiver wrapped in musk. Blue tea is a Chinese tea belonging to the Oolong species. It is native to Southeast Asia and India. Blue tea is characterized by a deep blue color and a delicate, floral aroma. The rose is a symbol of love, beauty and passion. Magnolia is a symbol of elegance, refinement and purity. Neroli is a flower symbol of youth, innocence and happiness. Vetiver is an aromatic herb native to India. It is known for its woody and musky aroma. Musk is a plant resin that gives off a warm and enveloping aroma..

In room 8: Rosa Moceniga is characterized by a slightly nuanced silky pink color and exudes a delicious, fruity and feminine scent. It is a unique flower that embodies a mystery yet to be revealed. Here are some additional details on Rosa Moceniga:

  • It is a very fragrant rose, with an aroma reminiscent of fruit and flowers.
  • It is a very beautiful rose, with delicate petals and a soft pink colour.
  • It is a very resistant rose, it can grow in a variety of climatic conditions.
  • It is a very rare rose, it is difficult to find on the market.
  • The Rosa Moceniga is a unique and precious flower that has been treasured for centuries. It is a symbol of beauty, femininity and sophistication.  

In room 10: La Colonia Veneziana. The fragrance opens with a citrus explosion, with notes of bergamot, orange and lemon. The bergamot has a fresh and citrusy note, the orange is a sweet and sunny note, while the lemon is a sour and pungent note. These notes are combined with the aromatic nuances of rosemary, a spicy and pungent note. The heart of the fragrance is composed of ginger, clary sage and iris. Ginger is a spicy and stimulating note, clary sage is a fresh and aromatic note, while iris is a delicate and feminine note. These notes blend together creating a complex and fascinating fragrance. The base of the fragrance is composed of a woody accord, with notes of sandalwood, cedar and musk. Sandalwood is a warm and enveloping note, cedar is a woody and decisive note, while musk is a sensual and mysterious note. These notes create a solid and persistent base for the fragrance, which lasts long on the skin.

Next time I’ll tell you about the other rooms of the olfactory experience. I would also add that next to the ticket office, there is an area where, if you want, you can buy the perfumes you have smelled, and more. In the meantime, I hope I have encouraged you to come and visit this beautiful museum, which is open every day except Monday. We are waiting for you !!

Il Profumo a Venezia

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Venezia ha una lunga e ricca storia nella produzione di profumi. Il primo profumo veneziano è stato creato nel XII secolo da un monaco bizantino di nome Angelo Musachio. Il profumo, chiamato “Acqua di Venezia”, era fatto con ingredienti provenienti da tutto il mondo, tra cui rose, gelsomino, iris e sandalo. Nel XVI secolo, Venezia divenne il centro mondiale della produzione di profumi. La città era in una posizione strategica per il commercio con l’Oriente, e gli ingredienti per i profumi arrivavano da tutto il mondo. I profumieri veneziani erano anche molto creativi, e creavano profumi con aromi nuovi e originali.

Nel XVII e XVIII secolo, i profumi veneziani erano molto popolari in tutta Europa. Le donne e gli uomini indossavano profumi per occasioni speciali, come matrimoni, balli e feste. I profumi veneziani erano anche utilizzati come rimedi naturali per la salute e la bellezza.

Nel XIX secolo, la produzione di profumi a Venezia iniziò a declinare. La città perse la sua posizione di centro mondiale del commercio, e gli ingredienti per i profumi divennero più costosi. Tuttavia, alcuni profumieri veneziani continuarono a produrre profumi di alta qualità, e alcuni di questi profumi sono ancora in vendita oggi.

Il processo di creazione del profumo a Venezia nel passato era un processo lungo e laborioso. Ha coinvolto diverse fasi, tra cui:

  • Raccogliere gli ingredienti. Il primo passo è stato raccogliere gli ingredienti per il profumo. Questi ingredienti potevano essere fiori, erbe, spezie, resine e oli. I profumieri spesso viaggiavano in terre lontane per raccogliere gli ingredienti più rari ed esotici.
  • Distillare gli ingredienti. Una volta raccolti gli ingredienti, venivano distillati per estrarre gli oli essenziali. Questo è stato fatto riscaldando gli ingredienti in un alambicco e raccogliendo i vapori rilasciati. I vapori sarebbero quindi condensati nuovamente in forma liquida e gli oli essenziali sarebbero stati separati dall’acqua.
  • Mescolare gli oli essenziali. Gli oli essenziali sarebbero quindi stati mescolati insieme per creare la fragranza desiderata. I profumieri avrebbero miscelato accuratamente gli oli insieme, usando i loro nasi per giudicare le proporzioni.
  • Aggiunta di un fissativo. Un fissativo è una sostanza che aiuta a impedire al profumo di evaporare troppo rapidamente. I profumieri spesso aggiungevano un fissativo, come ambra grigia, muschio o vaniglia, ai loro profumi.
  • Imbottigliamento del profumo. Una volta pronto il profumo, veniva imbottigliato. Le bottiglie erano spesso fatte di vetro o cristallo e decorate con elaborate decorazioni.
  • Il processo di creazione del profumo a Venezia era un processo complesso e che richiedeva tempo, ma i risultati erano profumi che erano noti per la loro bellezza, complessità e longevità.

Oggi, Venezia è ancora una città importante per la produzione di profumi. Ci sono molte aziende che producono profumi a Venezia, come la Mavive per esempio, e alcuni di questi profumi sono esportati in tutto il mondo. I profumi veneziani sono apprezzati per la loro qualità, la loro creatività e il loro legame con la storia della città.

Per capire meglio la storia del profumo a Venezia, consiglio di visitare Palazzo Mocenigo, è un palazzo storico situato a Venezia, nel sestiere di Santa Croce. Il palazzo fu costruito nel XVI secolo dalla famiglia Mocenigo, una delle più importanti famiglie patrizie veneziane. Il palazzo è oggi sede del Museo del Profumo, che racconta la storia del profumo a Venezia. Il museo ospita una collezione di oltre 5.000 oggetti legati al mondo del profumo, tra cui bottiglie, flaconi, strumenti per la produzione del profumo e libri antichi.

Il museo è diviso in cinque sezioni:

  • Storia del profumo a Venezia
  • La produzione del profumo
  • Gli ingredienti del profumo
  • I profumi del mondo
  • Il profumo nell’arte e nella cultura

Il museo è aperto al pubblico tutti i giorni, tranne il Lunedì. Il Museo del Profumo è un luogo unico per scoprire la storia del profumo a Venezia. Il museo è anche un luogo suggestivo, dove è possibile immergersi nell’atmosfera raffinata e elegante della Serenissima.

Perfume in Venice

Venice has a long and rich history in perfume production. The first Venetian perfume was created in the 12th century by a Byzantine monk named Angelo Musachio. The perfume, called “Acqua di Venezia”, was made with ingredients from all over the world, including roses, jasmine, iris, and sandalwood.

In the 16th century, Venice became the world center of perfume production. The city was in a strategic location for trade with the East, and the ingredients for perfumes came from all over the world. Venetian perfumers were also very creative, and they created perfumes with new and original aromas.

In the 17th and 18th centuries, Venetian perfumes were very popular throughout Europe. Women and men wore perfumes for special occasions, such as weddings, balls, and parties. Venetian perfumes were also used as natural remedies for health and beauty.

In the 19th century, perfume production in Venice began to decline. The city lost its position as the world center of trade, and the ingredients for perfumes became more expensive. However, some Venetian perfumers continued to produce high-quality perfumes, and some of these perfumes are still on sale today.

The process of creating perfume in Venice in the past was a long and labor-intensive process. It involved several steps, including:

  • Gathering the ingredients. The first step was to gather the ingredients for the perfume. These ingredients could be flowers, herbs, spices, resins, and oils. The perfumers would often travel to far-off lands to gather the most rare and exotic ingredients.
  • Distilling the ingredients. Once the ingredients were gathered, they would be distilled to extract the essential oils. This was done by heating the ingredients in a still and collecting the vapors that were released. The vapors would then be condensed back into liquid form, and the essential oils would be separated from the water.
  • Mixing the essential oils. The essential oils would then be mixed together to create the desired fragrance. The perfumers would carefully blend the oils together, using their noses to judge the proportions.
  • Adding a fixative. A fixative is a substance that helps to keep the perfume from evaporating too quickly. Perfumers would often add a fixative, such as ambergris, musk, or vanilla, to their perfumes.
  • Bottling the perfume. Once the perfume was ready, it would be bottled. The bottles were often made of glass or crystal, and they were decorated with elaborate designs.
  • The process of creating perfume in Venice was a complex and time-consuming process, but the results were perfumes that were known for their beauty, complexity, and longevity.

Today, Venice is still an important city for perfume production. There are many companies that produce perfumes in Venice, like Mavive for instance, and some of these perfumes are exported all over the world. Venetian perfumes are appreciated for their quality, their creativity, and their ties to the city’s history.

To better understand the history of perfume in Venice, I recommend visiting Palazzo Mocenigo, is a historic palace located in Venice, in the sestiere of Santa Croce. The palace was built in the 16th century by the Mocenigo family, one of the most important patrician families in Venice.

The palace is now home to the Museum of Perfume, which tells the story of perfume in Venice. The museum houses a collection of over 5,000 objects related to the world of perfume, including bottles, vials, perfume-making tools and ancient books.

The museum is divided into five sections:

  • History of perfume in Venice
  • Perfume production
  • Perfume ingredients
  • Perfumes of the world
  • Perfume in art and culture


The museum is open to the public every day except Tuesday. The Museum of Perfume is a unique place to discover the history of perfume in Venice. The museum is also a charming place, where you can immerse yourself in the refined and elegant atmosphere of the Serenissima.

Incontri con il merletto a Palazzo Mocenigo

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Nell’ambito del progetto “Fili di cuore”, riprendono “I venerdì a Museo di Palazzo Mocenigo” dalle 10.00 alle 12.00 che ospiterà i vari incontri del Merletto. Le maestre merlettaie di Burano e Pellestrina si alterneranno dimostrando il lavoro ad ago ea tombolo. Prossima data di luglio sarà Venerdì 21 luglio con l’ Associazione di Mestre “Sacolà e…ciacola ad ago” e il Venerdì 28 luglio con la ACS Murazzo di Pellestrina

Il merletto di Venezia è uno dei più famosi al mondo. È un’arte antica che ha avuto origine nel XVI secolo sull’isola di Burano, una delle isole della Laguna Veneta. Le prime testimonianze del merletto a Venezia risalgono al XVI secolo. In quel periodo, le monache veneziane iniziarono a ricamare merletti con ago e filo. Il merletto era un’attività molto popolare tra le donne veneziane, che lo usavano per decorare i loro vestiti e le loro case.

Nel XVII secolo, il merletto di Venezia iniziò a farsi conoscere in tutta Europa. Le merlettaie veneziane erano molto apprezzate per la loro abilità e la loro precisione. Il merletto di Venezia era un simbolo di ricchezza e di prestigio, e veniva indossato dalle donne più importanti dell’epoca. Nel XVIII secolo, il merletto di Venezia iniziò a perdere popolarità. Questo era dovuto a diversi fattori, tra cui l’arrivo di nuove tecniche di produzione del merletto, la Rivoluzione Francese e l’avvento della macchina da cucire.

Nonostante questo, il merletto di Venezia è ancora oggi un’arte molto apprezzata. È un simbolo della cultura veneziana e viene venduto in tutto il mondo. Le tecniche di lavorazione del merletto veneziano. Il merletto di Venezia viene lavorato con due tecniche principali: il punto a fuselli e il punto a tombolo. Il punto a fuselli è una tecnica che consiste nell’intrecciare i fili con gli aghi. Il punto a tombolo è una tecnica che consiste nell’intrecciare i fili con una macchina chiamata tombolo.

Il merletto di Venezia può essere lavorato con diversi tipi di filati, tra cui il cotone, la seta e l’oro. I merletti più antichi erano realizzati con fili di cotone o di seta. I merletti più recenti sono spesso realizzati con fili di oro o di argento. I merletti veneziani sono caratterizzati da motivi molto delicati e raffinati. I motivi più comuni sono i fiori, i frutti, gli animali e i simboli religiosi. I merletti veneziani vengono spesso utilizzati per decorare abiti, sciarpe, tovaglie, cuscini e altri oggetti. Sono anche molto apprezzati come oggetti da collezione.

Meetings with lace at Palazzo Mocenigo

As part of the “threads of the heart” project, “Fridays at Museo di Palazzo Mocenigo” from 10.00 until 12.00 am will resume, which will host the various meetings of the Merletto. The lace Mistress of Burano and Pellestrina will take turns demonstrating needle and pillow work. The next date in July will be Friday 21 July with the Mestre Association “Sacolà e…ciacola ad ago” and Friday 28 July with the ACS Murazzo di Pellestrina

Venetian lace is one of the most famous in the world. It is an ancient art that originated in the 16th century on the island of Burano, one of the islands of the Venetian Lagoon.The first evidence of lace in Venice dates back to the 16th century. At that time, Venetian nuns began to embroider lace with needle and thread. Lace was a very popular activity among Venetian women, who used it to decorate their clothes and their homes.

In the 17th century, Venetian lace began to become known throughout Europe. Venetian lacemakers were highly appreciated for their skill and precision. Venetian lace was a symbol of wealth and prestige, and was worn by the most important women of the time. In the 18th century, Venetian lace began to lose popularity. This was due to a number of factors, including the arrival of new lace-making techniques, the French Revolution, and the advent of the sewing machine.

Despite this, Venetian lace is still a highly appreciated art today. It is a symbol of Venetian culture and is sold all over the world. The Techniques of Venetian Lace Venetian lace is made with two main techniques: the bobbin lace and the pillow lace. Bobbin lace is a technique that consists of intertwining the threads with needles. Pillow lace is a technique that consists of intertwining the threads with a machine called a pillow.

Venetian lace can be made with different types of yarn, including cotton, silk, and gold. The oldest laces were made with cotton or silk threads. The most recent laces are often made with gold or silver threads.

The Patterns of Venetian Lace Venetian lace is characterized by very delicate and refined patterns. The most common patterns are flowers, fruits, animals, and religious symbols. Venetian lace is often used to decorate clothes, scarves, tablecloths, pillows, and other objects. They are also highly appreciated as collectible items.

Nuova mostra a Ca’ Rezzonico sul vetro !

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LINO TAGLIAPIETRA
L’origine del viaggio
Dal 14 luglio al 25 settembre 2023
Venezia, Ca’ Rezzonico – Museo del Settecento Veneziano
Mostra a cura di Fondazione Lino Tagliapietra e della Fondazione Musei Civici di Venezia

C’è una nuova mostra nel bellissimo Museo di Ca’ Rezzonico, della Fondazione Musei Civici di Venezia, che si può ammirare nella sala del Portego al primo e secondo piano. Insieme la fondazione Musei Civici di Venezia e la Fondazione Lino Tagliapietra, hanno voluto rendere omaggio a Lino Tagliapietra, un personaggio poliedrico: artista viaggiatore, sperimentatore, sempre alla costante ricerca di stimoli da inserire nelle sue creazioni, vere e proprie opere d’arte in vetro.

Oltre a opere fantasmagoriche come “Il dinosauro dal collo lungo”, “Fuji”, “Asola”, “Neomea”, “Oka”, “Africa”, “Hopi” ci sono tante altri capolavori che raccontano le antiche tecniche tradizionali muranesi , veri processi tipici utilizzati per la lavorazione, come vetro soffiato a bacchetta, filamento, topo, incalmo, e doppio soffiaggio o ri-soffiaggio, battitura, molatura, ecc. Il lavoro scultoreo ha permesso a Lino Tagliapietra di affermarsi come artista indipendente, un pioniere, un vero ricercatore di nuove stagioni e generazioni di artisti del vetro.

Nato a Venezia nel 1934, Lino Tagliapietra lavora nel vetro da quando era apprendista all’età di 11 anni. Si distinse a Murano fin dalla tenera età, e all’età di ventuno anni fu insignito del titolo di Maestro, padroneggiando l’arte della soffiatura del vetro. Il suo prolifico talento sulle isole di vetro della Laguna di Venezia, unito alla sua costante curiosità, lo porta presto a viaggiare così tanto che nel 1979 si reca negli Stati Uniti e visita per la prima volta Seattle. Fu qui che introdusse la tradizione della soffiatura del vetro veneziano agli studenti della Pilchuck School, consolidando così la sua reputazione nella storia delle tradizioni americane della soffiatura del vetro. Attraverso i suoi insegnamenti, Tagliapietra ha cambiato irreversibilmente l’uso del vetro in America, costruendo un nuovo futuro con il mezzo, intriso di conoscenze e abilità tradizionali italiane interpretate attraverso nuove vibranti energie.

La mostra è molto bella e interessante, durerà fino al 25 di settembre, per cui c’è ancora tempo per andare a visitarla, cogliete questa doppia opportunità, per vedere una mostra particolare, che vi incanterà e vi farà venire voglia di visitare il Museo del Vetro di Murano. Inoltre potrete visitare questo stupendo Museo, che ha riaperto da poco, e che è diventato più bello che mai ! Vi aspettiamo !

New exhibition on glass at Ca’ Rezzonico!

LINO TAGLIAPIETRA
The origin of the journey
From 14 July to 25 September 2023
Venice, Ca’ Rezzonico – Museum of the 18th century Venice
Exhibition curated by Lino Tagliapietra Foundation and the Civic Museums Foundation of Venice

There is a new exhibition in the beautiful Museum of Ca’ Rezzonico, of the Fondazione Musei Civici di Venezia, which can be admired in the Portego room on the first and second floors. Together the Fondazione Musei Civici di Venezia and the Fondazione Lino Tagliapietra wanted to pay homage to Lino Tagliapietra, a multifaceted character: traveling artist, experimenter, always on the constant search for stimuli to insert in his creations, real works of art in glass.

In addition to phantasmagorical works such as “The long-necked dinosaur”, “Fuji”, “Asola”, “Neomea”, “Oka”, “Africa”, “Hopi” there are many other masterpieces that tell the ancient traditional Murano techniques, true typical processes used for crafting, such as rod-blowing, filament, topo, incalmo, and double- or re-blowing, beating, grinding, etc. The sculptural work has allowed Lino Tagliapietra to establish himself as an independent artist, a pioneer, a truly researcher of new seasons and generations of glass artists.

Born in Venice in 1934, Lino Tagliapietra has worked in glass since he was an apprentice at the age of 11. He distinguished himself in Murano from an early age, and at the age of twenty-one he was awarded the title of Maestro, mastering the art of glassblowing. His prolific talent on the glass islands of the Venice Lagoon, combined with his constant curiosity, soon led him to travel so much that in 1979 he went to the United States and visited Seattle for the first time. It was here that he introduced the tradition of Venetian glassblowing to the students of the Pilchuck School, thus cementing his reputation in the history of American glassblowing traditions. Through his teachings, Tagliapietra irreversibly changed the use of glass in America, forging a new future for the medium, imbued with traditional Italian knowledge and skills interpreted through vibrant new energies.

The exhibition is very beautiful and interesting, it will last until September 25th, so there is still time to go and visit it, take this double opportunity, to see a particular exhibition, which will enchant you and make you want to visit the Museum of Murano glass. You can also visit this wonderful museum, which has recently reopened, and which has become more beautiful than ever! We are waiting for you!