Intervista con Seema Rao

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Il lavoro di un operatore museale comporta molto stress, perché è sempre a contatto con il pubblico. Non molto tempo fa, un titolo di un libro mi colpì e ho voluto comprarlo per saperne di più. Il libro in questione si intitola “Obejetive Lesson – Self Care for Museum workers di Seema Rao. E’ un libro molto interessante perché offre delle tecniche adatte a tutti, e guida verso un’autoanalisi di se stessi.

seemaSeema Rao è la presidente e CEO di Brilliant Idea Studio (BIS), un’azienda che aiuta musei, organizzazioni non profit e biblioteche a realizzare le loro migliori idee.  Con quasi 20 anni di esperienza museale, la Dott.ssa Rao  ha guidato lo sviluppo dei contenuti per molti progetti digitali tra cui l’innovativa Galleria One, Studio Play e Asian Odyssey. Insieme a questo progetto digitale, è stata determinante nello sviluppo di spazi museali “mobile” e fuori dal sito, come ad esempio Studio Go, degno di nota. Ha lavorato assiduamente per includere nuovi tipi di pubblico come specialista dell’accesso al museo, sviluppando programmi di coinvolgimento della comunità e creando programmi per adolescenti

La Dott.ssa Rao ha conseguito un Master in Storia dell’Arte presso la Case Western Reserve University di Cleveland e un Master in Information Science e User Experience Design. 

Dopo un po di tempo ho voluto riprendere in mano il suo libro, e ho pensato di fare un’intervista su di lei. Dopo varie email, ecco qui l’intervista.

Me: Potrebbe raccontare alcuni dei musei con cui hai lavorato, per favore?

Seema Rao: Come staff, sono stata al Cleveland Museum of Art per quasi 20 anni. Poi, ho lavorato con il Cincinnati Museum of Art, il Toledo Museum of Art, l’Akron Art Museum, la Percussive Arts Society e l’Asia Society Texas Center.

Io: come ha avuto l’idea di scrivere un libro?

Seema Rao: Il libro è iniziato come una serie di esercizi che ho fatto mentre passavo da un lavoro a tempo pieno in museo a consulente. Il mio precedente lavoro era stato l’unico lavoro che avessi mai avuto, l’ho avuto per 17 anni. Ero cresciuta prendendo lezioni in quel museo e ci sono andata come studentessa laureata. Lasciare quel ruolo era più che lasciare un lavoro. Era come essere a casa. Quindi avevo bisogno di trovare un nuovo punto di riferimento. Ho un po “giocato” con questi esercizi. Quando ho detto alla gente di quello che stavo facendo, sembravano interessati. Allora ho detto che l’avrei trasformato in un libro. Il fatto di dire a qualcuno che stai facendo qualcosa è che devi farlo. A volte quando qualcosa mi spaventa, lo dico agli altri,  è come un modo per assicurarmi di affrontare questa sfida. Rendere il libro mi ha sfidato in maniera positiva, e speravo che condividere le mie tecniche per aiutato gli altri.

Io: Qual è la causa più comune dello stress che ha visto finora?

Seema Rao: Il tempo è uno dei più comuni. O troppo poco tempo per fare qualcosa o troppa attesa per ciò che deve essere fatto in quel momento. L’eccesso di lavoro  fondamentalmente significa che si sta trascorrendo troppo tempo sul lavoro, forse a causa di cattiva gestione o necessità finanziarie. Poiché la maggior parte del lavoro si connette con altre persone, finiamo per affrontare i sensi di conflitto di persone diverse. A livello più pratico, lo stress maggiore per il personale è la sicurezza, in particolare finanziaria. Il tempo si interseca con la sicurezza finanziaria molto comunemente nel nostro settore con il personale che deve decidere se possono permettersi di lavorare in un museo e avere ancora il tempo di cercare un altro lavoro.

Me: Ha partecipato ad alcune conferenze forse con il Museo Next? Se è così può dirmi qualcosa a riguardo?

Seema Rao: Ho frequentato MuseumNext e fatto presentazioni numerose volte.

 

Seema Rao Lecture
https://www.museumnext.com/insight/leading-museum-inclusion/

 

Io: Il suo libro cerca di offrire alcune lezioni e soluzioni oggettive, ma ha una buona ricetta che può funzionare per qualcuno?

Seema Rao: Non c’è una ricetta, ma essa funziona, quando ognuno trova il proprio particolare “mix di attività”. Penso che sia  una sfida, in quanto le persone vogliono avere una soluzione, la provano ma poi si rendono conto che non funziona per loro. La parte Sé è essenziale, il concetto, l’idea di aver cura di sé. Quanto ti preoccupi di te stesso, come  essere individuale, sei l’unico a decidere cosa funziona. Essere in sintonia con te stesso è essenziale per trovare la tua migliore “ricetta”.

Io: L’episodio più bello che le è successo lavorando in un museo?

Seema Rao: Domanda veramente difficile. Mi piace trovare la bellezza in tutto e trovare qualcosa di buono in tutti i momenti. Direi che ricordo che mi piaceva tutti quei momenti in cui mi trovavo con un gruppo di colleghi di lavoro e ci siamo tutti sincronizzati. Eravamo in quel momento a dare un senso, tutti insieme, a quel progetto della collezione. La gioia effimera dell’insegnamento è un momento transitorio, ma è una cosa che mi illumina e che mi anima davvero.

Io: Il peggior episodio che le è successo e come ha reagito?

Seema Rao: I miei momenti peggiori (non tutti per fortuna) sono avvenuti con lo staff. La cosa difficile del lavoro nei musei è che molte persone si preoccupano molto. Il nostro lavoro ci mette in opposizione tra di noi. Solo con una buona cultura del lavoro, c’è un modo per lavorare e risolvere i problemi. Nei brutti momenti, hai sussurri dietro le spalle, offerte negatge, e intense esplosioni di negatività. Io non sono una santa. A volte sono stata un cattiva collega. Ho anche sofferto per quello. Certe situazioni sono estenuanti, ma  per fortuna, non abbastanza orribili da farmi lasciare il campo. E alla fine, ho quasi sempre rispettato lo staff in seguito. Ognuno di noi stava facendo il nostro lavoro e faceva del nostro meglio.

Io: Quali sono i suoi consigli per tutti i colleghi?

Seema Rao: Cercare di trovare la positività nella giornata lavorativa. Ma anche, di permettere alla tua giornata di lavoro di rimanere li e di non portarla a casa. Inoltre, sii gentile con te stesso come potresti essere per gli altri. Spesso ci mettiamo per ultimi, ma questo in realtà non ti rende migliore al lavoro. Può solo renderti infelice.

Io: Pensi che qualcosa come lo yoga o il tai chi possa aiutare contro lo stress? 

Seema Rao: Il Tai Chi è fantastico, ma non sono brava con le attività ricreative di gruppo, come lo yoga o il tai chi, non fa per me. Per me, camminare è meglio. Ma penso che si  torni sempre all’idea che si ha bisogno di trovare i migliori rilasci di stress per svolgere al meglio le proprie attività lavorative.

Io: Wow, sono impressionato, complimenti, sia per il suo libro, che per il suo futuro lavorativo, grazie per aver acconsentito a questa intervista, sono sicuro, sarà di interesse per molte persone.

Self care for Museums workers

The work of an attendant museum involves a lot of stress, because it is always in contact with the public. Not long ago, a book title struck me and I wanted to buy it to learn more. The book in question is titled “Objective Lesson – Self Care for Museum workers by Seema Rao. It is a very interesting book because it offers techniques suitable for everyone, and a guide to self-analysis of itself.

seemaSeema RaoSeema Rao is the president and CEO of Brilliant Idea Studio (BIS), a company that helps museums, non-profit organizations and libraries to highlight their best ideas. With almost 20 years of museum experience, Ms. Rao has led the development of content for many digital projects including the innovative Gallery One, Studio Play and Asian Odyssey. Along with this digital project, it has been instrumental in developing mobile and off-site museum spaces, such as Studio Go, worthy of note. He has worked diligently to include new segments of the public as a museum access specialist, development of community involvement programs and creation of programs for adolescents.

Ms. Rao holds a Masters degree in Art History from Cleveland’s Case Western Reserve University and a Masters in Information Science and User Experience Design.

After a while I wanted to take it up and read it again, and I thought I’d do an interview about her. After several emails, here is the interview.

Me: Could you tell me some of the museums you worked with, please?

Seema Rao: I worked at the Cleveland Museum of Art for almost 20 years. I left to consult two years ago”, I worked with the Cincinnati Museum of Art, the Toledo Museum of Art, the Akron Art Museum, the Percussive Arts Society and the Asia Society Texas Center.

Me: how did you get the idea of writing a book ?

Seema Rao: The book started out as a series of exercises I did as I was transitioning from a full-time job at a museum to a consultant. My previous job had been the only job I had ever had. I had it for 17 years. I had grown up taking classes at that museum and went there as a graduate student. Leaving that role felt more than leaving a job. It was like moving house. So I needed to find a new center. I played around with these exercises. As I told people about what I was doing, they seemed interested. Then I said I would making it into a book. The thing about telling someone you are doing something is that you have to do it. Sometimes when something scares me, I tell others as a way to ensure I face that challenge. Making the book challenged me in a good way, and I hoped sharing my techniques would help others.

Me: What is the most common reason of stress that you have seen so far ?

Seema Rao: Time is one of the most common. Either too little time to do something or too much expectation of what needs to get done in that time. Overwork is basically spending too much time on work, maybe due to bad management or financial need. As most work is connecting with other people, we end up dealing with different people’s conflicting senses of time. On a more practical level, the greatest stress for staff is security, financial particularly. Time intersects with financial security very commonly in our sector with staff having to decide if they can afford to work a museum job and still have the time to work another job.

Ms Seema Rao's book

Me: Did you attended to some lectures maybe with Musem Next ? If so can you tell me something about it ?

Seema Rao: I have attended MuseumNext and presented numerous times.

 

Seema Rao Lecture
https://www.museumnext.com/insight/leading-museum-inclusion/

 

Me: Your book try to offer some objective lesson and solutions, but do you have a good recipe that may work for anybody ?

Seema Rao: There is no one recipe. What does work is that everyone finds their particular mix of activities. I think a challenge is that people want to have a solution, and then they try the solution and it doesn’t work for them. The Self part is essential in the idea of self care. How you care for yourself is individual and you are the only one to decide what works.  Being in tune with yourself is essential to finding your best recipe.

Me: The most beautiful episode that happened to you working in a museum ?

Seema Rao: Such a hard question. I like to find beauty in everything, and find good in all moments. I will say I remember loving every moment I stood with a group of people and we all synched. We were in that moment making meaning together about that collection object. The ephemeral joy of teaching is a transitory, but glowing moment that truly enlivens me.

Me: The worst episode that happened and how you reacted to it ?

Seema Rao: My worst moments came with staff (tho many of my best were also with staff). The hard thing about work in museums is that most people care A LOT. Our work puts us in oppositions. I’m good work cultures, there is an way to work through issues. In bad ones, you have whispers, closed door deals, and the odd explosion. I’m no saint. I have sometimes been a bad colleague. I have also suffered bad ones. The situations weee exhausting. But not awful enough to make me leave the field. And in the end, I almost always still respected the staff afterward. We were each doing our job and doing our best.

Me: What are your advice for your colleagues ?

Seema Rao: Try to find joy in your working day. But also, allow your working day to stay at work. Also, be kind to yourself as you might be to others. We often put ourselves last, but this doesn’t actually make you better at work. It can just make you miserable.

Me: Do you think that something like yoga or tai chi may help against stress ? 

Seema Rao: Tai Chi is awesome. I’m not great with organized systems, like yoga or tai chi, and I know that about myself. For me, walking is better. But, I think it goes back to the idea that you need to find your best stress releases, and then do those activities.

Me: Wow, I’m impressed, congratulations, both for your book, and for your future work, thanks for agreeing to this interview, I’m sure, it will be of interest to many people.

Intervista CEO Beni Culturali Online

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Poco tempo fa, fui contattato da Luigi De Marchi, CEO di Beni Culturali Online (da non confondere con Beni Culturali) per delle opinioni in merito agli argomenti trattati nella passata edizione dello SMAU tenutasi a Padova, in special modo sulle nuove tecnologie che si adottano in campo museale e l’intelligenza artificiale.

Andando in giro per vari musei, ho visto che si punta molto sulla realtà virtuale, sugli ologrammi, e sulle tecnologie interattive, che attraggono molti turisti, specialmente quelli più giovani. E tuttavia, queste nuove tecnologie, potrebbero essere ormai sorpassate dalle applicazioni che può trovare l’Intelligenza Artificiale.

Luigi De Marchi era interessato al mio progetto di Banca Dati Museale che feci per mio unico uso con l’applicazione Evernote, che era una cosa molto semplice, più che altro basata sull’uso dei tag applicati in maniera specifica per ogni fotografia o articolo che avevo incluso.

Da li era nata un botta e risposta, su questi argomenti in comune che ci interessavano, e ho pensato di proporgli un’intervista:

Me: parlaci un po di te:

Luigi: Mi chiamo Luigi de Marchi e sono il presidente dell’associazione ABCOnlus (Associazione Beni Culturali Onlus) che è nata nel 2002, ed è da sempre molto attiva per la promozione e valorizzazione del Patrimonio Culturale, delle eccellenze e delle tradizioni locali. Questa Start Up ha alla base il concetto originario di unire nelle mappe luoghi di interesse con gli eventi in corso. Attualmente unisce anche componenti di Game e l’implementazione delle nuove tecnologie come il 3D. In breve tempo è diventata internazionale con lo sviluppo e la messa online della versione inglese indipendente da quella nazionale ed identificata anche da un dominio diverso che è culturalheritageonline.com.

Me:  Come funziona ?

Luigi: Gli strumenti messi a disposizione nella piattaforma aiutano a far conoscere agli utenti ciò che di bello li circonda. Attualmente proprio per questo motivo stiamo sviluppando un innovativo motore di ricerca che grazie all’Intelligenza Artificiale possa offrire una risposta mirata e targettizzata all’utente. Essa è rivolta a tutti gli appassionati, artisti, professionisti come fotografi, guide turistiche, ricercatori, ma anche a tutte le attività come Musei, Gallerie d’Arte, Associazioni e Centri Culturali. Tutti quelli che creano cultura con eventi e attività di interesse.

Ognuno può loggarsi, creare un profilo e poi pubblicare delle schede location per far conoscere i luoghi d’interesse e collegare in esse le schede degli eventi per promuoverli e farli conoscere agli altri utenti, il sistema è un fase di evoluzione, ogni giorno vengono implementate e perfezionate delle funzioni. Le ultime novità sono la possibilità di pubblicare i Post e Album di post, che sono contenuti indipendenti dalle Schede dei luoghi e degli eventi. Possono contenere dei testi, immagini e video.

Tutti catalogati e collegati a delle zone geografiche. Una novità è quella di poter collegare al Post o all’Album la scheda di un luogo, quindi sarà possibile per esempio, per un operatore museale, schedare il proprio museo, ma oltre che collegare gli eventi in corso si possono presentare le opere in esso contenute divise per Album tematico o per stanza. Diventerà così una Scheda Tecnica che può servire sia per catalogare le opere che per farle conoscere in ambito turistico. I contenuti possono essere inseriti in doppia lingua ed il contenuto in inglese verrà messo online in una seconda piattaforma studiata ad hoc per il mercato internazionale che si trova all’indirizzo culturalheritageonline.com

Me: Chi sono gli utenti a cui potrebbe interessare ?

Luigi: A chi Semplicemente per trovare idee nuove, luoghi sconosciuti ed eventi d’interesse da poter frequentare anche solo per il prossimo weekend o viaggio di piacere/lavoro. Da qualche giorno l’utente può anche trovare degli itinerari proposti dai Profili PRO che sono strutturati come un Album di Post ma questi sono collegati alle Schede dei Luoghi e riportati in una mappa. Su questa mappa l’utente ha i punti di interesse proposti ed anche il percorso stradale che unisce ogni punto. Una vera e propria guida turistica con informazioni, video ed immagini.

Me: Verso che direzione si svilupperà Beni Culturali Online secondo te?

Luigi: Ogni giorno implementiamo nuove funzioni, migliorando il sistema. Buona parte di quello che guadagniamo viene reinvestito per lo sviluppo. Senza dubbio il prossimo passo è quello di puntare sul motore di ricerca basato sull’intelligenza artificiale, abbiamo iniziato ad istruirlo, presto sarà pronto per fornire i primi risultati all’utenza iscritta e profilata sulla piattaforma. Nel tempo sarà in grado di dare un supporto sempre più utile a chi è alla ricerca di luoghi o eventi di interesse culturale.

Me: wow è tutto molto interessante !!! Per il momento l’intervista si conclude qui, ma più avanti vedremo di discutere meglio sull’uso dell’Intelligenza Artificiale. Grazie mille per questa intervista Luigi !

Wondering about AI in the museums

Not long ago, I was contacted by Luigi De Marchi, CEO of Cultural Heritage Online, (not to be confused with Cultural Heritage) for my opinion about the topics covered in the last edition of the SMAU held in Padua, especially about the new technologies that are adopted in the museum field and the artificial intelligence.

Working in many museums for a long time, I  have noticed that now we are focusing on new technologies such the virtual reality, holograms, and the software which create an interaction, to attract the tourists, especially the younger ones. And yet, these new technologies could be outdated by the applications which use the Artificial Intelligence.

Luigi De Marchi was interested in my Database Museum project, that I create for my only use, using the Evernote application, which was a very simple, mostly based on the use of tags applied specifically for each photo or article that I wanted to include. From there came a very interesting discussion between us, about ideas and ways to promote museums with new technologies, and I thought I’d propose an interview:

Me: tell us a little about yourself:

Luigi: My name is Luigi de Marchi and I am the president of the ABCOnlus association (Associazione Beni Culturali Onlus) which was founded in 2002, and has always been very active in promoting and enhancing cultural heritage, excellence and local traditions. This Start Up has the original concept of combining places of interest with current events in the maps. Currently it also combines Game components and the implementation of new technologies such as 3D. In a short time it became international with the development and the online release of the English version independent of the national version and also identified by a different domain which is culturalheritageonline.com.

Me: How does it work?

Luigi: The tools made available on the platform help to let users know where to find the beautiful masterpieces they are looking for. Currently for this reason we are developing an innovative search engine that thanks to the Artificial Intelligence can offer a targeted response to the user. It is aimed at all enthusiasts, artists, professionals such as photographers, tourist guides, researchers, but also at all activities such as museums, art galleries, associations and cultural centers. All those that create culture with events and activities of interest.

Everyone can log in, create a profile and then publish the location of the places they know, and make them known to other users, the system is a phase of evolution, every day they are implemented new and perfect functions. The latest news are the possibility to publish the Post and Albums, which are independent from the post mentioned above. They can contain texts, images and videos.

They all are cataloged and linked to geographical areas. A novelty is that of being able to connect the info of a place to the Post or to the Album, so it will be possible, for example, for a museum operator, to file his own museum, but in addition to connect their events in progress, you can present the works in it contained, by thematic album or by room. In this way it will become a Technical Data Sheet that can be used both to catalog the works and / or to make them known in the tourism field. The contents can be entered in dual language and the content in English will be put online in a second platform designed ad hoc for the international market located at culturalheritageonline.com

Me: Who are the users you might be interested in?

Luigi: To those who simply are looking for new ideas, unknown places and events of interest to be able to attend, even just for the next weekend or leisure / work trip. From few days ago the user can also find itineraries proposed by PRO Profiles that are structured like a Post Album, but these are linked  and shown on a map. On this map the user has the points of interest proposed, and also the route that connect each point. A real tourist guide with information, videos and images.

Me: To which direction will develop Online Cultural Heritage according to you?

Luigi: Every day we implement new functions, improving the system. Much of what we earn is reinvested in development. Undoubtedly the next step is to focus on the search engine based on artificial intelligence, we have begun to educate it, it will soon be ready to provide the first results to the users registered and profiled on the platform. Over time it will be able to give an increasingly useful support to those looking for places or events of cultural interest.

Me: wow it’s all very interesting !!! For the moment the interview ends here, but soon we will discuss better the use of Artificial Intelligence. Thank you so much for this interview Luigi!

Canaletto approda a Palazzo Ducale !

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A Palazzo Ducale è stata inaugurata la mostra “Canaletto e Venezia”, che durerà fino al 09 giugno 2019. E’ la mostra dell’anno, un evento che si aspettava ormai da tempo. Ecco che dopo la grande mostra dedicata a Tintoretto, si è riusciti a proporre un’altra mostra di grande livello.

Giovanni Antonio Canal, meglio conosciuto come il Canaletto (Venezia, 17 o 18 ottobre 1697 – Venezia, 19 aprile 1768), è stato un pittore e incisore italiano, noto soprattutto come vedutista, i cui quadri sono famosi, e sopratutto sparsi in tutto il mondo, specie in Inghilterra, alla National Gallery di Londra, questo grazie al consiglio del console Britannico Joseph Smith, che fu un intermediario tra l’artista e i principali collezionisti inglesi.

La mostra da poco inaugurata, rende possibile poter vedere i suoi magnifici capolavori, specie quelli provenienti dai musei stranieri, e oltre a lui, sono presenti anche opere di Luca Carlevarijs, Rosalba Carriera, Giambattista Tiepolo, Pietro Longhi, Francesco Guardi, e Giandomenico Tiepolo, questo per poter offrire al pubblico una visione completa del panorama del 700 a Venezia.

E’ una mostra spettacolare, che invito tutti ad andare a vedere, ma se volete avere una visione più allargata dell’artista e del suo tempo, dopo Palazzo Ducale, dovete anche visitare il bellissimo Museo di Ca’ Rezzonico, museo del 700 veneziano, dove uno dei due quadri di Canaletto, è stato prestato per la mostra. Quindi, se dopo Palazzo Ducale decideste di recarvi a Ca’ Rezzonico, potrete vedere l’altro capolavoro, e tutti gli altri tesori artistici di quell’epoca.

Canaletto twitter

Canaletto at The Doge’s palace in Venice !

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The “Canaletto e Venezia” exhibition was inaugurated at Palazzo Ducale and will last until 09 June 2019. It is the exhibition of the year, an event that has long been expected. Here, after the great exhibition dedicated to Tintoretto, they managed to propose another major exhibition.

Giovanni Antonio Canal, better known as the Canaletto (Venice, 17 or 18 October 1697 – Venice, 19 April 1768), was an Italian painter and engraver, known above all as a vedutist, whose paintings are famous, and above all scattered throughout the world, especially in England, at the National Gallery in London, thanks to the advice of the British consul Joseph Smith, who was an intermediary between the artist and the main English collectors.

The recently inaugurated exhibition makes it possible to see his magnificent masterpieces, especially those from foreign museums, and in addition to him, there are also works by Luca Carlevarijs, Rosalba Carriera, Giambattista Tiepolo, Pietro Longhi, Francesco Guardi, and Giandomenico Tiepolo , this in order to offer the public a complete vision of the 700 panorama in Venice.

It ‘a spectacular show, which I invite everyone to go see, but if you want to have a broader view of the artist and his time, after the Doge’s Palace, you must also visit the beautiful Museum of Ca’ Rezzonico, museum of the Venetian 700, where one of the two paintings by Canaletto, was lent for the exhibition. So, if after the Doge’s Palace you decide to go to Ca ‘Rezzonico, you can see the other masterpiece, and all the other artistic treasures of that time.

Canaletto twitter english

Maree, teatri e labirinti..

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Una nuova mostra è visibile al Museo di Ca’ Pesaro di Venezia, si intitola “GIOVANNI SOCCOL Metamorfosi della realtà in mito”. E’ stata inaugurata il 26 gennaio 2019 e durerà fino  al 22 aprile. La mostra è collocata al secondo piano e conta un numero di 13 opere.

L’artista si chiama Giovanni Soccol , nato a Venezia nel 1938. Inizia a dipingere nei primi anni Cinquanta, cominciando a frequentare l’atelier della pittrice Ilse Bernheimer, poi del pittore veneziano Gennaro Favai. L’influenza delle tecniche, degli insegnamenti, delle conoscenze, di questi artisti, vissuti tra la fine dell’Ottocento e la prima metà del Novecento, sarà per il giovane pittore un vero e proprio viaggio per il suo apprendistato, non solo tecnico, ma anche culturale.

Negli anni successivi inizia un lungo rapporto maestro-allievo con Guido Cadorin, che sarà per lui fondamentale per imparare le tecniche del mestiere. Nel 1964 espone nel Padiglione delle Arti Decorative alla XXXII Biennale d’Arte Contemporanea, aggiudicandosi il Premio del Ministero Industria e Commercio. Nel 1967 consegue la laurea con il massimo dei voti.

Durante gli anni Settanta Soccol si dedica, oltre che alla pittura, anche all’architettura di interni ed alla scenografia, sia per il teatro che per il cinema. Nel 1973 è art director del film Don’t look now per la regia di Nicholas Roeg.

Dalla metà degli anni Ottanta, dopo diverse esperienze nel campo della scenografia che lo vedono impegnato in diversi teatri, tra cui nel 1986 la Royal Opera di Stoccolma,  Soccol decide di concentrarsi unicamente nella pittura, in cui egli riversa la totalità delle esperienze fino allora acquisite.

Le tematiche da lui affrontate nel corso della sua carriera artistica, si possono vedere oggi in questa mostra, 13 opere che trattano i seguenti argomenti:

  • Maree
  • Teatri
  • Labirinti d’invenzione
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Poche opere, ma che mi sono piaciute molto, affascinanti i quadri dei teatri, che ricordano gli anfiteatri della Grecia antica, queste gradinate fatta a forma di semicerchio, vuoto, senza spettatori, senza artisti, ma illuminato dalla luce lunare, che a poco a poco, copre lo stage, e sullo sfondo, un meraviglioso cielo stellato.

Labirinti, costruzioni enigmatiche, che ricordano il famoso labirinto del Minotauro. Dove ci si addentra, non solo alla ricerca dell’uscita, ma anche di se stessi. Lo si percorre, un po alla cieca, ma la visione d’insieme, la soluzione, appare solo se lo si guarda dall’alto.

Maree, la luce esterna, forse la luce lunare, illumina le onde, che si infrangono sul bagnasciuga, e un imponente sfondo alle sue spalle ti colpisce. Al suo centro sembra comparire un pianeta, sembra quasi l’immagine della Terra vista dallo spazio, colpita dai raggi del sole. Un’immagine assolutamente stupenda !

Una mostra semplice, piccola, ma affascinante. Sono dei quadri, che ti soffermi a guardare per lunghi minuti, sembra quasi che li il tempo non esista. La visione di questi quadri ti avvolge, ti invitano a guardare oltre, riempiono i tuoi sensi. Non perdetevi questa mostra, è veramente bellissima !!

Copia di GIOVANNI SOCCOL Linkedin

Tides, theaters and labyrinths

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A new exhibition is visible at the Museum of Ca ‘Pesaro in Venice, titled “GIOVANNI SOCCOL Metamorphosis of reality in myth”. It was inaugurated on January 26, 2019 and will last until April 22nd. The exhibition is located on the second floor and has a number of 13 works.

The artist is called Giovanni Soccol, born in Venice in 1938. He began painting in the early fifties, beginning to attend the workshop of painter Ilse Bernheimer, then the Venetian painter Gennaro Favai. The influence of the techniques, teachings, knowledge, of these artists, who lived between the end of the nineteenth century and the first half of the twentieth century, will be for the young painter a real journey for his apprenticeship, not only technical, but also cultural.

In the following years he began a long master-student relationship with Guido Cadorin, which will be fundamental for him to learn the techniques of the trade. In 1964 he exhibited in the Pavilion of Decorative Arts at the XXXII Biennial of Contemporary Art, winning the Ministry of Industry and Commerce Award. In 1967 he graduated with honors.

During the seventies Soccol is dedicated not only to painting, but also to interior design and set design, both for theater and cinema. In 1973 he was art director of the film Do not look now directed by Nicholas Roeg.

Since the mid-eighties, after several experiences in the field of scenography that sees him engaged in several theaters, including in 1986 the Royal Opera in Stockholm, Soccol decides to focus solely on painting, in which he pours the totality of the experiences acquired since then .

The themes he dealt with during his artistic career can be seen today in this exhibition, 13 works that deal with the following topics:

  • tides
  • Theaters
  • Invention labyrinths
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A few works, but I liked them very much, fascinating the paintings of the theaters, which recall the amphitheater of ancient Greece, these staircases made in the form of a semicircle, empty, without spectators, without artists, but illuminated by the moonlight, that step by step, covers the stage, and in the background, a wonderful starry sky.

Labyrinths, enigmatic buildings, reminiscent of the famous labyrinth of the Minotaur. Where one enters, not only looking for the exit, but also for oneself. You follow it, a little blindly, but the overall vision, the solution, appears only if you look at it from above.

Tides, the external light, perhaps the moonlight, illuminates the waves, which break on the water’s edge, and an impressive background behind  that really impress you. At its center seems to appear a planet, it seems almost the image of the Earth seen from space, hit by the sun’s rays. An absolutely beautiful image!

A simple, small, but fascinating exhibition. They are paintings, that you stop to look for long minutes, it almost seems that time does not exist. The vision of these paintings envelops you, invite you to look beyond, fill your senses. Do not miss this exhibition, it’s really beautiful !!

Copia di GIOVANNI SOCCOL Linkedin

Rovine a Palazzo Fortuny

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A Palazzo Fortuny c’è una nuova mostra che è stata inaugurata il 17 dicembre 2018 e durerà fino al 24 marzo 2019. La mostra si intitola “Futuruins” ed è stata realizzata in collaborazione tra La fondazione Civici musei di Venezia e il Museo Statale Ermitage di S. Pietroburgo.

La mostra con tutti i suoi pezzi, riempie tutti i 3 piani: piano terra, primo piano e secondo piano. Ma di cosa parla ?

Rovine, questo è il tema che viene proposto attraverso le varie opere di molti artisti. Le rovine, che noi pensiamo come ai resti di grandi civiltà decadute, che non esistono più, rovine del passato, eppure, le rovine fanno parte del nostro ciclo temporale. Se ci pensiamo, ogni società, ogni impero della storia, ha prodotto delle rovine. Viene pertanto ovvio pensare: causeremo anche noi a nostra volta, delle rovine, a cui i nostri successori, in un tempo lontano guarderanno con punto interrogativo ?

Rovine, che sono state create da eventi disastrosi o dalla mano dell’uomo.  Si pensi ai primi, ai disastri naturali come è accaduto alla città di Pompei, oppure agli eventi mitologici il diluvio universale, o la distruzione di Sodoma e Gomorra. Mentre per i secondi, basta guardare una foto dell’immane tragedia della distruzione delle torri gemelle di New York o del terremoto di Amatrice.

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Ma in queste terribili immagini, seppure fanno parte della mostra, possiamo dire che non sono rovine, ma cumuli di macerie, e c’è differenza tra questi due termini. Rovine, lascia intendere che c’è qualcosa che ancora è rimasto della costruzione originaria, mentre la seconda, significa che non è rimasto niente.

Ma le macerie sono anche cumuli di pietre, e proprio nelle pietre, troviamo dei riferimenti nelle opere presenti nella mostra. Dai cataclismi che creano rovine, viene poi il tempo della ricostruzione, della rinascita. Dopo il diluvio universale si narra che Deucalione e Pirra danno vita alla nuova umanità, lanciando dietro le spalle delle pietre, che diventano uomini e donne. Altri esempi sulle pietre vengono descritte in questa mostra,  com le immagini di Medusa che con lo sguardo pietrificava le sue vittime, oppure della leggenda di Orfeo ed Euridice, dove il mito narra che quando Orfeo esce dagli inferi, incautamente si volta verso la sua amata che si trasforma in pietra ? Nei tempi antichi si credeva che gli Dei fossero nelle pietre, non fu Afrodite che animò la statua che aveva scolpito Pigmalione, re di Cipro ? Statue, templi,  pietre, rovine…

Molto raramente una mostra mi ha fatto riflettere come questa. Futuruins offre parecchi messaggi su molti livelli, infatti, in fondo al Portego del primo piano, a destra, c’è una sala dove viene proiettato un filmato. Le rovine non sono fatte solo di pietre, ma sono anche dentro di noi, il filmato in questione parla degli hikikomori, che significa in giapponese “stare in disparte, isolarsi”, dalle parole hiku “tirare” e komoru “ritirarsi”) è una parola giapponese usata per descrivere coloro che hanno scelto di ritirarsi dalla vita sociale, spesso cercando livelli estremi di isolamento e confinamento. Tali scelte sono dovute da fattori personali e sociali di varia genere. Tra questi la situazione del contesto familiare in Giappone, marcato dalla mancanza di una figura paterna e da un’eccessiva iperprotettività materna, la grande pressione della società giapponese verso auto-realizzazione e il successo personale, cui l’individuo viene sottoposto fin da giovane. Quindi con l’auto isolamento, stando sempre dentro, e non frequentando mai il mondo esterno, diventiamo noi stessi delle rovine di quello che eravamo un tempo. Tristemente, ormai non è più un fenomeno legato al Giappone. Si registrano casi anche in America e in Europa.

Futuruins è una mostra piena di bellissime stupefacenti opere, ecco alcune che mi sono piaciute un sacco !!

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Un’immagine di Robert Gligorov, intitolato “boom” che assomiglia molto ad un fungo nucleare, ma che molto probabilmente, è una nuvola generata dall’eruzione di un vulcano. La seconda invece è un opera di Giacomo Costa, che si intitola “Acqua n° 10″un’opera che veramente lascia senza fiato ! Sembra di vedere un frammento di un possibile nostro futuro: rovine del nostro mondo, in fondo all’acqua, forse causato dai vari mutamenti climatici, a cui stiamo lentamente andando incontro.

Credetemi, Futuruins, è veramente una mostra molto interessante, non perdetela !

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Ruins at Fortuny Museum in Venice !

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At Palazzo Fortuny there is a new exhibition that was inaugurated on December 17, 2018 and will last until March 24, 2019. The exhibition is titled “Futuruins” and was made in collaboration between The Civic Museums Foundation of Venice and the State Hermitage Museum of St. Petersburg.

The exhibition with all its pieces, fills all 3 floors: ground floor, first floor and second floor. what is it about?

Ruins, this is the theme that is proposed through the various works of many artists. The ruins, which we think of as the remains of great fallen civilizations, which no longer exist; ruins of the past, yet the ruins are part of our time cycle. If we think about it, every society, every empire of history, has produced ruins. It is therefore obvious to think: will we also cause ourselves, in our turn, ruins, to which our successors, in a distant time, will look with a question mark?

Ruins, which were created by disastrous events or by the hand of man. Think of the former, the natural disasters as happened to the city of Pompeii, or the mythological events such as the universal flood, or the destruction of Sodom and Gomorrah. While for the latter, just look at a picture of the huge tragedy of the destruction of the twin towers of New York or the earthquake of Amatrice.

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But in these terrible images, even if they are part of the exhibition, we can say that they are not ruins, but heaps of rubble, and there is a difference between these two terms. Ruins, suggests that there is still something left of the original construction, while the latter means that nothing is left.

But the rubble are heaps of stones, and right in the stones, we find references in the works in this exhibition. From the cataclysms that create ruins, then comes the time of reconstruction, of rebirth. After the universal flood it is said that Deucalione and Pirra gave life to the new humanity, throwing behind the shoulders some stones, which become men and women. Other examples on the stones are described in this exhibition, the many images of Medusa that with her look  petrified her victims, and what about Orpheus and Eurydice, where the myth tells that when Orpheus comes out of the underworld, recklessly turns to his beloved who turns into stone? In ancient times it was believed that the gods were in the stones, it was not Aphrodite that animated the statue that had carved Pygmalion, king of Cyprus? Statues, temples, stones, ruins …

Very rarely an exhibition made me think like this. Futuruins offers several messages on many levels, in fact, near the end of the first floor, on the right, there is a room where a film is projected. The ruins are not made only of stones, but they are also within us, the film in question talks about the hikikomori, which means in Japanese “stand aside, isolate yourself”, from the words hiku “pull” and komoru “withdraw”) is a Japanese word used to describe those who chose to retire from social life, often seeking extreme levels of isolation and confinement. These choices are due to personal and social factors of various kinds. Among these the situation of the family in Japan, marked by the lack of a father figure and excessive maternal overprotectiveness, the great pressure of Japanese society towards self-realization and personal success, to which the individual is subjected from a young age. So with self-isolation, always staying inside, and never dating the outside world, we become ourselves the ruins of what we once were. Sadly, it is no longer a phenomenon related to Japan. Cases are also reported in America and Europe.

Futuruins is an exhibition full of beautiful amazing works, here are some that I liked a lot !!

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An image of Robert Gligorov, entitled “boom” that looks very much like a nuclear mushroom, but most likely, it is a cloud generated by the eruption of a volcano. The second one is a work by Giacomo Costa, which is titled “Acqua n ° 10” a work that truly leaves you breathless! It seems to see a fragment of a possible future: ruins of our world, at the bottom of the water, perhaps caused by the various climate change, which we are slowly going towards.

Believe me, Futuruins, it’s really a very interesting show, do not miss it!

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4444 Acqua e Fuoco

For the english translation, please scroll down the page thank you.

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A Ca’ Rezzonico, museo del settecento veneziano, approda una nuova mostra, dal titolo “4444 Acqua e Fuoco”. Una mostra realizzata in collaborazione tra il Consiglio Regionale del Veneto e la Fondazione Musei Civici di Venezia.

Le opere dei due scultori Marco Martalar e Toni Venzo, sono distribuite non solo nella sala del Portego al primo piano di Ca’ Rezzonico e nel l’androne del piano terra, ma anche a Palazzo Ferro Fini. Io vi parlerò delle opere presenti a Ca Rezzonico.

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Le opere sono disposte a coppie nel salone del portego al primo piano, da una parte ci sono le opere in legno chiaro che rappresentano l’acqua, mentre quelle sull’altro lato, in legno scuro rappresentano il fuoco. A piano terra, invece vengono rappresentate le zattere, che percorso la via d’acqua, arrivano a Venezia, proprio come una volta accadeva con il legno.

Questa mostra al suo interno, coglie diversi messaggi su diversi livelli. In primis, questa mostra è un omaggio alla natura, a quei boschi vittime del disastro naturale di fine ottobre e novembre scorso, più di 100 mila ettari di bosco che sono stati spazzati via dal maltempo. Un messaggio che ci ricorda la nostra fragilità, e di quanto sia importante il legame che unisce l’uomo al suo ambiente.

Le sculture in legno chiaro, presentano delle linee che ricordano le onde del mare, ognuna diversa dall’altra, e ci mostra, come una volta il legno veniva trasportato a valle. In questo caso un viaggio dall’altopiano dei sette comuni e il territorio della valle del brenta, due territori legati fin dai tempi antichi dai 4444 scalini della Calà del Sasso, la gradinata più lunga d’Italia, (che da il nome a questa mostra), un opera architettonica straordinaria, fu’ costruita alla fine del XIVº secolo per poter condurre il legname da Asiago a Valstagna in modo alternativo e non da Gallio e Foza, paesi che pretendevano delle tasse pesanti.

Quando si attraversa la sala del portego, in mezzo alle coppie di opere, si ha l’impressione di camminare in un viale alberato, che fanno pensare ai due elementi opposti: Ying e Yang

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Luce e oscurità, bianco e nero, acqua e fuoco. anche se a dirla tutta, sono presenti tutti gli elementi della natura in queste opere: legno, acqua, fuoco, aria. E’ una mostra molto suggestiva, io sono rimasto particolarmente impressionato dalla bravura che lo scultore ha usato nel scolpire le opere col legno bruciato. E’ una tecnica non facile, e che non avevo mai visto prima.

Ca’ Rezzonico non smette mai di stupirti, quando pensi di aver visto tutto, ecco che ti propone qualcosa di nuovo ! Invito tutti a venire a vedere questa mostra, vi offrirà una visione, e una prospettiva un po diversa ! Vi aspettiamo !!

4444  Water and fire at Ca’ Rezzonico Museum !

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At Ca ‘Rezzonico, a museum of the eighteenth century in Venice, a new exhibition has arrived, entitled “4444 Water and Fire”. An exhibition created in collaboration between the Veneto Regional Council and the Venice Civic Museums Foundation.

The works of the two sculptors Marco Martalar and Toni Venzo are distributed not only in the Portego room on the first floor of Ca ‘Rezzonico and in the entrance hall on the ground floor, but also in Palazzo Ferro Fini. I will speak to you about the works in Ca Rezzonico.

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The works are arranged in pairs in the salon of the portego on the first floor, on one side there are the light wood works which represent the water, while those on the other side, in dark wood represent the fire. On the ground floor, instead, are represented the rafts, which along the waterway, arrive in Venice, just as once happened with wood.

This exhibition inside, captures different messages on different levels. First of all, this exhibition is a tribute to nature, to those woods, fallen victims of the natural disaster of late October and November, more than 100 thousand hectares of forest that have been swept away by the bad weather. A message that reminds us of our fragility, and how important is the bond that unites man with the environment.

The sculptures in light wood, have lines that recall the waves of the sea, each one different from the other, and shows us, as once the wood was transported downstream. In this case, a trip from the plateau of the seven municipalities and the territory of the Brenta valley, two territories linked since ancient times by the 4444 steps of the Calà del Sasso, the longest steps in Italy, (which gives the name to this exhibition ), an extraordinary architectural work, which was built at the end of the 14th century to bring down the trees from Asiago to Valstagna in an alternative way, and not from Gallio and Foza,  because those countries demanded heavy taxes at that time.

When you cross the portego hall, between the pairs of works, you have the feeling of walking in a tree-lined avenue, which suggests the two opposite elements: Ying and Yang

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Light and darkness, black and white, water and fire. even if to me, there are all the elements of nature in these works: wood, water, fire, air. It ‘a very incredible exhibition, I was particularly impressed by the skill that the artist used in sculpting the works with burnt wood. It is not an easy technique, and I had never seen it before.

Ca ‘Rezzonico never ceases to amaze you, when you think you have seen everything, here it offers you something new! I invite everyone to come and see this exhibition, it will offer you a vision, and a somewhat different perspective! We are waiting for you !!