Attenzione, Amanti del Bello! Questa È la Mostra che Non Potete Perdere!
Ragazzi, preparatevi a segnare la data in rosso sul calendario, perché c’è un evento a Venezia che farà storia. Dimenticatevi tutto il resto: al Museo di Palazzo Mocenigo è arrivata “IL KIMONO MASCHILE. Trame di vita, racconti di stile”, e lo dico senza mezzi termini: questa sarà la mostra più bella di sempre! Dal 5 dicembre 2025 al 4 aprile 2026, ci aspetta un viaggio pazzesco nel cuore del Giappone del primo Novecento. Non parlo di kimono qualsiasi, ma di quelli da uomo, che hanno un fascino tutto loro.
Il Segreto Nascosto del Kimono
Questi abiti, esternamente sobri, quasi seriosi (l’eleganza vera non ha bisogno di urlare, no?), nascondono un mondo intero all’interno. È come un segreto, una storia sussurrata che vedi solo tu quando togli la giacca. Ero letteralmente ipnotizzato dai disegni! Ad esempio, scoprire quel kimono che raffigura il maestoso Monte Fuji nascosto nella fodera è un’emozione incredibile. Ogni pezzo è una narrazione intessuta, un piccolo manuale d’arte, storia e vita giapponese, che ti regala una piccola, ma intensa visione di un Giappone incredibilmente affascinante e inaspettato. Non è solo moda, è arte applicata, è poesia!
Quando le curatrici sono un Dream Team
Ma la cosa più cool è come è nato questo progetto. Non è una mostra improvvisata, ma il risultato di un vero e proprio dream team di donne super competenti che hanno messo insieme i pezzi con una passione contagiosa.
È possibile ammirare questa meraviglia grazie alla collaborazione straordinaria tra:
La Dott.ssa Chiara Squarcina (Direttrice Scientifica di Palazzo Mocenigo), che ha dato il via a questa incredibile avventura.
La Prof.ssa Silvia Vesco (Università Ca’ Foscari), che ci ha messo tutto il suo sapere sulla storia dell’arte giapponese.
La Dott.ssa Lydia Manavello, la fine conoscitrice che ha aperto i forzieri della sua strepitosa collezione privata di kimono. È il suo tesoro che ora possiamo ammirare!
La Dott.ssa Marta Boscolo Marchi (Direttrice del Museo d’Arte Orientale di Venezia), che ha avuto l’idea geniale di far “parlare” i kimono con le opere del suo museo, come le affascinanti katane che ho adorato! Mettere insieme l’arte tessile e l’acciaio di queste spade in un dialogo così raffinato è stata una mossa da maestro.
Insomma, il livello è altissimo e l’entusiasmo è alle stelle! Correte al Museo di Palazzo Mocenigo: è un’immersione nella cultura e nello stile che vi lascerà a bocca aperta. Non dite che non vi avevo avvisato!
“Warning: The Male Kimono in Venice is the Most Beautiful Exhibition Ever!”
Attention, Beauty Lovers! This Is the Exhibition You Can’t Miss!
Guys, get ready to circle the date on your calendar in bright red, because there is an event in Venice that is going to be historic. Forget everything else: “THE MALE KIMONO. Threads of Life, Tales of Style” has arrived at the Museo di Palazzo Mocenigo, and I’m telling you straight up: this will be the most beautiful exhibition ever! From December 5, 2025, to April 4, 2026, an amazing journey into the heart of early 20th-century Japan awaits us. I’m not talking about just any kimono, but the men’s ones, which have a unique fascination all their own.
The Kimono’s Hidden Secret
These garments, externally sober, almost serious (true elegance doesn’t need to shout, right?), hide a whole world inside. It’s like a secret, a whispered story that only you see when you take the jacket off. I was literally mesmerized by the designs! For example, discovering that kimono featuring the majestic Mount Fuji hidden in the lining is an incredible thrill! Every piece is a woven narrative, a little manual of art, history, and Japanese life, offering a small, yet intense vision of a Japan that is both incredibly fascinating and unexpected. It’s not just fashion—it’s applied art, it’s poetry!
When Curatorship is a Dream Team
But the coolest thing is how this project came to life. This isn’t some rushed exhibition; it’s the result of a genuine dream team of super-competent women who brought the pieces together with contagious passion.
It is possible to admire this wonder thanks to the extraordinary collaboration between:
Dr. Chiara Squarcina (Scientific Director of Palazzo Mocenigo), who initiated this incredible adventure.
Prof. Silvia Vesco (Ca’ Foscari University), who brought all her expertise in the history of Japanese art.
Dr. Lydia Manavello, the fine connoisseur who opened the treasure chest of her amazing private kimono collection. Her treasure is what we get to admire now!
Dr. Marta Boscolo Marchi (Director of the Oriental Art Museum of Venice – MAOV), who had the brilliant idea of making the kimonos “speak” to the works in her museum, like the fascinating katanas that I personally loved! Bringing together textile art and the steel of these swords in such a refined dialogue was a masterstroke.
Seriously, the standard is sky-high and the excitement is off the charts! Run to the Museo di Palazzo Mocenigo: it’s an immersion into culture and style that will leave you speechless! Don’t say I didn’t warn you!
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Che tu sia un appassionato di moda, un inguaribile sognatore o semplicemente alla ricerca di un’ispirazione che ti faccia guardare avanti, preparati a saltare il presente.
Dimentica il Presente: Le Scarpe del Futuro Sono a Venezia! 🚀
Vi porto in un luogo dove la storia e l’avanguardia si fondono in modo spettacolare. A Palazzo Mocenigo, la splendida sede del Centro Studi di Storia del Tessuto e del Costume a Venezia, è in corso una mostra che ti lascerà a bocca aperta: “QUANTUM STEP: Skip the present”. Ma attenzione, non si tratta della solita esposizione! Questa è un’esplosione di creatività, una vera e propria visione firmata dai talentuosissimi studenti del Politecnico Calzaturiero di Vigonza, nata dalla preziosa collaborazione con la Fondazione Musei Civici di Venezia. Siamo al piano terra, pronti a immergerci nel futuro del fashion.
La Nuova Geometria del Desiderio
Il tema? Niente di meno che il futuro della calzatura. Questi ragazzi non hanno semplicemente disegnato scarpe; hanno esplorato concetti astratti—dall’Intelligenza Artificiale alla Teoria del Caos (il celebre Butterfly Effect), dallo Spazio profondo al dinamismo urbano. Le loro creazioni sono il risultato di una ricerca appassionata su materiali, forme e tecnologie che non temono di osare. E il risultato? Calzature che sono pura visione. Pensate a stivali ispirati all’eleganza aerodinamica delle concept car come le Artemisia, o sandali che sembrano usciti da un’epopea spaziale come Future in the Space, con borchie che rievocano bulloni da astronauta. C’è chi ha trasformato il caos in opportunità con ZAPHYRA e chi ha abbracciato la trasparenza come dichiarazione di verità con UNCAGED 22, dimostrando che la vulnerabilità è una forma di forza. Queste scarpe non sono solo accessori; sono manifesti che urlano coraggio, innovazione e consapevolezza.
Oltre la Moda: Un Oggetto che Cattura lo Sguardo
E fidatevi, l’esposizione è la parte che ti rapisce di più. Queste scarpe di “QUANTUM STEP” non sono solo prototipi, sono oggetti del desiderio puro, quelli che devi avere. Se le indossi (un giorno, incrociamo le dita!), saranno la tua armatura, il passo consapevole verso una te futura, più audace e senza filtri. Sono il tuo Quantum Step personale verso una vita nuova, piena di carica. Ma la cosa bella è che affascinano tutti, anche chi le guarda e basta. Le linee aggressive, i volumi inaspettati, quell’aria da ingegneria futuristica… esercitano un fascino pazzesco, un magnetismo che ti costringe a fermarti. Sono piccole opere d’arte che stimolano l’immaginazione e diventano subito il punto focale, icone di stile e potere che catturano lo sguardo di chiunque, uomo o donna che sia.
Vivi il Futuro, Adesso!
L’emozione e l’artigianalità che traspaiono da ogni prototipo sono palpabili. Questi giovani designer ci ricordano che il futuro non è qualcosa che subiamo, ma che costruiamo con ogni nostra scelta, con ogni passo (come recita il concept del BUTTERFLY EFFECT: Every step is a choice. Every choice creates the future.). Non perdere l’occasione di visitare questa incredibile mostra a Palazzo Mocenigo. È un viaggio entusiasmante, un’iniezione di fiducia nel talento italiano e uno sguardo privilegiato su cosa potremmo indossare domani. Prenditi il tuo momento, salta il presente e fai il tuo Quantum Step nel futuro della moda! Vieni a Palazzo Mocenigo !!
From Chaos Theory to the Stiletto Heel: The Students Who Have (Re)Designed the Future of Fashion.
Forget the Present: The Shoes of the Future are in Venice! 🚀
Whether you are a fashion enthusiast, an incurable dreamer, or simply looking for inspiration that makes you look ahead, get ready to skip the present. I’m taking you to a place where history and the avant-garde merge in a spectacular way. At Palazzo Mocenigo, the splendid home of the Centre for the Study of the History of Textiles and Costume in Venice, an exhibition is taking place that will leave you speechless: “QUANTUM STEP: Skip the present”. But be warned, this is not just any exhibition! This is an explosion of creativity, a true vision signed by the highly talented students of the Politecnico Calzaturiero di Vigonza, born from the valuable collaboration with the Fondazione Musei Civici di Venezia. We are on the ground floor, ready to immerse ourselves in the future of fashion.
The New Geometry of Desire
The theme? Nothing less than the future of footwear. These young people haven’t just designed shoes; they have explored abstract concepts—from Artificial Intelligence to the Theory of Chaos (the famous Butterfly Effect), from deep Space to urban dynamism. Their creations are the result of passionate research into materials, shapes, and technologies that are not afraid to dare. And the result? Footwear that is pure vision. Think of boots inspired by the aerodynamic elegance of concept cars like Artemisia, or sandals that look like they came out of a space epic like Future in the Space, with studs recalling astronaut bolts. Some have transformed chaos into opportunity with ZAPHYRA, and others have embraced transparency as a declaration of truth with UNCAGED 22, proving that vulnerability is a form of strength. These shoes are not just accessories; they are manifestos that shout courage, innovation, and consciousness.
Beyond Fashion: An Object That Captures the Eye
And trust me, the exhibition is the part that completely captures you. These “QUANTUM STEP” shoes aren’t just prototypes; they are pure objects of desire, the kind you have to own. If you wear them (one day, fingers crossed!), they will be your armour, the conscious step towards a future you—bolder and without filters. They are your personal Quantum Step toward a new, charged-up life. But the cool thing is they mesmerize everyone, even those who just look. The aggressive lines, the unexpected volumes, that air of futuristic engineering… they exert an amazing pull, a magnetism that forces you to stop. They are small works of art that stimulate the imagination and instantly become the focal point, icons of style and power that capture the gaze of everyone, man or woman alike.
Live the Future, Now!
The emotion and craftsmanship that shine through in every prototype are palpable. These young designers remind us that the future is not something we endure, but something we build with our every choice, with every step (as the concept of the BUTTERFLY EFFECT states: Every step is a choice. Every choice creates the future.). Don’t miss the chance to visit this incredible exhibition at Palazzo Mocenigo. It is an exciting journey, an injection of confidence in Italian talent, and a privileged glimpse into what we might be wearing tomorrow. Take your moment, skip the present, and take your own Quantum Step into the future of fashion! Come to visit Mocenigo Palace !!
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Amici, fermi tutti! C’è una mostra a Venezia che, credetemi, dovete assolutamente segnarvi in agenda. Se anche voi, come me, passate le giornate a fare tap-tap-tap sulla tastiera, relegando la penna a mero strumento per firmare ricevute o scarabocchiare la lista della spesa, preparatevi a riscoprire una magia che pensavamo perduta. Parlo di “CARATTERI. Calligrafia e tipografia: Corea del Sud e Stati Uniti” al magnifico Museo Correr, un appuntamento che non è solo un evento culturale, ma una vera e propria dichiarazione d’amore per il segno scritto a mano.
La Malattia della Dattilografia
Diciamocelo chiaramente: in un mondo dominato da WhatsApp, dalle email fredde e dai font standardizzati, la nostra calligrafia è diventata un lontano, quasi imbarazzante, ricordo. La “bella scrittura” è un concetto da museo. E chi si ricorda dei grafologi? Una volta, quegli esperti potevano svelarti l’anima, le paure e i talenti di una persona semplicemente guardando come tracciava una “g” o incrociava una “t”. Il tratto era il carattere. Oggi, chi siamo lo decide un emoji o l’algoritmo del correttore automatico. Abbiamo perso un pezzo fondamentale della nostra identità, l’espressione più intima e umana: il segno che lasciamo sul mondo.
“CARATTERI”: Quando la Scrittura Diventa Arte, Gesto e Meditazione
Ed è qui che l’esposizione al Correr ci risveglia! Fino all’11 gennaio 2026, la mostra ci sbatte in faccia la potenza e la bellezza del “carattere”, inteso sia come lettera che come personalità. Il cuore dell’esposizione è un dialogo sorprendente e affascinante tra due mondi solo apparentemente distanti: l’alfabeto coreano Hangeul e il nostro alfabeto latino. Pensateci: gli artisti coreani Kim Doo Kyung e Kang Byung-In non scrivono, dipingono l’Hangeul, trasformandolo in un gesto quasi spirituale, meditativo, dove vocali e consonanti diventano veicoli di emozioni e concetti cosmologici. Non è solo scrittura; è mente, respiro e arte in un unico segno. Dall’altra parte, il mondo occidentale è rappresentato da due maestri: Thomas Ingmire, che rinnova la nostra tradizione calligrafica esplorando il dialogo tra poesia e forma grafica, e l’esplosivo Amos Paul Kennedy jr., che usa la forza d’impatto della tipografia per lanciare messaggi sociali incisivi, trasformando la parola stampata in uno strumento collettivo di lotta per i diritti civili.
Un Ponte tra il Rinascimento e il Digitale
La cosa più incredibile è il confronto storico: la mostra mette a confronto questi artisti contemporanei con antichi documenti della Biblioteca del Museo, stabilendo un ponte tra il moderno Hangeul (sviluppato nel XV secolo per rendere la scrittura accessibile a tutti) e la nostra scrittura umanistica del Rinascimento, nata da precisi intenti culturali. È un viaggio che ci fa riflettere: dal monaco che tracciava la sua fede sulla pergamena, all’artista coreano che pratica la calligrafia come meditazione, fino a noi che, con un gesto del pollice, mandiamo un messaggio istantaneo. “CARATTERI” ci ricorda che, prima di essere un messaggio spedito, la parola è un gesto. È un’impronta unica, irripetibile. È l’ultima vera, bellissima, irrinunciabile traccia della nostra umanità. Se vi trovate a Venezia, fatevi un favore: andate al Museo Correr, entrate nella Sala delle Quattro Porte e lasciatevi travolgere da questa ode al segno. Magari, quando uscirete, avrete di nuovo voglia di prendere in mano una penna vera e di scrivere, anche solo una riga, ma con l’anima.
Dettagli Utili
Cosa: “CARATTERI. Calligrafia e tipografia: Corea del Sud e Stati Uniti”
Dove: Museo Correr, Sala delle Quattro Porte, Venezia
Quando: Dall’8 novembre 2025 all’11 gennaio 2026
Stop the Keyboards! The Correr Museum Reawakens the Magic of Handwriting
✍️ The Lost Art of the Line: Why the “CHARACTERS” Exhibition at Museo Correr is a Must-See
Friends, stop what you’re doing! There is an exhibition in Venice that, believe me, you absolutely must pencil into your schedule. If you, like me, spend your days tap-tap-tapping on a keyboard, relegating the pen to a mere tool for signing receipts or scribbling a grocery list, get ready to rediscover a magic we thought was lost. I’m talking about “CHARACTERS (CARATTERI). Calligraphy and Typography: South Korea and the United States” at the magnificent Museo Correr. This is not just a cultural event; it’s a genuine declaration of love for the handwritten mark.
The Typing Epidemic
Let’s be honest: in a world dominated by WhatsApp, cold emails, and standardized fonts, our handwriting has become a distant, almost embarrassing, memory. “Beautiful script” is a museum concept. And who even remembers graphologists? Those experts once claimed they could reveal a person’s soul, fears, and talents simply by looking at how they traced a “g” or crossed a “t.” The stroke was the character. Today, who we are is decided by an emoji or the algorithm of the spell checker. We have lost a fundamental piece of our identity, the most intimate and human expression: the mark we leave on the world.
“CHARACTERS”: When Writing Becomes Art, Gesture, and Meditation
And this is where the Correr exhibition wakes us up! Running until January 11, 2026, the show highlights the power and beauty of the “character,” understood both as a letter and as personality. The heart of the exhibition is a surprising and fascinating dialogue between two seemingly distant worlds: the Korean alphabet Hangeul and our Latin alphabet. Think about it: Korean artists Kim Doo Kyung and Kang Byung-In don’t just write—they paint Hangeul, transforming it into an almost spiritual, meditative gesture, where vowels and consonants become vehicles for emotions and cosmological concepts. It is not just writing; it is mind, breath, and art in a single stroke. On the Western side, the world is represented by two masters: Thomas Ingmire, who renews our calligraphic tradition by exploring the dialogue between poetry and graphic form, and the explosive Amos Paul Kennedy Jr., who uses the high-impact force of typography to launch incisive social messages, transforming the printed word into a collective tool for civil rights advocacy.
A Bridge Between the Renaissance and the Digital Age
The most incredible thing is the historical comparison: the exhibition juxtaposes these contemporary artists with ancient documents from the Museum’s Library, establishing a bridge between modern Hangeul (developed in the 15th century to make writing accessible to all) and our Renaissance humanist script, born from precise cultural intentions. It’s a journey that makes us reflect: from the monk tracing his faith onto parchment, to the Korean artist practicing calligraphy as meditation, right up to us sending an instant message with a flick of the thumb. “CHARACTERS” reminds us that before being a message sent, the word is a gesture. It is a unique, unrepeatable imprint. It is the last true, beautiful, indispensable trace of our humanity. If you find yourself in Venice, do yourself a favor: go to the Museo Correr, step into the Sala delle Quattro Porte, and let this ode to the sign wash over you. Maybe, when you leave, you’ll once again feel the urge to pick up a real pen and write, even just a line, but with your soul.
Useful Details
What: “CHARACTERS (CARATTERI). Calligraphy and Typography: South Korea and the United States”
Where: Museo Correr, Sala delle Quattro Porte, Venice
Questo articolo è scritto in Italiano, in Inglese e in Francese, per la traduzione, si prega di scorrere in basso
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La Rinascita Culturale di Venezia: Galleria Bartoux e la Scelta Illuminata di Lorenza Lain
Mentre alcune voci critiche sembrano aver accolto con scetticismo l’arrivo della Galleria Bartoux nel cuore pulsante di Venezia, è fondamentale ristabilire la prospettiva e celebrare l’apertura di un nuovo, dinamico polo culturale, guidato da una figura di ineguagliabile spessore e visione: Lorenza Lain. La sua nomina a direttrice non è solo una scelta eccellente, ma il segnale di un’ambizione che intende fondere l’eccellenza globale dell’arte con il tessuto storico e culturale della Serenissima.
Una Direttrice con Visione e Sostanza
Lorenza Lain porta in dote alla Galleria Bartoux un patrimonio di esperienza e competenza che la rende la persona ideale per questo incarico. Laureata in Lingue e Letterature Orientali con un Dottorato di Ricerca in Arte Contemporanea Cinese, la sua formazione unisce una solida base umanistica a una profonda conoscenza del mercato e della gestione d’impresa. Questa duplice anima è stata il segreto del suo successo in quasi 18 anni come Direttore Generale del prestigioso Ca’ Sagredo Hotel.
Il suo impegno per l’arte e la cultura non si limita all’ospitalità di lusso. Dal 2018, Lain è stata nominata nel Consiglio di Amministrazione della Fondazione Musei Civici di Venezia (MUVE), un ruolo che sottolinea la sua dedizione nel valorizzare il grande patrimonio cittadino e nel promuovere un turismo selettivo e legato alla cultura. La sua visione è sempre stata quella di trasformare i luoghi in veri e propri centri di creatività e dialogo.
L’Eredità Culturale di Ca’ Sagredo
Sotto la sua guida, il Ca’ Sagredo Hotel è fiorito in un autentico laboratorio culturale. Lontana dall’essere un semplice albergo, la struttura è diventata un palcoscenico per eventi di alto profilo: ha ospitato convegni, concerti e drammi di Shakespeare, oltre ad aver promosso il Christmas Art Market e aver facilitato il Premio Kinéo (dedicato al cinema), diventandone di fatto la “casa”. La direttrice Lain ha persino organizzato seminari dedicati al mercato cinese per gli hotel di lusso, dimostrando la sua capacità di innovare anche nel settore turistico.
L’apice di questa sensibilità artistica e gestionale si è manifestato con il progetto speciale del 2017/2018: l’installazione monumentale di Lorenzo Quinn, “Support”. Le gigantesche mani che emergevano dal Canal Grande, un’opera d’arte che esaltava la fragilità e la bellezza di Venezia, è stata definita “l’opera d’arte più fotografata al mondo” in occasione della Biennale d’Arte. Questo progetto, nato dalla sua iniziativa, non solo ha portato un dibattito globale a Venezia, ma ha anche elevato Ca’ Sagredo a simbolo di creatività culturale.
Bartoux e il Futuro dell’Arte in Città
Il passaggio di Lorenza Lain ai vertici della Galleria Bartoux è un vibrante punto di svolta. Lain ha già delineato il futuro dello spazio, rivelando l’intenzione di dar vita a un luogo dedicato ad “Arte, cinema, giardino aperto alla città”. Questo annuncio è un segnale forte del suo intento di abbattere le barriere, rendendo la galleria un elemento vitale e accessibile, profondamente intrecciato con la quotidianità e la ricchezza culturale di Venezia.
Affidare la direzione di un nuovo spazio espositivo a una figura che ha dimostrato un talento unico nel coniugare Arte, Management e promozione culturale su scala internazionale è una mossa vincente. Lorenza Lain è la garanzia che la Galleria Bartoux non sarà solo un punto vendita, ma un nuovo e vitale snodo per l’arte contemporanea, destinato a portare lustro e a contribuire positivamente alla scena culturale di Venezia. L’arte ha trovato la sua guida più capace.
The Cultural Rebirth of Venice: Bartoux Gallery and Lorenza Lain’s Enlightened Choice
While some critics seem to have greeted the arrival of the Galleria Bartoux in the beating heart of Venice with skepticism, it is essential to reestablish perspective and celebrate the opening of a new, dynamic cultural hub, led by a figure of unparalleled depth and vision: Lorenza Lain. Her appointment as director is not only an excellent choice, but also a sign of an ambition to blend the global excellence of art with the historical and cultural fabric of the Serenissima.
A Director with Vision and Substance
Lorenza Lain brings a wealth of experience and expertise to the Bartoux Gallery, making her the ideal candidate for this role. With a degree in Oriental Languages and Literature and a PhD in Contemporary Chinese Art, her education combines a solid humanistic foundation with a deep understanding of the market and business management. This dual spirit has been the secret to her success during nearly 18 years as General Manager of the prestigious Ca’ Sagredo Hotel.
Her commitment to art and culture extends beyond luxury hospitality. Since 2018, Lain has been a member of the Board of Directors of the Fondazione Musei Civici di Venezia (MUVE), a role that underscores her dedication to enhancing the city’s rich heritage and promoting selective, culture-focused tourism. His vision has always been to transform places into true centers of creativity and dialogue.
The Cultural Heritage of Ca’ Sagredo
Under his leadership, the Ca’ Sagredo Hotel has blossomed into a true cultural laboratory. Far from being a simple hotel, the structure has become a stage for high-profile events: it has hosted conferences, concerts, and Shakespeare plays, as well as promoting the Christmas Art Market and facilitating the Kinéo Prize (dedicated to cinema), effectively becoming its “home.” Director Lain even organized seminars dedicated to the Chinese market for luxury hotels, demonstrating her ability to innovate in the tourism sector as well.
The pinnacle of this artistic and managerial sensitivity was manifested in the 2017/2018 special project: Lorenzo Quinn’s monumental installation, “Support.” The gigantic hands emerging from the Grand Canal, a work of art that extolled the fragility and beauty of Venice, was called “the most photographed work of art in the world” at the Venice Art Biennale. This project, born of her initiative, not only brought a global debate to Venice but also elevated Ca’ Sagredo to a symbol of cultural creativity.
Bartoux and the Future of Art in the City
Lorenza Lain’s transition to the helm of Galleria Bartoux is a vibrant turning point. Lain has already outlined the space’s future, revealing her intention to create a space dedicated to “Art, cinema, and a garden open to the city.” This announcement is a strong signal of her intent to break down barriers, making the gallery a vital and accessible element, deeply intertwined with the daily life and cultural richness of Venice.
Entrusting the direction of a new exhibition space to someone who has demonstrated a unique talent for combining art, management, and cultural promotion on an international scale is a winning move. Lorenza Lain is the guarantee that the Galleria Bartoux will not just be a retail outlet, but a newA new and vital hub for contemporary art, destined to bring prestige and a positive contribution to Venice’s cultural scene. Art has found its most capable guide.
La renaissance culturelle de Venise : la Galerie Bartoux et le choix éclairé de Lorenza Lain
Si certains critiques semblent avoir accueilli avec scepticisme l’arrivée de la Galleria Bartoux au cœur même de Venise, il est essentiel de relativiser et de célébrer l’ouverture d’un nouveau pôle culturel dynamique, porté par une figure d’une profondeur et d’une vision sans pareilles : Lorenza Lain. Sa nomination à la direction est non seulement un excellent choix, mais témoigne également de l’ambition d’allier l’excellence artistique mondiale au tissu historique et culturel de la Sérénissime.
Une directrice visionnaire et concrète
Lorenza Lain apporte à la Galerie Bartoux sa riche expérience et son expertise, faisant d’elle la candidate idéale pour ce poste. Diplômée en langues et littératures orientales et titulaire d’un doctorat en art contemporain chinois, sa formation allie de solides bases humanistes à une compréhension approfondie du marché et de la gestion d’entreprise. Cette double orientation a été le secret de sa réussite pendant près de 18 ans à la tête du prestigieux hôtel Ca’ Sagredo.
Son engagement pour l’art et la culture va au-delà de l’hôtellerie de luxe. Depuis 2018, Lain est membre du conseil d’administration de la Fondazione Musei Civici di Venezia (MUVE), un rôle qui souligne son engagement à valoriser le riche patrimoine de la ville et à promouvoir un tourisme sélectif et culturel. Sa vision a toujours été de transformer les lieux en véritables centres de créativité et de dialogue.
Le patrimoine culturel de Ca’ Sagredo
Sous sa direction, l’hôtel Ca’ Sagredo est devenu un véritable laboratoire culturel. Loin d’être un simple hôtel, la structure est devenue le théâtre d’événements prestigieux : elle a accueilli des conférences, des concerts et des pièces de Shakespeare, a également promu le Marché de l’art de Noël et a organisé le Prix Kinéo (consacré au cinéma), devenant ainsi son véritable « foyer ». La directrice Lain a même organisé des séminaires dédiés au marché chinois pour l’hôtellerie de luxe, démontrant ainsi sa capacité d’innovation dans le secteur du tourisme.
L’apogée de cette sensibilité artistique et managériale s’est manifestée dans le projet spécial 2017/2018 : l’installation monumentale « Support » de Lorenzo Quinn. Les mains gigantesques émergeant du Grand Canal, œuvre d’art qui exaltait la fragilité et la beauté de Venise, ont été qualifiées d’« œuvre d’art la plus photographiée au monde » à la Biennale d’art de Venise. Ce projet, né de son initiative, a non seulement suscité un débat mondial à Venise, mais a également élevé Ca’ Sagredo au rang de symbole de créativité culturelle.
Bartoux et l’avenir de l’art dans la ville
L’arrivée de Lorenza Lain à la tête de la Galleria Bartoux marque un tournant décisif. Lorenza Lain a déjà esquissé l’avenir de l’espace, révélant son intention de créer un espace dédié à « l’art, le cinéma et un jardin ouvert sur la ville ». Cette annonce est un signal fort de sa volonté de décloisonner la galerie et de faire de celle-ci un élément essentiel et accessible, profondément ancré dans la vie quotidienne et la richesse culturelle de Venise.
Confier la direction d’un nouvel espace d’exposition à une personne ayant démontré un talent unique pour allier art, gestion et promotion culturelle à l’échelle internationale est une décision gagnante. Lorenza Lain est la garantie que la Galleria Bartoux ne sera pas seulement un point de vente, mais un nouveau lieu de rencontre.Un nouveau pôle vital pour l’art contemporain, destiné à apporter prestige et contribution positive à la scène culturelle vénitienne. L’art a trouvé son guide le plus compétent.
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🕰️ L’Orologio Liquefatto di Dalí: Un Tesoro a Venezia che Ti Fa Rivedere il Tempo
Ehi, immaginate di passeggiare per Venezia, magari con un cicchetto in mano, e di imbattervi in qualcosa di completamente folle e bellissimo. Non sto parlando di un gondoliere che canta l’opera, ma di un’opera d’arte che sembra uscita direttamente da un sogno: l’iconico “Orologio Molle” di Salvador Dalí. Proprio lì, nella sofisticata Galleria Bartoux di Venezia, potrete vedere questa scultura, che non è solo bronzo lucidato, ma un vero e proprio promemoria che il tempo non è affatto come crediamo.
Quando l’Arte Prende Vita da un Formaggio Che Cola!
Quella scultura, che sembra un orologio che si è sciolto al sole (e ha una corona in cima, per la sua regalità), è il simbolo del genio eccentrico di Dalí. Lui è quello che, con i suoi baffi arricciati, ha reso il Surrealismo un fenomeno mondiale. Tutto è nato nel 1931, quando Dalí stava mangiando un pezzo di Camembert che si stava liquefacendo sul tavolo. Quell’immagine banale gli diede l’illuminazione per creare il suo dipinto più famoso, La persistenza della memoria. L’orologio fuso dice una cosa semplice, ma rivoluzionaria: il tempo non è rigido e misurabile, ma fluido, quasi appiccicoso. Avete presente quando siete in vacanza con gli amici? Le ore volano via! E quando siete in coda alla Posta? Sembra di invecchiare lì. L’Orologio Molle è la rappresentazione fisica di questa sensazione: il tempo è elastico e si modella sui nostri sentimenti.
Il Legame con Einstein: Non Serve una Laurea in Fisica!
Ok, so che sentendo “Einstein” e “tempo” pensate subito a formule complicate. Ma il legame è più intuitivo di quanto sembri.
Cosa c’entra un artista spagnolo con un fisico tedesco?
Einstein, con la sua Teoria della Relatività, ci ha detto che l’universo è strano: il tempo non è uguale per tutti. Se viaggiate a velocità pazzesche, il tempo per voi scorre più lentamente che per chi è fermo sulla Terra.
In pratica:
Einstein (Scienziato): Il tempo cambia a seconda della velocità dell’osservatore (è relativo).
Dalí (Artista): Il tempo cambia a seconda dello stato d’animo dell’osservatore (è soggettivo).
Dalí, pur non avendo creato la sua opera con in mente un calcolo matematico, ha visualizzato perfettamente lo stesso concetto: la nostra percezione della realtà, e del tempo stesso, non è fissa! Guardando la sua scultura, vediamo un’ora che si sta letteralmente piegando, proprio come lo spazio-tempo fa nell’universo di Einstein. È la fisica del sogno tradotta in metallo.
Ricordati Che Non Torna: Il Valore del Tempo Prezioso
Questa scultura è molto più di un bel pezzo d’arte; è un wake-up call. Quando vedete quell’orologio che sta colando, vi ricorda che il tempo scivola via. Dalí usa la forma per trasmetterci un messaggio cruciale sul tempo come risorsa preziosa.
Pensateci bene: in un mondo dove siamo ossessionati dalla velocità, Dalí ci dice “Rallenta, o almeno, senti come scorre il tuo tempo personale”.
È fuggevole: Non possiamo afferrarlo, proprio come l’orologio non ha una forma definita e stabile.
È memoria: L’orologio si “fonde” e si deforma, ma i numeri restano. Ciò che conta non è la lancetta che avanza, ma le esperienze che si imprimono nella nostra memoria.
È vita: L’essere umano cerca di imbrigliare il tempo (con agende, appuntamenti, orari), ma Dalí ci spinge ad accettarne la sua natura liquida e imprevedibile.
La prossima volta che sentite “non ho tempo”, ricordate l’orologio di Dalí: forse state semplicemente vivendo un momento in cui il tempo ha deciso di “sciogliersi” e correre più veloce!
Quindi, se siete a Venezia, fate un salto alla Galleria Bartoux. Osservate l’Orologio Molle. Vi garantisco che uscirete da lì non solo con una foto incredibile, ma con una prospettiva completamente nuova sul vostro bene più prezioso. ✨
Dalí and the Enigma of Time: The Most Surreal Sculpture in the World Arrives at the Bartoux Gallery in Venice!
🕰️ Dalí’s Liquefied Clock: A Treasure in Venice that Makes You See Time Again
Hey, imagine strolling through Venice, perhaps with a cicchetto in hand, and stumbling upon something completely crazy and beautiful. I’m not talking about a gondolier singing opera, but a work of art straight from a dream: Salvador Dalí’s iconic “Molle Watch.” Right there, in the sophisticated Galleria Bartoux in Venice, you can see this sculpture, which is not just polished bronze, but a true reminder that time is not at all what we think.
When Art Takes Life from a Leaky Cheese!
That sculpture, which looks like a watch melting in the sun (and has a crown on top, for its regal grandeur), is the symbol of Dalí’s eccentric genius. He is the one who, with his curled mustache, made Surrealism a worldwide phenomenon. It all began in 1931, when Dalí was eating a piece of Camembert that was melting on the table. That banal image gave him the inspiration to create his most famous painting, The Persistence of Memory. The melted watch says something simple, yet revolutionary: time is not rigid and measurable, but fluid, almost sticky. You know when you’re on vacation with friends? The hours fly by! And when you’re standing in line at the post office? It feels like you’re growing old there. The Soft Watch is the physical representation of this sensation: time is elastic and adapts to our feelings.
The Einstein Connection: You Don’t Need a Physics Degree!
Okay, I know that when you hear “Einstein” and “time,” you immediately think of complicated formulas. But the connection is more intuitive than it seems.
What does a Spanish artist have to do with a German physicist?
Einstein, with his Theory of Relativity, told us that the universe is strange: time is not the same for everyone. If you travel at crazy speeds, time passes more slowly for you than for someone standing still on Earth.
In practice:
Einstein (Scientist): Time changes depending on the observer’s speed (it is relative).
Dalí (Artist): Time changes depending on the observer’s state of mind (it is subjective).
Dalí, although he didn’t create his work with a mathematical calculation in mind, perfectly visualized the same concept: our perception of reality, and time itself, is not fixed! Looking at his sculpture, we see an hour that is literally bending, just as space-time does in Einstein’s universe. It’s dream physics translated into metal.
Remember That It Doesn’t Add Up: The Value of Precious Time
This sculpture is much more than a beautiful piece of art; it’s a wake-up call. When you see that clock spilling, it reminds you that time slips away. Dalí uses form to convey a crucial message about time as a precious resource.
Think about it: in a world where we are obsessed with speed, Dalí tells us, “Slow down, or at least feel your own time pass.”
It’s fleeting: We can’t grasp it, just as the clock has no defined, stable shape.
It’s memory: The clock “melts” and deforms, but the numbers remain. What matters is not the advancing hand, but the experiences that are imprinted in our memory.
It’s life: Humans try to harness time (with diaries, appointments, schedules), but Dalí pushes us to accept its liquid and unpredictable nature.
Next time you hear “I don’t have time,” remember Dalí’s clock: maybe you’re simply experiencing a moment in which time has decided to “melt” and run faster!
So, if you’re in Venice, stop by the Galleria Bartoux. Check out the Soft Clock. I guarantee you’ll leave not only with an incredible photo, but with a whole new perspective on your most prized possession. ✨
Dalí et l’énigme du temps : la sculpture la plus surréaliste du monde arrive à la Galerie Bartoux à Venise !
🕰️ L’Horloge Liquéfiée de Dalí : Un trésor à Venise qui vous fait revoir le temps
Hé, imaginez-vous flâner dans Venise, un cicchetto à la main, et tomber sur quelque chose de complètement fou et magnifique. Je ne parle pas d’un gondolier chantant un opéra, mais d’une œuvre d’art tout droit sortie d’un rêve : l’emblématique « Montre Molle » de Salvador Dalí. Juste là, dans la sophistiquée Galleria Bartoux de Venise, vous pouvez admirer cette sculpture, qui n’est pas seulement en bronze poli, mais qui nous rappelle avec force que le temps n’est pas du tout ce que nous pensons.
Quand l’art prend vie à partir d’une fuite Fromage !
Cette sculpture, qui ressemble à une montre fondant au soleil (surmontée d’une couronne pour sa majesté), est le symbole du génie excentrique de Dalí. C’est lui qui, avec sa moustache bouclée, a fait du surréalisme un phénomène mondial. Tout a commencé en 1931, alors que Dalí mangeait un morceau de camembert qui fondait sur la table. Cette image banale lui a inspiré son tableau le plus célèbre, La Persistance de la mémoire. La montre fondue exprime quelque chose de simple, mais de révolutionnaire : le temps n’est ni rigide ni mesurable, mais fluide, presque collant. Vous savez, quand vous êtes en vacances avec des amis ? Les heures passent vite ! Et quand vous faites la queue à la poste ? On a l’impression de vieillir. La Montre Souple est la représentation physique de cette sensation : le temps est élastique et s’adapte à nos émotions.
Le lien avec Einstein : nul besoin d’un diplôme de physique !
D’accord, je sais que lorsqu’on entend « Einstein » et « temps », on pense immédiatement à des formules complexes. Mais le lien est plus intuitif qu’il n’y paraît.
Quel est le rapport entre un artiste espagnol et un physicien allemand ?
Einstein, avec sa théorie de la relativité, nous a dit que l’univers est étrange : le temps n’est pas le même pour tous. Si vous voyagez à une vitesse folle, le temps s’écoule plus lentement pour vous que pour quelqu’un immobile sur Terre.
En pratique :
Einstein (Scientifique) : Le temps change en fonction de la vitesse de l’observateur (il est relatif).
Dalí (Artiste) : Le temps change en fonction de l’état d’esprit de l’observateur (il est subjectif).
Dalí, bien qu’il n’ait pas créé son œuvre avec un calcul mathématique en tête, a parfaitement visualisé le même concept : notre perception de la réalité, et le temps lui-même, ne sont pas fixes ! En regardant sa sculpture, on voit une heure qui se courbe littéralement. Tout comme l’espace-temps dans l’univers d’Einstein. C’est la physique du rêve transposée en métal.>
N’oubliez pas que le compte n’est pas bon : la valeur du temps précieux
Cette sculpture est bien plus qu’une belle œuvre d’art ; c’est un signal d’alarme. Quand vous voyez cette horloge débordante, elle vous rappelle que le temps s’écoule. Dalí utilise la forme pour transmettre un message crucial sur le temps, ressource précieuse.
Pensez-y : dans un monde où la vitesse nous obsède, Dalí nous dit : « Ralentissez, ou du moins sentez votre temps passer. »
C’est fugace : Nous ne pouvons le saisir, tout comme l’horloge n’a pas de forme définie et stable.
C’est la mémoire : L’horloge « fond » et se déforme, mais les chiffres demeurent. Ce qui compte, ce n’est pas la main qui avance, mais les expériences qui s’impriment dans notre mémoire.
C’est la vie : nous essayons de maîtriser le temps (agendas, rendez-vous, plannings), mais Dalí nous pousse à accepter sa nature fluide et imprévisible.
La prochaine fois que vous entendrez « Je n’ai pas le temps », souvenez-vous de l’horloge de Dalí : peut-être vivez-vous simplement un moment où le temps a décidé de « fondre » et de s’accélérer !
Alors, si vous êtes à Venise, arrêtez-vous à la Galleria Bartoux. Découvrez l’horloge souple. Je vous garantis que vous repartirez non seulement avec une photo incroyable, mais aussi avec une toute nouvelle perspective sur votre bien le plus précieux. ✨
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Un Viaggio Incantevole nel Cuore della Luce: Scopri l’Arte di Stefano Curto!
Siete pronti a lasciarvi trasportare in un universo di brillantezza, spiritualità e pura meraviglia? Oggi vi portiamo alla scoperta di un artista straordinario e di un’opera che vi lascerà senza fiato: “Evolution-Involution Majestic” di Stefano Curto! Immaginatevi di camminare per le calli di Venezia, la città più magica del mondo, e di imbattervi in qualcosa che vi attira irresistibilmente. Ebbene, sappiate che potete vivere proprio questa esperienza perché alcune opere di Stefano Curto sono esposte alla prestigiosa Galleria Bartoux a Venezia! Un’occasione imperdibile per toccare con gli occhi la sua arte. Ma addentriamoci nel dettaglio di questa gemma scintillante. L’opera nella foto che vi mostriamo, “Evolution-Involution Majestic”, non è un semplice quadro. È un portale verso una dimensione superiore, un vero e proprio capolavoro di Light Art che vi farà brillare gli occhi!
“Evolution-Involution Majestic”: Un Universo in 92.000 Cristalli!
Preparatevi a restare a bocca aperta: “Evolution-Involution Majestic” è realizzata con la bellezza mozzafiato di 92.000 cristalli incastonati su plexiglass! Sì, avete letto bene, quasi centomila frammenti di luce sapientemente disposti a mano per creare un effetto che va oltre la semplice osservazione. Con le sue dimensioni imponenti (Ø 1200 x 20 mm), quest’opera circolare, che fa parte di una collezione privata, cattura lo sguardo e lo trascina in un vortice di blu profondo e bianco abbagliante, costellato di mille scintillii che ricordano una galassia lontana. Non è forse l’immagine più affascinante che abbiate visto?
Chi è l’Alchimista della Luce: Stefano Curto
Dietro a tanta meraviglia c’è la mente geniale di Stefano Curto, un artista italiano nato a Segusino (Treviso) nel 1966. Stefano non è solo un artista visivo; è anche un musicista, e la sua arte è profondamente influenzata dai suoi lunghi viaggi e dalla sua viscerale passione per le gemme. Pensate: un ingegnere meccanico di formazione che si trasforma in un maestro della luce e della spiritualità! Questa fusione di precisione tecnica e visione artistica è ciò che rende il suo lavoro così unico e potente.
“Evolution-Involution”: Il Viaggio Alchemico del “THETArt”
La serie “Evolution-Involution” è il cuore pulsante del lavoro di Curto, un vero e proprio “viaggio alchemico” che lui stesso definisce “THETArt”.
La Magia dei Materiali: Immaginate migliaia di cristalli e minerali di diverse dimensioni e colori, assemblati con una pazienza infinita su tele di Plexiglas. L’effetto? Non è solo luce, è pura magia! Le sue opere ricordano le magnifiche vetrate gotiche, dove la luce viene trasformata e filtrata, creando un dialogo tra il caos e l’ordine, il visibile e l’invisibile.
Il Simbolismo del Cerchio: Le opere di Curto sono quasi sempre circolari, e non è un caso. Il cerchio è il simbolo universale dell’eternità, della spiritualità, del ciclo infinito di nascita, trasformazione e rinascita. È il fulcro del suo concetto di “Evolution-Involution”: un movimento continuo, un’ascesa e una discesa che ci ricordano la ciclicità della vita e dell’universo.
Un’Esperienza Intuitiva: Come ha notato Charlotte Johnson, ex curatrice al Victoria and Albert Museum di Londra, l’arte di Curto è un prisma che ci guida in un momento di pura contemplazione. È un invito a staccare dalla frenesia del mondo esterno, a mettere in pausa i pensieri e a concentrarci su noi stessi. L’artista ci sussurra: “Il pensiero parte dal centro dell’opera. Ruotandoci attorno, studiandolo, comprendendolo profondamente e, infine, tornando al suo centro.” È un’esperienza quasi meditativa, non trovate?
Non Perdetevelo alla Galleria Bartoux!
Se questo viaggio attraverso la luce e il simbolismo vi ha affascinato, non perdete l’occasione di vedere da vicino le opere di Stefano Curto. Vi aspettano alla Galleria Bartoux a Venezia, pronte a regalarvi un’emozione indescrivibile e a farvi riflettere sulla bellezza e sulla profondità dell’esistenza.
Cosa state aspettando? Un pezzo di universo vi aspetta a Venezia! Andate a scoprire la magia di Stefano Curto e lasciatevi avvolgere dalla luce dei suoi cristalli. Vi promettiamo che sarà un’esperienza indimenticabile!
Evolution-Involution: 92,000 Crystals and an Alchemical Journey You Can’t Miss at Galeries Bartoux in Venice!
An Enchanting Journey to the Heart of Light: Discover the Art of Stefano Curto!
Are you ready to be swept away into a universe of brilliance, spirituality, and pure wonder? Today, we are taking you to discover an extraordinary artist and a masterpiece that will leave you breathless: “Evolution-Involution Majestic” by Stefano Curto! Imagine walking the streets of Venice, the most magical city in the world, and stumbling upon something that irresistibly draws you in. Well, you can live that exact experience because some of Stefano Curto’s works are on display at the prestigious Galeries Bartoux in Venice! An unmissable opportunity to witness his art up close. But let’s dive into the details of this sparkling gem. The work in the photo we are showing you, “Evolution-Involution Majestic,” is not just a painting. It is a portal to a higher dimension, a true masterpiece of Light Art that will make your eyes shine!
“Evolution-Involution Majestic”: A Universe in 92,000 Crystals!
Prepare to be amazed: “Evolution-Involution Majestic” is made with the breathtaking beauty of 92,000 crystals set on Plexiglas! Yes, you read that right—nearly a hundred thousand fragments of light expertly arranged by hand to create an effect that goes beyond simple observation. With its striking dimensions (Ø 1200 x 20 mm), this circular work, which belongs to a private collection, captures the gaze and pulls it into a vortex of deep blue and dazzling white, studded with a thousand sparkles reminiscent of a distant galaxy. Isn’t this one of the most mesmerizing images you’ve ever seen?
Who is the Alchemist of Light: Stefano Curto
Behind all this wonder is the brilliant mind of Stefano Curto, an Italian artist born in Segusino (Treviso) in 1966. Stefano is not just a visual artist; he is also a musician, and his art is deeply influenced by his long travels and his visceral passion for gemstones. Think about it: a mechanical engineer by training who transforms into a master of light and spirituality! This fusion of technical precision and artistic vision is what makes his work so unique and powerful.
“Evolution-Involution”: The Alchemical Journey of “THETArt”
The “Evolution-Involution” series is the pulsating heart of Curto’s work, a true “alchemical journey” that he calls “THETArt”.
The Magic of Materials: Imagine thousands of crystals and minerals of different sizes and colors, assembled with infinite patience on Plexiglas canvases. The effect? It’s not just light; it’s pure magic! His works recall magnificent Gothic stained-glass windows, where light is transformed and filtered, creating a dialogue between chaos and order, the visible and the invisible.
The Symbolism of the Circle: Curto’s works are almost always circular, and this is no accident. The circle is the universal symbol of eternity, spirituality, and the infinite cycle of birth, transformation, and rebirth. It is the core of his “Evolution-Involution” concept: a continuous movement, an ascent and descent that reminds us of the cyclical nature of life and the universe.
An Intuitive Experience: As noted by Charlotte Johnson, former curator at the Victoria and Albert Museum in London, Curto’s art functions as a prism that guides us into a moment of pure contemplation. It is an invitation to detach from the frenzy of the outside world, to pause our thoughts, and to focus on ourselves. The artist whispers to us: “Every thought starts from the center of the opera. Revolving around it, studying it, deeply understanding it and, at last, coming back to its center.” It’s an almost meditative experience, don’t you think?
Don’t Miss It at Galeries Bartoux!
If this journey through light and symbolism has captivated you, do not miss the opportunity to see Stefano Curto’s works up close. They await you at Galeries Bartoux in Venice, ready to give you an indescribable emotion and make you reflect on the beauty and depth of existence.
What are you waiting for? A piece of the universe awaits you in Venice! Go discover the magic of Stefano Curto and let yourself be enveloped by the light of his crystals. We promise it will be an unforgettable experience!
Evolution-Involution : 92 000 Cristaux et un Voyage Alchimique à ne pas Manquer à la Galerie Bartoux de Venise !
Un Voyage Enchanteur au Cœur de la Lumière : Découvrez l’Art de Stefano Curto!
Êtes-vous prêts à vous laisser emporter dans un univers de brillance, de spiritualité et d’émerveillement pur ? Aujourd’hui, nous vous emmenons à la découverte d’un artiste extraordinaire et d’une œuvre qui vous coupera le souffle : « Evolution-Involution Majestic » de Stefano Curto ! Imaginez-vous marcher dans les ruelles de Venise, la ville la plus magique du monde, et tomber sur quelque chose qui vous attire irrésistiblement. Eh bien, sachez que vous pouvez vivre exactement cette expérience, car certaines œuvres de Stefano Curto sont exposées à la prestigieuse Galerie Bartoux à Venise ! Une occasion à ne pas manquer de voir son art de près. Mais plongeons dans les détails de ce joyau scintillant. L’œuvre sur la photo que nous vous montrons, « Evolution-Involution Majestic », n’est pas un simple tableau. C’est un portail vers une dimension supérieure, un véritable chef-d’œuvre de Light Art qui fera briller vos yeux !
« Evolution-Involution Majestic » : Un Univers en 92 000 Cristaux !
Préparez-vous à être éblouis : « Evolution-Involution Majestic » est réalisée avec la beauté époustouflante de 92 000 cristaux incrustés sur du plexiglas ! Oui, vous avez bien lu, près de cent mille fragments de lumière savamment disposés à la main pour créer un effet qui va au-delà de la simple observation. Avec ses dimensions imposantes (Ø 1200 x 20 mm), cette œuvre circulaire, qui fait partie d’une collection privée, captive le regard et l’entraîne dans un tourbillon de bleu profond et de blanc éclatant, parsemé de mille étincelles rappelant une galaxie lointaine. N’est-ce pas l’image la plus fascinante que vous ayez vue ?
Qui est l’Alchimiste de la Lumière : Stefano Curto
Derrière tant de merveille se cache l’esprit génial de Stefano Curto, un artiste italien né à Segusino (Trévise) en 1966. Stefano n’est pas seulement un artiste visuel ; il est aussi musicien, et son art est profondément influencé par ses longs voyages et sa passion viscérale pour les pierres précieuses. Pensez-y : un ingénieur mécanicien de formation qui se transforme en maître de la lumière et de la spiritualité ! Cette fusion de précision technique et de vision artistique est ce qui rend son travail si unique et puissant.
« Evolution-Involution » : Le Voyage Alchimique du « THETArt »
La série « Evolution-Involution » est le cœur battant du travail de Curto, un véritable « voyage alchimique » qu’il définit lui-même comme le « THETArt ».
La Magie des Matériaux : Imaginez des milliers de cristaux et de minéraux de différentes tailles et couleurs, assemblés avec une patience infinie sur des toiles de Plexiglas. L’effet ? Ce n’est pas seulement de la lumière, c’est de la pure magie ! Ses œuvres rappellent les magnifiques vitraux gothiques, où la lumière est transformée et filtrée, créant un dialogue entre le chaos et l’ordre, le visible et l’invisible.
Le Symbolisme du Cercle : Les œuvres de Curto sont presque toujours circulaires, et ce n’est pas un hasard. Le cercle est le symbole universel de l’éternité, de la spiritualité et du cycle infini de la naissance, de la transformation et de la renaissance. C’est le pivot de son concept d’« Evolution-Involution » : un mouvement continu, une ascension et une descente qui nous rappellent la cyclicité de la vie et de l’univers.
Une Expérience Intuitive : Comme l’a noté Charlotte Johnson, ancienne conservatrice au Victoria and Albert Museum de Londres, l’art de Curto fonctionne comme un prisme qui nous guide vers un moment de pure contemplation. C’est une invitation à se détacher de la frénésie du monde extérieur, à mettre nos pensées en pause et à nous concentrer sur nous-mêmes. L’artiste nous murmure : « Chaque pensée part du centre de l’œuvre. Tourner autour, l’étudier, le comprendre profondément et, enfin, revenir à son centre. » N’est-ce pas une expérience quasi méditative ?
Ne la Manquez pas à la Galerie Bartoux !
Si ce voyage à travers la lumière et le symbolisme vous a fasciné, ne manquez pas l’occasion de voir les œuvres de Stefano Curto de près. Elles vous attendent à la Galerie Bartoux à Venise, prêtes à vous offrir une émotion indescriptible et à vous faire réfléchir sur la beauté et la profondeur de l’existence.
Qu’attendez-vous ? Un morceau d’univers vous attend à Venise ! Allez découvrir la magie de Stefano Curto et laissez-vous envelopper par la lumière de ses cristaux. Nous vous promettons que ce sera une expérience inoubliable !
Questo articolo è stato scritto in italiano e in inglese, per la traduzione, scendete in basso
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Venezia, 3D e Rivoluzione Tattile: L’Onda di ABI3D che Travolge Palazzo Mocenigo!
Amici del design, dell’innovazione e di tutto ciò che è meravigliosamente nuovo: la Venice Design Week 2025 ha alzato il sipario su un futuro che non avevamo ancora osato sognare! E il cuore pulsante di questa rivoluzione è un luogo d’eccezione: il maestoso Palazzo Mocenigo, custode secolare dei segreti di tessuti e profumi. Qui, tra stucchi antichi e memorie di seta, la mostra “Filamenta” ha acceso i riflettori su una realtà Londinese che sta riscrivendo le regole del gioco: ABI3D. Preparatevi, perché quello che fanno è pura magia.
ABI3D: Quando l’Artigianato Indossa il Mantello della Stampa 3D
Dimenticate l’immagine fredda e industriale della stampa 3D. L’approccio di ABI3D è qualcosa di totalmente diverso: è un nuovo artigianato che fonde l’anima della tradizione con la potenza della tecnologia. Come dicono loro stessi (e come abbiamo letto nella didascalia), sono specializzati nell’unire innovazione, creatività e design con un focus fortissimo su due concetti chiave che ci stanno a cuore: la sostenibilità e l’ottimizzazione dei materiali. Non si tratta solo di stampare oggetti; si tratta di plasmare soluzioni sartoriali per l’arte, l’architettura e l’oggetto di design, superando la distanza tra il bit e il tatto. Sono i pionieri che trasformano il file digitale in emozione fisica!
L’Opera a Palazzo: Un’Identità Liquida e Sconvolgente
E l’opera che ci troviamo di fronte, magnificamente esposta su quel drappo nero, è la prova tangibile di questa fusione. Non è solo un’esposizione, è una dichiarazione sul futuro dell’identità!
Guardatela bene:
In Alto: Un volto che sembra appena emerso da un sogno iper-tecnologico. È inquietante, è affascinante, con quella texture che solo la stampa 3D può creare e quegli occhi in più che ci fissano. È l’Uomo 2.0, fatto di strati e possibilità inedite.
Al Centro: La persona si cela dietro una maschera geometrica, un’interfaccia che divide l’identità analogica da quella digitale. È la perfetta sintesi tra design rigido e l’irregolarità della vita.
In Basso: Un volto interamente scomposto in pixel, una grana che ci ricorda quanto siamo ormai fatti di dati. È l’identità che si dissolve e si ricompone, come un file che si carica…
Questa installazione non usa solo la tecnologia 3D: parla di essa. Ci chiede: chi siamo quando la linea tra l’umano e il digitale scompare? E ABI3D ci risponde: siamo una possibilità di design in continua evoluzione, plasmata con materiali innovativi e una profonda responsabilità.
Un Ponte Tra Secoli
Vedere questa ricerca d’avanguardia all’interno di un luogo storico come Palazzo Mocenigo è un’emozione pazzesca. È la dimostrazione che l’eccellenza italiana sa onorare la sua storia, proiettandosi con coraggio nel domani. ABI3D non è solo un’azienda, è una visione. E la loro presenza alla Venice Design Week, in una mostra focalizzata sulla sostenibilità tessile, conferma che il futuro del design sarà sempre più multidisciplinare, etico ed entusiasmante.
Se siete a Venezia, correte a toccare con gli occhi questa rivoluzione. Il futuro è qui, ed è stato stampato in 3D!
From Bit to Silk: How ABI3D and 3D Printing Are Rewriting the Future of Design
Venice, 3D, and the Tactile Revolution: The ABI3D Wave that’s Sweeping Palazzo Mocenigo!
Friends of design, innovation, and everything wonderfully new: the Venice Design Week 2025 has lifted the curtain on a future we hadn’t yet dared to dream of! And the pulsating heart of this revolution is an exceptional location: the majestic Palazzo Mocenigo, a centuries-old custodian of the secrets of textiles and perfumes. Here, amidst ancient stucco and memories of silk, the exhibition “Filamenta” has shone a spotlight on an London company that is rewriting the rules of the game: ABI3D. Get ready, because what they do is pure magic.
ABI3D: When Craftsmanship Dons the Cloak of 3D Printing
Forget the cold, industrial image of 3D printing. ABI3D’s approach is something entirely different: it’s a new form of craftsmanship that fuses the soul of tradition with the power of technology. As they state themselves (and as we read in their panel), they specialize in combining technological innovation, creativity, and design with a strong focus on two key concepts close to our hearts: sustainability and material optimization. It’s not just about printing objects; it’s about shaping tailored solutions for art, architecture, and product design, bridging the gap between the digital bit and the physical touch. They are the pioneers who transform the digital file into physical emotion!
The Artwork at the Palace: A Liquid and Groundbreaking Identity
And the artwork before us, magnificently displayed on that black banner, is tangible proof of this fusion. It’s not just an exhibit, it’s a declaration about the future of identity!
Take a good look:
At the Top: A face that seems to have just emerged from a hyper-technological dream. It’s unsettling, it’s fascinating, with that texture only 3D printing can create and those extra eyes staring out at us. It’s Human 2.0, made of layers and unprecedented possibilities.
In the Middle: The person is concealed behind a geometric mask, an interface that divides the analog from the digital identity. It’s the perfect synthesis of rigid design and the irregularity of life.
At the Bottom: A face entirely broken down into pixels, a grain that reminds us how much we are now composed of data. It is identity dissolving and reassembling, like a file being loaded…
This installation doesn’t just use 3D technology—it speaks about it. It asks us: who are we when the line between human and digital disappears? And ABI3D answers: we are a constantly evolving design possibility, shaped with innovative materials and deep responsibility.
A Bridge Between Centuries
Seeing this cutting-edge research inside a historic venue like Palazzo Mocenigo is incredibly exciting. It is proof that Italian excellence knows how to honour its history while bravely projecting itself into tomorrow. ABI3D is not just a company; it is a vision. And their presence at the Venice Design Week, in an exhibition focused on textile sustainability, confirms that the future of design will be increasingly multidisciplinary, ethical, and thrilling.
If you are in Venice, rush to see this revolution with your own eyes. The future is here, and it has been 3D printed!
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Venezia risorge nell’arte: Galeries Bartoux, Dalí e l’ex Cinema Accademia diventano magia
Se pensavate che Venezia avesse già mostrato tutte le sue meraviglie, preparatevi a restare a bocca aperta. È nata una nuova stella nel firmamento dell’arte contemporanea: “Galeries Bartoux” ha aperto la sua prima sede italiana nell’ex Cinema Accademia a Dorsoduro – un luogo che per decenni è stato il cuore pulsante del cinema d’essai veneziano – e lo ha trasformato in qualcosa di epico, di sensoriale, di profondamente emozionante.
Chi sono le Galeries Bartoux
Da più di trent’anni le Bartoux sono sinonimo di ricerca estetica, di audacia creativa, di spazi eleganti dove l’arte non è solo da guardare, ma da vivere. Fondate da Robert & Isabelle Bartoux nel 1993, hanno ampliato la loro presenza globale con gallerie a Parigi, Londra, Miami, New York, Monaco, Singapore… tutte accomunate dallo stile Bartoux: un mix raffinato fra grandi maestri consolidati (scultori, pittori, street‑artists) e giovani talenti emergenti. Bartoux non è solo esposizione: è esperienza. Realtà aumentata, spazi immersivi, dialogo fra arte, architettura, design. Ogni galleria è vetrina prestigiosa ma anche luogo d’innamoramento estetico.
Venezia: l’ex Cinema Accademia come palco di un sogno
Immaginate: un cinema storico, chiuso nel 2002, con le sue sedute, il buio, il fascino retrò, che si risveglia in una veste nuova. Le pareti, il soffitto, le volte – perfino il pavimento – ora diventano tele immense, coinvolgenti, capaci di trasportare lo spettatore dentro un sogno. L’ex Cinema Accademia, attivo dal 1928, e costruito su un teatro del XVI secolo, è stato restaurato con grande attenzione al passato, ma proiettato verso il futuro. Lo spazio è di circa 1.200 m²: sale espositive, un cinema immersivo di 500 metri quadrati con un’altezza di circa 12 metri (cioè puoi guardare in alto, sentirti “avvolto” dal racconto), un “Café des Arts” curato da Le Marcandole, un giardino privato di sculture. Il concept si chiama Bartoux Experience: arte, design, tecnologia, comunità, emozione.
Dalí è Venezia: surrealismo in mostra, immersività e incanto
Il grande protagonista dell’apertura è Salvador Dalí. Bartoux collabora con Dalí Universe per presentare la mostra “Dalí è Venezia”. Sarà una selezione di sculture, dipinti, litografie del maestro del Surrealismo. Ma non è tutto: al contempo verrà inaugurato il cinema immersivo con una produzione video inedita, intitolata Una Serenissima come sogno surreale di Salvador Dalí. Un’esperienza che non si limita al contemplare, ma che avvolge lo spettatore, lo trasforma in protagonista. Dalí ebbe legami reali con Venezia: partecipò alla Biennale del 1954, creò un poster per Piazza San Marco nel 1976, dipinse “Othello rêvant de Venise” nel 1982. Questi riferimenti rendono l’omaggio “Dalí è Venezia” non solo bello, ma toccante, come se la città stessa fosse chiamata a dialogare con il suo visitatore attraverso il surrealismo.
🎶 Musica, magie, folla: una serata da sogno
E qui entra il cuore emozionale dell’evento: l’inaugurazione non è stata una semplice cerimonia, ma un’esperienza totale. Il locale gremito, un fermento nell’aria. Sulle terrazze o attici, violiniste in abito elegante che si librano sulle note, invitano l’udito a sposarsi con la vista, la pelle, il respiro. Immaginate: note dolci che risuonano mentre proiezioni immersive avvolgono le pareti, figure surreali che prendono vita e la città lagunare che si riflette in ogni quadro, ogni scultura. La folla? Decine, centinaia, fuori veneziani entusiasti, curiosi di passaggio, dentro appassionati d’arte, famiglie, influencers, critici. Un vero successo: applausi, ammirazione, commenti meravigliati. Tutto avvolto da luci, riflessi, texture, suoni di violini che sembravano sospesi nel cielo di Venezia.
🌟 Tecnologia già vista altrove, ma reinventata a Venezia
L’uso dell’esperienza immersiva (video, proiezioni, spazi che trasformano la percezione) non è del tutto nuovo per Bartoux: spiegazioni, anticipazioni parlano di realtà aumentata, virtual galleries, innovazioni similari. Ma la vera novità è come queste tecnologie siano integrate qui, nell’ex Cinema Accademia: l’altezza del soffitto, la grande volumetria, la storia dello spazio (cinema / teatro) rendono tutto perfetto per proiezioni immersive, suoni riverberanti, giochi fra luce e architettura.
✅ Risultato: un successo che promette continuità
L’inaugurazione è stata già segnata come una serata memorabile: ottima affluenza, entusiasmo vero, critica positiva. “Dalí è Venezia” non è solo una mostra, ma una promessa: che Bartoux abbia restituito alla città un luogo di cultura, ma anche di comunità, di gioia, di stupore. Che l’arte possa catturare non solo lo sguardo, ma il cuore. E che questa nuova casa dell’arte abbia già cominciato a vivere, a respirare, a emozionare.
Venice transforms into a surrealist dream: the Galeries Bartoux inaugurate the Gallerie Bartoux in the former Cinema Accademia!
Venice resurfaces in art: Galeries Bartoux, Dalí, and the former Cinema Accademia become magical
If you thought Venice had already shown all its wonders, prepare to be amazed. A new star has been born in the firmament of contemporary art: “Galeries Bartoux” has opened its first Italian location in the former Cinema Accademia in Dorsoduro—a place that for decades was the beating heart of Venetian arthouse cinema—and has transformed it into something epic, sensorial, and profoundly moving.
Who are Galeries Bartoux
For more than thirty years the Bartoux have been synonymous with aesthetic research, creative audacity, elegant spaces where art is not just to be looked at, but to be experienced. Founded by Robert & Isabelle Bartoux, founded in 1993, has expanded their global presence with galleries in Paris, London, Miami, New York, Monaco, and Singapore—all sharing the Bartoux style: a refined blend of established masters (sculptors, painters, and street artists) and emerging young talents. Bartoux isn’t just an exhibition: it’s an experience. Augmented reality, immersive spaces, and a dialogue between art, architecture, and design. Each gallery is a prestigious showcase but also a place of aesthetic romance.
Venice: the former Cinema Accademia as the stage for a dream
Imagine: a historic cinema, closed in 2002, with its seats, darkness, and retro charm, awakening in a new guise. The walls, the ceiling, the vaults—even the floor—now become immense, engaging canvases, capable of transporting the viewer into a dream. The former Cinema Accademia, open since 1928 and built on a 16th-century theater, has been restored with great attention to the past, but with a focus on the future. The space is approximately 1,200 m²: exhibition halls, a 500-square-meter immersive cinema about 12 meters high (so you can look up and feel “enveloped” by the story), a “Café des Arts” curated by Le Marcandole, and a private sculpture garden. The concept is called Bartoux Experience: art, design, technology, community, emotion.
Dalí is Venice: surrealism on display, immersion and enchantment
The star of the opening is Salvador Dalí. Bartoux collaborates with Dalí Universe to present the exhibition “Dalí is Venice.” It will feature a selection of sculptures, paintings, and lithographs by the master of Surrealism. But that’s not all: at the same time, the immersive cinema will be inaugurated with a new video production, entitled “A Serenissima as a Surreal Dream by Salvador Dalí.” An experience that isn’t limited to contemplation, but envelops the viewer, transforming them into protagonists. Dalí had real ties to Venice: he participated in the 1954 Biennale, created a poster for PiazZa San Marco in 1976, he painted “Othello rêvant de Venise” in 1982. These references make the homage “Dalí is Venice” not only beautiful, but touching, as if the city itself were called to dialogue with its visitor through surrealism.
🎶 Music, magic, crowd: a dream evening
And here comes the emotional heart of the event: the inauguration wasn’t just a simple ceremony, but a total experience. The venue was packed, a buzz in the air. On terraces or attics, elegantly dressed violinists soar to the music, inviting the ear to marry the sight, the skin, the breath. Imagine: sweet notes resonating while immersive projections envelop the walls, surreal figures coming to life, and the lagoon city reflected in every painting, every sculpture. The crowd? Dozens, hundreds, enthusiastic Venetians outside, curious passers-by, art lovers, families, influencers, and critics inside. A true success: applause, admiration, and amazed comments. All wrapped in lights, reflections, textures, and the sounds of violins that seemed suspended in the Venetian sky.
🌟 Technology already seen elsewhere, but reinvented in Venice
The use of immersive experiences (videos, projections, spaces that transform perception) is not entirely new to Bartoux: explanations and previews speak of augmented reality, virtual galleries, and similar innovations. But the real innovation is how these technologies are integrated here, in the former Cinema Accademia: the height of the ceiling, the large volume, the history of the space (cinema/theater) make everything perfect for immersive projections, reverberating sounds, and interplays of light and architecture.
✅ Result: a success that promises continuity
The inauguration has already been marked as a memorable evening: excellent A turnout, genuine enthusiasm, and positive reviews. “Dalí is Venice” isn’t just an exhibition, it’s a promise: that Bartoux has given the city a place of culture, but also of community, joy, and wonder. That art can capture not only the eye, but the heart. And that this new home of art has already begun to live, breathe, and excite.
Venise se transforme en rêve surréaliste : les Galeries Bartoux inaugurent la Gallerie Bartoux dans l’ancien Cinéma Accademia !
Venise refait surface dans l’art : les Galeries Bartoux, Dalí et l’ancien Cinéma Accademia deviennent magiques
Si vous pensiez que Venise avait déjà dévoilé toutes ses merveilles, préparez-vous à être émerveillé. Une nouvelle étoile est née au firmament de l’art contemporain : les Galeries Bartoux ont ouvert leur premier espace italien dans l’ancien Cinéma Accademia de Dorsoduro, un lieu qui fut pendant des décennies le cœur battant du cinéma d’art et d’essai vénitien, et l’ont transformé en un lieu épique, sensoriel et profondément émouvant.
Qui sont les Galeries Bartoux ?
Depuis plus de trente ans, la maison Bartoux est synonyme de recherche esthétique, d’audace créative et d’espaces élégants où l’art ne se contente pas d’être regardé, mais s’expérimente. Fondée par Robert & Fondée en 1993, Isabelle Bartoux a étendu sa présence internationale avec des galeries à Paris, Londres, Miami, New York, Monaco et Singapour, toutes partageant le style Bartoux : un mélange raffiné de maîtres reconnus (sculpteurs, peintres et street artistes) et de jeunes talents émergents. Bartoux n’est pas seulement une exposition : c’est une expérience. Réalité augmentée, espaces immersifs et dialogue entre art, architecture et design. Chaque galerie est une vitrine prestigieuse, mais aussi un lieu de romance esthétique.
Venise : l’ancien Cinéma Accademia, théâtre d’un rêve
Imaginez : un cinéma historique, fermé en 2002, avec ses fauteuils, son obscurité et son charme rétro, se réveille sous un nouveau jour. Les murs, le plafond, les voûtes, et même le sol, deviennent désormais d’immenses toiles captivantes, capables de transporter le spectateur dans un rêve. L’ancien Cinéma Accademia, ouvert depuis 1928 et construit sur un théâtre du XVIe siècle, a été restauré avec une grande attention portée au passé, mais avec une attention particulière portée à l’avenir. L’espace d’environ 1 200 m² comprend des salles d’exposition, un cinéma immersif de 500 m² à environ 12 mètres de hauteur (pour que vous puissiez lever les yeux et vous sentir enveloppé par l’histoire), un « Café des Arts » organisé par Le Marcandole, et un jardin de sculptures privé. Le concept s’appelle Bartoux Experience : art, design, technologie, communauté, émotion.
Dalí est Venise : le surréalisme exposé, immersion et enchantement
La star du vernissage est Salvador Dalí. Bartoux collabore avec Dalí Universe pour présenter l’exposition « Dalí is Venice ». Elle présentera une sélection de sculptures, de peintures et de lithographies du maître du surréalisme. Mais ce n’est pas tout : parallèlement, le cinéma immersif sera inauguré avec une nouvelle production vidéo intitulée « Une Sérénissime comme rêve surréaliste de Salvador Dalí ». Une expérience qui ne se limite pas à la contemplation, mais enveloppe le spectateur, le transformant en protagoniste. Dalí entretenait des liens étroits avec Venise : il a participé à la Biennale de 1954, créé une affiche pour la place Saint-Marc en 1976, peint « Othello rêvant de Veni » (Othello, le rêveur de Venise) la même année et créé « Le Secret de Venise ».Après avoir quitté San Marco en 1976, il peint « Othello rêvant de Venise » en 1982. Ces références rendent l’hommage « Dalí est Venise » non seulement beau, mais touchant, comme si la ville elle-même était appelée à dialoguer avec son visiteur à travers le surréalisme.
🎶 Musique, magie, foule : une soirée de rêve
Et voici le cœur émotionnel de l’événement : l’inauguration n’était pas une simple cérémonie, mais une expérience à part entière. La salle était pleine à craquer, l’ambiance était palpable. Sur les terrasses ou les greniers, des violonistes élégamment vêtus s’élancent au rythme de la musique, invitant l’oreille à épouser la vue, la peau, le souffle. Imaginez : de douces notes résonnent tandis que des projections immersives enveloppent les murs, des figures surréalistes prennent vie, et la ville lagunaire se reflète dans chaque tableau, chaque sculpture. La foule ? Des dizaines, des centaines : des Vénitiens enthousiastes à l’extérieur, des passants curieux, des amateurs d’art, des familles, des influenceurs et des critiques à l’intérieur. Un véritable succès : applaudissements, admiration et commentaires émerveillés. Le tout enveloppé de lumières, de reflets, de textures et du son des violons qui semblait suspendu dans le ciel vénitien.
🌟 Une technologie déjà vue ailleurs, mais réinventée à Venise
L’utilisation d’expériences immersives (vidéos, projections, espaces transformant la perception) n’est pas une nouveauté pour Bartoux : explications et aperçus évoquent la réalité augmentée, les galeries virtuelles et autres innovations similaires. Mais la véritable innovation réside dans la manière dont ces technologies sont intégrées ici, dans l’ancien Cinéma Accademia : la hauteur sous plafond, le volume important et l’histoire du lieu (cinéma/théâtre) se prêtent parfaitement aux projections immersives, aux sons réverbérants et aux jeux de lumière et d’architecture.
✅ Résultat : un succès qui promet la continuité
L’inauguration a déjà été marquée par une soirée mémorable : une excellente affluence, un enthousiasme sincère et des critiques positives. « Dalí est Venise » n’est pas seulement une exposition, c’est une promesse : Bartoux a offert à la ville un lieu de culture, mais aussi de convivialité, de joie et d’émerveillement. Que l’art puisse captiver non seulement les yeux, mais aussi le cœur. Et ce nouveau foyer de l’art a déjà commencé à vivre, à respirer et à s’animer.
Che succede quando moda, interior design e sperimentazione tessile si incontrano in uno dei palazzi più affascinanti di Venezia? Succede Filamenta, una mostra meravigliosamente visionaria che ci porta dentro un mondo dove i tessuti non sono solo “materiali”, ma racconti, memorie, rivoluzioni silenziose. Dal 11 al 19 ottobre 2025, Palazzo Mocenigo si trasforma in un laboratorio creativo in cui abiti, filati, progetti e visioni dialogano con gli ambienti storici del museo. Se ami la moda che osa, il design che esplora, e tutto ciò che nasce dalla fusione tra bellezza e innovazione sostenibile… questo evento fa per te. E fidati: non è la solita mostra.
🧶 Un filo che lega moda, design e natura
Filamenta è più di un’esposizione: è un viaggio nei materiali del futuro. Qui si parla di fibre bio-derivate, lavorazioni sperimentali, tecnologie tessili e, soprattutto, di immaginazione applicata.
Al centro della mostra ci sono:
Aziende tessili che lavorano con materiali innovativi,
Studenti e studentesse del corso di laurea magistrale in Moda dello IUAV di Venezia,
E tantissime storie intrecciate, tra memoria, artigianato e ricerca contemporanea.
La curatela è firmata da Angelica Stea, e l’organizzazione è a cura di Arte e Design Venezia, in collaborazione con il Museo e l’Università IUAV.
🎤 Una giornata speciale da non perdere: 13 ottobre
Segnati questa data: 13 ottobre 2025, ore 15:00 Palazzo Mocenigo ospita la conferenza “Ripensare i materiali della moda e dell’interior design in un contesto ecologico critico” — un talk super stimolante con relatori come Alessandra Vaccari, Lucia Rosin, Raffaella Fagnoni, Gabriele Rorandelli, moderati da Clizia Moradei. A seguire, la presentazione ufficiale della mostra Filamenta. Due ore di pura ispirazione, domande importanti e visioni sul futuro del design.
💫 WormChair: la seta, l’infanzia e la metamorfosi
Parole dell’artista: “WormChair nasce per mettere in risalto il tessuto artigianale, esplorando ciò che il materiale potrebbe diventare in un contesto applicativo. Il design tessile astrae immagini microscopiche da un tradizionale sari di seta indiano. Ho scattato foto digitali al microscopio del sari di mia nonna e le ho stampate digitalmente su tessuto di twill di cotone.
Il tessuto viene poi fuso con un tessuto a maglia industriale che ho realizzato utilizzando lana e filati elastici. La struttura a maglia richiama il motivo a quadretti del sari originale.
Il nome WormChair è un gioco di parole con “poltrona”, in riferimento alla seta e al suo legame con la metamorfosi del baco da seta. Il tessuto nasce da una collezione di quattro pezzi, ognuno dei quali rappresenta una fase del ciclo vitale del baco da seta: uovo, baco, bozzolo e falena, offrendo un modo per visualizzare le radici materiali del tessuto e approfondire il nostro rapporto con il mondo naturale da cui nascono i nostri tessuti.”
Secondo la mia modesta opinione, la WormChair di Latika Balachander è semplicemente fantastica. A prima vista è un oggetto di design affascinante, ma basta avvicinarsi per capire che dentro c’è molto, molto di più. Latika parte da qualcosa di profondamente personale — un sari di seta appartenuto a sua nonna — e lo osserva al microscopio, trasformando quei dettagli invisibili in una nuova pelle tessile. Il risultato è un’opera che intreccia ricordi, metamorfosi e innovazione. La sedia stessa racconta il ciclo vitale del baco da seta, dall’uovo alla falena, e ci invita a riflettere sulle origini dei materiali che usiamo ogni giorno. È più di un oggetto: è un messaggio, una storia, un invito a guardare oltre le superfici.
🏛 Perché proprio Palazzo Mocenigo?
Perché questo museo è la casa ideale per parlare di tessuto e trasformazione. Non è solo uno spazio espositivo, ma un Centro Studi sulla storia del tessuto, del costume e del profumo. Dentro ci sono un sacco di volumi, campioni di stoffa e costumi storici. Qui il tessile è cultura viva.
E allora, portare dentro questo luogo progetti del futuro, come quelli presentati in Filamenta, crea un cortocircuito bellissimo tra passato e avanguardia.
🎟 Info pratiche
📍 Dove: Museo di Palazzo Mocenigo, Venezia
📅 Quando: dall’11 al 19 ottobre 2025
🎤 Talk e inaugurazione: 13 ottobre, ore 15:00
❤️ Perché non puoi perderla?
Perché Filamenta è uno di quegli eventi che unisce bellezza, pensiero critico, materiali che sorprendono e progetti che fanno riflettere. Che tu sia designer, studente, artista, curioso o semplicemente una persona che ama scoprire il mondo… qui troverai stimoli, emozione e un sacco di ispirazione. E poi, quando mai ti capita di vedere un sari stampato al microscopio, diventare una sedia chiamata WormChair?
Filamenta at Palazzo Mocenigo: Where Fashion Meets Design
What happens when fashion, interior design, and textile experimentation meet in one of Venice’s most fascinating palaces? It’s called Filamenta, a wonderfully visionary exhibition that takes us into a world where fabrics aren’t just “materials,” but stories, memories, silent revolutions. From October 11 to 19, 2025, Palazzo Mocenigo will be transformed into a creative laboratory where clothes, yarns, projects, and visions dialogue with the museum’s historic spaces. If you love daring fashion, exploratory design, and everything born from the fusion of beauty and sustainable innovation… this event is for you. And trust me: it’s not your usual exhibition.
🧶 A thread that connects fashion, design, and nature
Filamenta is more than an exhibition: it’s a journey into the materials of the future. Here we talk about bio-derived fibers, experimental processes, textile technologies and, above all, applied imagination.
At the heart of the exhibition are:
Textile companies working with innovative materials,
Students of the Master’s Degree in Fashion at IUAV in Venice,
And so many intertwined stories, between memory, craftsmanship, and contemporary research.
The curatorship is by Angelica Stea, and the organization is by Arte e Design Venezia, in collaboration with the Museum and the IUAV University.
🎤 A special day not to be missed: October 13th
Save the date: October 13, 2025, 3:00 PM. Palazzo Mocenigo hosts the conference “Rethinking Fashion and Interior Design Materials in a Critical Ecological Context”—a highly stimulating talk with speakers such as Alessandra Vaccari, Lucia Rosin, Raffaella Fagnoni, and Gabriele Rorandelli, moderated by Clizia Moradei. Following, at 4:30 PM, the official presentation of the Filamenta exhibition. Two hours of pure inspiration, important questions, and visions of the future of design.
💫 WormChair: Silk, Childhood, and Metamorphosis
The artist speaks: “WormChair was born to highlight handcrafted textiles, exploring what the material could become in an applied context. The textile design abstracts microscopic images from a traditional Indian silk sari. I took digital photographs of my grandmother’s sari under a microscope and digitally printed them on cotton twill fabric.
The fabric is then fused with an industrial knit I made using wool and stretch yarns. The knit structure recalls the checked pattern of the original sari.
The name WormChair is a play on words, referring to silk and its connection to the metamorphosis of the silkworm. The fabric is born from a collection of four pieces, each representing a stage in the silkworm’s life cycle: egg, worm, cocoon, and moth, offering a way to visualize the fabric’s material roots and delve deeper into the”reflecting our relationship with the natural world from which our fabrics are born.”
In my opinioin, Latika Balachander’s WormChair is nothing short of fantastic. At first glance, it’s a captivating piece of design — but there’s so much more beneath the surface. Latika begins with something deeply personal: a silk sari that belonged to her grandmother. She examines it under a microscope and transforms those invisible details into a new textile skin. The result is a work that weaves together memory, metamorphosis, and innovation. The chair itself tells the life cycle of the silkworm — from egg to moth — and invites us to reflect on the origins of the materials we use every day. It’s more than an object: it’s a message, a story, a gentle call to look beyond the visible.
🏛 Why Palazzo Mocenigo?
Because this museum is the ideal home for discussing textiles and transformation. It’s not just an exhibition space, but a Study Center for the history of textiles, costume, and perfume. Inside area lot of volumes, fabric samples, and historical costumes. Here, textiles are living culture.
And so, bringing projects of the future into this place, like those presented in Filamenta, creates a beautiful short circuit between the past and the avant-garde.
🎟 Practical information
📍 Where: Palazzo Mocenigo Museum, Venice
📅 When: From October 11 to 19, 2025
🎤 Talk and inauguration: October 13, 3:00 PM
❤️ Why can’t you miss it?
Because Filamenta is one of those events that combines beauty, critical thinking, surprising materials, and thought-provoking projects. Whether you’re a designer, student, artist, curious, or simply someone who loves to explore the world… here you’ll find stimulation, excitement, and tons of inspiration. And then, when do you ever get the chance to see a sari printed under a microscope become a chair called WormChair?
Scopri l’Eredità Affascinante di Casanova a Palazzo Mocenigo: Una Mostra che Ti Conquisterà!
Ciao a tutti, appassionati di storia, arte e cinema! Immaginate di camminare tra le sale di un antico palazzo veneziano, circondati da costumi sfavillanti, ritratti misteriosi e storie che sembrano uscite da un film. Beh, non è un sogno: sto parlando della nuova, imperdibile mostra “Casanova 1725-2025: L’eredità di un mito tra storia, arte e cinema” al Museo di Palazzo Mocenigo. Aperta dal 29 agosto al 2 novembre 2025, questa esposizione celebra i 300 anni dalla nascita di Giacomo Casanova, quel leggendario avventuriero veneziano che ha incantato (e scandalizzato) il mondo con le sue memorie. Se siete a Venezia o state pianificando un viaggio, questa è l’occasione perfetta per immergervi in un’epoca di intrighi, passioni e genio creativo. Ve lo dico subito: uscirne indifferenti è impossibile!
Partiamo dal cuore della mostra: un viaggio emozionante attraverso la vita rocambolesca di Casanova, raccontata non solo con documenti storici e opere d’arte, ma anche con un occhio al cinema che lo ha reso immortale. Pensate a Federico Fellini e al suo iconico film del 1976, “Casanova”, con Donald Sutherland nei panni del seduttore per eccellenza. Qui potrete ammirare da vicino sei costumi originali di quel capolavoro, disegnati dal genio Danilo Donati (che vinse pure un Oscar per essi!). Immaginate taffetà pastello, velluti barocchi e tessuti che sembrano sussurrare storie di corti spagnole, competizioni romane e incantesimi francesi. È come entrare nel set di Fellini, con bozzetti che trasformano la pellicola in quadri viventi, ispirati a maestri come Hogarth, Guardi e Tiepolo. Che emozione vedere come il cinema ha reinterpretato Casanova non come un donnaiolo superficiale, ma come un simbolo di vuoto esistenziale, un automa intrappolato nella sua stessa fama!
Il percorso espositivo è un vero e proprio labirinto di sorprese, diviso in sezioni che ti catturano passo dopo passo. Si inizia con la biografia avventurosa di Giacomo: dalla nascita a Venezia nel 1725, agli studi a Padova, alla prigione nei Piombi e alla fuga leggendaria nel 1756. Poi, un confronto mozzafiato tra un ritratto settecentesco attribuito a Pietro Longhi – un elegante gentiluomo con libro, anello e parrucca incipriata – e la locandina del film di Fellini, che lo trasforma in una figura meccanica e disumanizzata. Non mancano tre dipinti sensuali di Giambattista Pittoni, con divinità mitologiche come Apollo, Venere e Diana in pose teatrali e licenziose, che evocano l’atmosfera erotica e raffinata del Settecento. E per i cultori della storia, c’è la sezione dedicata ad Aldo Ravà, quel collezionista veneziano del primo Novecento (1879-1923) che ha riabilitato l’immagine di Casanova. Appassionato del Settecento, Ravà ha pubblicato oltre venti studi su di lui, scoprendo lettere, opuscoli rari e persino la biblioteca del castello di Dux dove Casanova passò gli ultimi anni. Grazie a lui, Casanova non è più solo un libertino, ma un acuto osservatore del suo tempo – e la mostra espone documenti dalla sua collezione al Museo Correr che vi faranno venire i brividi!
A rendere tutto questo possibile è un team di curatori eccezionali. Parliamo di Luigi Zanini, il curatore del Museo di Palazzo Mocenigo, un vero veterano con una esperienza immensa: ha collaborato a tantissime mostre di successo, da quelle sulla storia del profumo (ricordate la Collezione Storp, con oltre 500 flaconi storici?) a esposizioni sulla moda maschile del Settecento. Zanini sa come trasformare un museo in un’esperienza viva, e qui ha unito forze con Monica Viero e Gianni De Luigi per creare qualcosa di magico. A proposito di Gianni De Luigi: è un esperto di arte e cinema, con un background che spazia da studi su Fellini a progetti curatoriali innovativi. Ha curato questa mostra con un tocco personale, mescolando storia e schermo in modo da farvi sentire parte del mito. Insieme, hanno reso Palazzo Mocenigo il palcoscenico perfetto per rivivere l’eredità di Casanova!
Ma non è solo una mostra per esperti: è per tutti! Che siate cinefili, amanti della storia o semplicemente curiosi di Venezia, qui troverete ispirazione, stupore e un sacco di spunti per foto da urlo. Immaginate di uscire con la testa piena di aneddoti da raccontare agli amici – tipo come Casanova tradusse l’Iliade o fondò un giornale satirico che gli costò l’esilio. E il palazzo stesso? Un gioiello del Settecento, con sale affrescate e un’atmosfera che ti trasporta indietro nel tempo.
Non aspettare: segnatevi le date, dal 29 agosto al 2 novembre 2025, al primo piano del Museo di Palazzo Mocenigo. Biglietti e orari sul sito ufficiale – è facile e accessibile. Veniteci con amici, famiglia o da soli per un momento di puro incanto. Fidatemi, dopo questa mostra vedrete Casanova (e Venezia) con occhi nuovi. Che state aspettando? Correte a prenotare, non ve ne pentirete – potrebbe essere l’evento culturale dell’anno che vi cambierà la prospettiva sul mito più affascinante della storia! 😊
Discover the Fascinating Legacy of Casanova at Palazzo Mocenigo: A Must-See Exhibition!
Hello, lovers of history, art, and cinema! Picture yourself walking through the halls of a grand Venetian palace, surrounded by dazzling costumes, mysterious portraits, and stories that feel like they’re straight out of a movie. Well, it’s not a dream: I’m talking about the unmissable exhibition “Casanova 1725–2025: The Legacy of a Myth Between History, Art and Cinema” at the Palazzo Mocenigo Museum. Running from August 29 to November 2, 2025, this exhibition celebrates the 300th anniversary of the birth of Giacomo Casanova – the legendary Venetian adventurer who enchanted (and scandalized) the world with his memoirs. If you’re in Venice or planning a trip, this is the perfect opportunity to dive into an era of intrigue, passion, and creative genius. I’ll say it right away: it’s impossible to walk away unaffected!
Let’s start at the heart of the show: an emotional journey through Casanova’s adventurous life, told not only through historical documents and artwork but also through the lens of cinema, which has made him immortal. Think of Federico Fellini and his iconic 1976 film “Casanova”, starring Donald Sutherland as the ultimate seducer. Here, you’ll get to admire six original costumes from that masterpiece, designed by the brilliant Danilo Donati (who even won an Oscar for them!). Picture pastel taffeta, baroque velvets, and fabrics that seem to whisper stories of Spanish courts, Roman duels, and French enchantments. It’s like stepping onto Fellini’s set, with original sketches that turn film into living paintings inspired by masters like Hogarth, Guardi, and Tiepolo. What a thrill to see how cinema reimagined Casanova not just as a womanizer, but as a symbol of existential emptiness – a man trapped in the myth of his own fame!
The exhibition layout is a true labyrinth of surprises, divided into captivating sections. It begins with Casanova’s adventurous biography: from his birth in Venice in 1725, to his studies in Padua, his imprisonment in the Piombi, and his legendary escape in 1756. One of the most striking comparisons is between a stunning 18th-century portrait attributed to Pietro Longhi – showing a refined gentleman holding a book, ring, and powdered wig – and the stark movie poster for Fellini’s film, depicting Casanova as a mechanical, dehumanized figure. There are also three sensual paintings by Giambattista Pittoni, featuring mythological gods like Apollo, Venus, and Diana in theatrical, suggestive poses – evoking the erotic and elegant atmosphere of the 1700s.
And for history buffs, there’s a section dedicated to Aldo Ravà, a Venetian collector from the early 20th century (1879–1923) who helped restore Casanova’s image. Passionate about the 18th century, Ravà published over 20 studies on him, unearthing letters, rare pamphlets, and even the library at Dux Castle, where Casanova spent his final years. Thanks to Ravà, Casanova is no longer seen just as a libertine, but as a sharp observer of his time – and the exhibition features documents from his collection at the Museo Correr that will give you goosebumps!
What makes all of this possible is a team of exceptional curators. Leading the way is Luigi Zannini, curator of the Palazzo Mocenigo Museum – a true veteran with immense experience. He has worked on many successful exhibitions, from perfume history (remember the Storp Collection, with over 500 historical flacons?) to 18th-century men’s fashion. Zannini knows how to transform a museum into a living experience, and here he’s joined forces with Monica Viero and Gianni De Luigi to create something magical. Speaking of Gianni De Luigi: he’s an expert in art and cinema, with a background ranging from studies on Fellini to innovative curatorial projects. His touch in this show is unmistakable – blending history and film in a way that makes you feel like part of the legend. Together, they’ve turned Palazzo Mocenigo into the perfect stage to relive Casanova’s legacy.
But this isn’t just a show for experts – it’s for everyone! Whether you’re a film buff, history lover, or just curious about Venice, you’ll find inspiration, wonder, and plenty of photo-worthy moments here. Imagine walking out with a head full of stories to tell your friends – like how Casanova translated the Iliad or founded a satirical newspaper that got him exiled. And the palace itself? A gem of the 18th century, with frescoed rooms and an atmosphere that truly transports you back in time.
Don’t wait: mark your calendars for August 29 to November 2, 2025, on the first floor of the Palazzo Mocenigo Museum. Tickets and hours are available on the official website – it’s easy and accessible. Bring your friends, your family, or come solo for a moment of pure enchantment. Trust me: after this exhibition, you’ll see Casanova (and Venice) with new eyes. What are you waiting for? Book your visit now – you won’t regret it. This could be the cultural event of the year that changes the way you see one of history’s most fascinating figures! 😊
Diario di un operatore museale 